Das Museum of Modern Art (MoMA) in New York hat die mehrjährige wissenschaftliche Untersuchung und Konservierung eines seiner zentralen Exponate beendet. Das im Jahr 1950 entstandene Werk One Number 31 Jackson Pollock gilt als eines der bedeutendsten Beispiele der sogenannten Drip-Painting-Technik des US-amerikanischen Künstlers. Konservatoren des Museums führten die Arbeiten unter Einsatz moderner Röntgenspektroskopie durch, um die chemische Zusammensetzung der verschiedenen Farbschichten zu analysieren.
Die Kuratorin Ann Temkin erklärte in einer offiziellen Stellungnahme des MoMA, dass die Stabilität des monumentalen Werks oberste Priorität für die kunsthistorische Forschung besaß. Das Gemälde misst etwa 269 mal 530 Zentimeter und besteht aus einer komplexen Struktur aus Öl- und Emaillefarben auf einer ungrundierten Leinwand. Durch die Behandlung wurden oberflächliche Verschmutzungen und Vergilbungen entfernt, die über Jahrzehnte hinweg die Leuchtkraft der ursprünglichen Pigmente beeinträchtigt hatten.
Technischer Hintergrund der Restaurierung von One Number 31 Jackson Pollock
Die spezialisierte Abteilung für Konservierung am MoMA nutzte für die Analyse tragbare Röntgenfluoreszenz-Scanner, um die Pigmentverteilung ohne physische Probenentnahme zu kartieren. Diese Technologie ermöglichte es den Technikern, die exakte Reihenfolge der Farbaufträge nachzuvollziehen, die der Künstler im Herbst 1950 vornahm. Laut einem Bericht des Museum of Modern Art offenbarte die Untersuchung, dass die Leinwand an mehreren Stellen empfindlicher auf Luftfeuchtigkeit reagierte als bisher angenommen.
Wissenschaftler stellten fest, dass die verwendeten industriellen Lacke unterschiedliche Trocknungszeiten aufwiesen, was zu mikroskopischen Rissen in der Oberflächenstruktur führte. Die Restauratoren stabilisierten diese Bereiche mit synthetischen Harzen, die chemisch neutral auf die originalen Materialien wirken. Dieser Prozess erforderte eine präzise Abstimmung, da die ungrundierte Leinwand des Werks One Number 31 Jackson Pollock Flüssigkeiten extrem schnell absorbiert.
Chemische Analyse der Pigmente
Die Analyse der Farbstoffe zeigte eine Verwendung von Titanweiß und verschiedenen synthetischen Polymeren, die typisch für die US-amerikanische Industrieproduktion der Nachkriegszeit waren. Dr. Jennifer Hickey, Konservierungswissenschaftlerin am MoMA, dokumentierte die Verwendung von handelsüblichen Hausfarben, die der Künstler aufgrund ihrer flüssigen Konsistenz bevorzugte. Diese Entdeckung bestätigt frühere Thesen über die Materialwahl, die von Kunsthistorikern wie Clement Greenberg bereits in den 1950er Jahren diskutiert wurden.
Die Forscher identifizierten zudem Spuren von Aluminiumfarben, die für den charakteristischen metallischen Glanz in bestimmten Abschnitten verantwortlich sind. Diese Schichten waren durch Oxidation besonders gefährdet und erhielten eine spezielle Schutzbehandlung, um weitere chemische Veränderungen zu unterbinden. Die genaue Dokumentation dieser Daten dient nun als Referenzwert für zukünftige Konservierungsprojekte ähnlicher Formate.
Bedeutung für die Klassische Moderne
Das Werk markiert den Höhepunkt der künstlerischen Phase, in der die Staffeleimalerei zugunsten einer direkten Bearbeitung der auf dem Boden liegenden Leinwand aufgegeben wurde. Das Metropolitan Museum of Art ordnet diese Arbeitsweise dem Abstrakten Expressionismus zu, einer Bewegung, welche die physische Geste des Malens in das Zentrum der Betrachtung rückte. Die monumentale Größe des Bildes zwingt den Betrachter dazu, sich aktiv im Raum zu bewegen, um die gesamte Komposition zu erfassen.
In der Kunstgeschichte wird diese Phase oft als „Action Painting“ bezeichnet, ein Begriff, den der Kritiker Harold Rosenberg im Jahr 1952 prägte. Die jetzige Restaurierung verdeutlicht die bewusste Kontrolle, die trotz des scheinbar zufälligen Farbauftrags ausgeübt wurde. Experten betonen, dass die rhythmische Struktur der Linien ein hohes Maß an kompositorischer Planung erforderte, die nun durch die gereinigte Oberfläche deutlicher hervortritt.
Kritik am Erhaltungszustand und institutionelle Herausforderungen
Trotz des Erfolgs der Maßnahme gab es in der Fachwelt Diskussionen über den Grad der Reinigung. Kritiker wie der Kunsthistoriker James Elkins warnten in der Vergangenheit davor, dass eine zu gründliche Entfernung von Patina den historischen Charakter eines Kunstwerks verfälschen könnte. Das Konservierungsteam entgegnete, dass die Lesbarkeit der Linienführung ohne die Entfernung der gealterten Firnisschichten nicht mehr gewährleistet gewesen wäre.
Ein weiteres Problem stellt die langfristige Präsentation solcher Großformate in Museen dar. Die klimatischen Anforderungen für die Erhaltung der Mischtechnik sind hoch, da die verschiedenen Farbmittel unterschiedlich auf Temperaturschwankungen reagieren. Das MoMA investierte daher parallel zur Restaurierung in eine neue Klimatechnik für die Galerien des vierten Stockwerks, um die relativen Feuchtigkeitswerte konstant bei 50 Prozent zu halten.
Finanzielle Aspekte und Marktwert
Obwohl das Gemälde Teil der permanenten Sammlung ist und nicht zum Verkauf steht, schätzen Versicherungsexperten den Wert vergleichbarer Hauptwerke auf dreistellige Millionenbeträge. Ein ähnliches Bild aus derselben Schaffensperiode wurde vor einigen Jahren bei einer Auktion von Christie's für über 140 Millionen Dollar versteigert. Die Kosten für die Restaurierung selbst belaufen sich laut inoffiziellen Schätzungen auf einen sechsstelligen Betrag, der teilweise durch private Spenden finanziert wurde.
Die Aufwertung der institutionellen Bestände durch solche wissenschaftlichen Projekte steigert zudem die Attraktivität für internationale Leihgaben. Das Museum verzeichnete seit der Wiedereröffnung des entsprechenden Saals einen Anstieg der Besucherzahlen um 15 Prozent im Vergleich zum Vorjahr. Dies unterstreicht die anhaltende Relevanz der amerikanischen Moderne für das globale Publikum und den Tourismussektor in New York City.
Zukünftige Ausstellungen und Forschungsvorhaben
Das MoMA plant für das kommende Jahr eine Sonderausstellung, die den Fokus auf die technischen Aspekte der Entstehung legt. Dabei sollen die während der Restaurierung angefertigten Röntgenaufnahmen und Makrofotografien erstmals der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden. Diese didaktische Aufbereitung soll das Verständnis für die Materialität jenseits der rein ästhetischen Wirkung fördern.
Parallel dazu bereiten andere Institutionen wie die National Gallery of Art in Washington D.C. vergleichende Studien an ihren eigenen Beständen vor. Die im Rahmen des aktuellen Projekts gewonnenen Daten über die Alterung von Emaillefarben werden in einer internationalen Datenbank für Museen veröffentlicht. Dies ermöglicht es kleineren Sammlungen, von den technologischen Fortschritten der großen Institute zu profitieren.
Es bleibt abzuwarten, wie sich die neu gewonnenen Erkenntnisse auf die Zuschreibung von bisher ungesicherten Werken aus diesem Umfeld auswirken werden. Kunstexperten beobachten genau, ob die chemischen Profile der Farben als eine Art digitaler Fingerabdruck für die Authentifizierung dienen können. Die kommenden Fachkonferenzen in den USA und Europa werden sich intensiv mit der Integration dieser naturwissenschaftlichen Methoden in die kunsthistorische Bewertung befassen.
