Das Mädchen auf der Leinwand trug eine Brille, die ihr ständig von der Nase rutschte, und Haare, die sich jeder Ordnung widersetzten. In einem dunklen Kinosaal in Berlin-Mitte saß eine junge Frau im Jahr 2018 und sah Meg Murry dabei zu, wie sie gegen die eigene Unsicherheit kämpfte, während sich der Raum um sie herum in unmögliche geometrische Formen faltete. Es war dieser eine Moment, in dem die Protagonistin erkannte, dass ihre Fehler kein Ballast waren, sondern genau das Werkzeug, das sie brauchte, um ihren Vater aus der Finsternis zu retten. Dieser A Wrinkle in Time Film versuchte etwas, das im modernen Kino selten geworden ist: Er wollte das abstrakte Konzept der Quantenphysik mit der zerbrechlichen Textur der kindlichen Seele verweben. Regisseurin Ava DuVernay stand vor der monumentalen Aufgabe, ein Buch zu adaptieren, das jahrzehntelang als unverfilmbar galt, weil seine eigentliche Handlung nicht in fernen Galaxien, sondern in den Windungen des menschlichen Herzens stattfand.
Madeleine L’Engle hatte die Vorlage in den frühen 1960er Jahren geschrieben, in einer Zeit, in der die Welt zwischen dem Optimismus des Weltraumzeitalters und der lähmenden Angst vor dem atomaren Untergang schwankte. Sie mischte christliche Mystik mit Einsteins Relativitätstheorie und schuf eine Geschichte, die sich weigerte, Kinder zu unterschätzen. Als die Walt Disney Studios entschieden, dieses Erbe für ein Millionenpublikum aufzubereiten, ging es um mehr als nur Spezialeffekte. Es war ein Wagnis, eine Geschichte über Licht und Schatten in einer Ära zu erzählen, die oft nur noch laute Spektakel kannte. Die Produktion wurde zu einem Symbol für Inklusion, indem sie die Familie Murry in einer Weise besetzte, die das moderne Amerika widerspiegelte, statt sich an die Illustrationen der Erstausgabe zu klammern.
Doch hinter den leuchtenden Farben und den schwebenden Kostümen von Oprah Winfrey lag eine tiefere Frage verborgen. Wie übersetzt man das Gefühl einer Tesserakt-Reise, die laut Buch eine Faltung von Raum und Zeit darstellt, in ein visuelles Medium? Die visuelle Gestaltung musste eine Brücke schlagen zwischen der kühlen Präzision der Wissenschaft und der Wärme einer Umarmung. In den Studios in Kalifornien und an den neuseeländischen Küsten arbeiteten Hunderte von Künstlern daran, den Planeten Camazotz zum Leben zu erwecken. Es ist ein Ort der absoluten Konformität, an dem Kinder im Gleichschritt ihre Bälle prellen und jede Abweichung als Krankheit gilt – eine Metapher für den gesellschaftlichen Druck, die heute aktueller wirkt als zum Zeitpunkt des Erscheinens des Romans.
Das Erbe von Ava DuVernay und der A Wrinkle in Time Film
Die Entscheidung für DuVernay als Regisseurin war ein Signal. Zuvor hatte sie mit Projekten wie Selma die Geschichte der Bürgerrechtsbewegung seziert. Nun sollte sie ein Budget von über einhundert Millionen Dollar verwalten, eine Summe, die zuvor noch nie einer schwarzen Regisseurin für ein solches Epos anvertraut worden war. Der Druck war immens. Es ging nicht nur darum, ob das Werk an den Kinokassen bestehen würde, sondern darum, ob eine neue Generation von Träumern sich in den Falten der Zeit wiederfinden konnte. Die Kritik war gespalten, oft grausam in ihrem Urteil über die narrative Struktur, doch für die Zielgruppe – junge Menschen, die sich oft wie Außenseiter fühlten – bot das visuelle Fest eine Bestätigung ihrer Existenz.
In der Filmgeschichte gibt es Werke, die wie präzise Uhrwerke funktionieren, und solche, die wie ein expressionistisches Gemälde wirken. Diese Verfilmung gehört eindeutig zur zweiten Kategorie. Sie verzichtet auf die harte Logik von Science-Fiction-Blockbustern zugunsten einer traumartigen Logik. Wenn Mrs. Which, Mrs. Whatsit und Mrs. Who als interstellare Wesen erscheinen, bricht die konventionelle Erzählweise auf. Man spürte die Ambition, das Publikum nicht nur zu unterhalten, sondern es in einen Zustand des Staunens zu versetzen, der normalerweise den Momenten vorbehalten ist, in denen man nachts zum ersten Mal durch ein Teleskop blickt und die eigene Winzigkeit begreift.
Die Musik von Ramin Djawadi unterstützte diese Atmosphäre, indem sie elektronische Klänge mit orchestraler Wucht mischte. Es war eine akustische Darstellung des Tesserakts: eine Verbindung von zwei Punkten, die eigentlich weit voneinander entfernt sein sollten. In den Szenen, in denen Meg durch die Leere reist, wird die Stille fast physisch greifbar. Es ist ein filmisches Wagnis, das Tempo so drastisch zu drosseln, während moderne Produktionen meist auf ständige Reizüberflutung setzen. Hier durfte die Trauer um den vermissten Vater im Zentrum stehen, ein Schmerz, der so real war, dass keine intergalaktische Reise ihn vollständig überstrahlen konnte.
Wissenschaftlich gesehen spielt die Geschichte mit dem Gedanken der fünften Dimension. L’Engle nutzte das Bild eines Fadens, der durch eine Ameise überbrückt wird, indem man die Enden zusammenführt. Im Film wird diese Theorie zu einer spirituellen Reise. Charles Wallace, das hochbegabte kleine Bruder-Genie, dient dabei als Anker. Seine Verletzlichkeit gegenüber der dunklen Macht namens „Das Es“ zeigt, dass Intellekt ohne Empathie eine gefährliche Waffe sein kann. Die Dreharbeiten in Neuseeland boten dafür die perfekte Kulisse; die weiten, fast außerweltlichen Landschaften der Südinsel verliehen der Suche nach dem Licht eine Erdung, die rein digitale Hintergründe niemals hätten leisten können.
Man muss die Bedeutung dieses Projekts auch im Kontext der Bildungsgeschichte betrachten. Generationen von Schülern haben den Roman im Unterricht gelesen. Er war für viele der erste Kontakt mit der Idee, dass Religion und Wissenschaft keine Feinde sein müssen. Die filmische Umsetzung versuchte, diesen Geist zu bewahren, indem sie die universelle Suche nach Wahrheit betonte. In einer Szene, in der Meg auf dem Planeten Uriel landet und sich die Blumen in flüsternde Wesen verwandeln, wird deutlich, dass die Natur in dieser Weltanschauung eine eigene Sprache spricht. Es ist ein zutiefst ökologischer Ansatz, der darauf hindeutet, dass alles im Universum miteinander verbunden ist.
Die Mathematik des Herzens und der Mut zum Scheitern
Es ist leicht, ein Werk an seinen Fehlern zu messen. Es ist schwerer, die Absicht hinter dem Wagnis zu würdigen. Der A Wrinkle in Time Film ist ein unvollkommenes Meisterwerk der Intention. Er scheitert vielleicht an der strengen Dramaturgie, die Hollywood normalerweise verlangt, aber er triumphiert in seiner Weigerung, zynisch zu sein. In einer Zeit, in der viele Filme für Jugendliche ironisch oder distanziert wirken, war dieser Versuch einer direkten emotionalen Ansprache fast radikal. Die Botschaft, dass man seine dunklen Seiten akzeptieren muss, um ganz zu werden, ist eine psychologische Wahrheit, die Carl Jung sicher unterschrieben hätte.
In deutschen Kinosälen war die Resonanz gemischt. Das Publikum hierzulande schätzt oft eine klare Struktur und eine nachvollziehbare Logik in der fantastischen Erzählung. Doch gerade die Unschärfe, das Verschwimmen der Grenzen zwischen Realität und Vision, macht den Kern dieser Erzählung aus. Es geht um den Glauben – nicht zwingend im religiösen Sinne, sondern als Vertrauen in das Unsichtbare. Wenn die Kinder aufgefordert werden, einen Sprung durch das Universum zu wagen, ist das eine Metapher für das Erwachsenwerden selbst, für den Moment, in dem man die Hand der Eltern loslässt und in das Unbekannte tritt.
Die Kostüme von Paco Delgado waren kleine Kunstwerke für sich. Sie veränderten sich je nach Umgebung und Gemütszustand der Figuren. In ihnen spiegelte sich die Idee wider, dass Identität flüssig ist. Ein Wesen, das aus Licht besteht, kann nicht in eine feste Form gepresst werden. Diese visuelle Metapher zieht sich durch das gesamte Werk und fordert den Betrachter auf, seine eigenen festgefahrenen Sichtweisen zu hinterfragen. Warum erwarten wir von einem Film, dass er alle Fragen beantwortet, wenn das Leben selbst aus ständigen Rätseln besteht?
Wissenschaftler wie der Astrophysiker Neil deGrasse Tyson haben oft über die Genauigkeit von Science-Fiction in Hollywood debattiert. Während viele Details der Reise durch den Raum rein fiktional bleiben, bleibt der emotionale Kern der Theorie wahr: Raum und Zeit sind nicht starr. Unsere Wahrnehmung von ihnen hängt von unserer Position und unserer Geschwindigkeit ab. In der Geschichte von Meg ist ihre Geschwindigkeit durch ihre Angst gehemmt, und ihre Position wird durch ihren Mangel an Selbstvertrauen bestimmt. Erst als sie lernt, ihre Fehler als Teil ihrer kinetischen Energie zu begreifen, kann sie den Raum zwischen den Welten überwinden.
Es gab Momente während der Produktion, in denen die schiere Größe des Sets die Schauspieler einzuschüchtern schien. Storm Reid, die junge Hauptdarstellerin, musste oft allein gegen eine grüne Leinwand agieren, während sie sich vorstellen sollte, dass sie gegen das ultimative Böse kämpft. Dass ihre Leistung dennoch so viel Erdung besitzt, liegt an der engen Bindung, die am Set zwischen den Darstellern entstand. Chris Pine, der den verschollenen Vater spielt, verkörpert nicht den klassischen Helden, sondern einen gebrochenen Mann, dessen Neugier ihn fast alles gekostet hat. Diese Verletzlichkeit des Vaters ist es, die der Tochter erlaubt, über sich hinauszuwachsen. Es ist eine Umkehrung der klassischen Rollenbilder.
Wenn man heute auf dieses filmische Experiment zurückblickt, erkennt man eine Sehnsucht nach Aufrichtigkeit. In der Flut an Franchise-Filmen und Fortsetzungen wirkte dieses Werk wie ein erratischer Block, unhandlich und glänzend zugleich. Es erinnerte daran, dass Kino ein Ort der Empathie ist, an dem wir lernen können, durch die Augen eines anderen zu sehen – selbst wenn dieser andere Lichtjahre entfernt ist oder einfach nur am anderen Ende des Klassenzimmers sitzt. Die Geschichte endet nicht mit einem Sieg im herkömmlichen Sinne, sondern mit einer Heimkehr, die alles verändert hat, ohne dass sich die Welt im Außen sichtlich gewandelt hätte.
Die wahre Reise fand im Inneren statt. Der Tesserakt war nur das Vehikel, um Meg an den Punkt zu bringen, an dem sie sich selbst verzeihen konnte. Und vielleicht ist das die wichtigste Lektion, die wir aus der Auseinandersetzung mit solchen Erzählungen ziehen können: Die größten Distanzen legen wir nicht mit Raketen zurück, sondern mit der Entscheidung, jemanden zu lieben – inklusive uns selbst. Es bleibt das Bild eines Kindes, das lernt, dass sein Licht ausreicht, um die Schatten zu vertreiben, egal wie groß sie auch sein mögen.
Am Ende blieb in jenem Berliner Kino nur das sanfte Flimmern des Abspanns und das leise Schniefen eines Zuschauers in der hinteren Reihe. Draußen wartete die laute, graue Stadt, doch für einen kurzen Moment war der Asphalt unter den Füßen nicht mehr ganz so fest, als hätte jemand die Realität nur ein kleines Stück gefaltet, um uns zu zeigen, was dahinter liegt. Die Brille saß nun fest auf der Nase, und der Blick nach oben zu den Sternen fühlte sich ein wenig weniger einsam an als zuvor.
