a wrinkle in time 2018

Manchmal reicht ein Budget von über hundert Millionen Dollar und eine Starbesetzung nicht aus, um die Magie eines geliebten Kinderbuchklassikers auf die Leinwand zu bannen. Als Disney sich entschied, das komplexe Werk von Madeleine L’Engle neu zu verfilmen, waren die Erwartungen gigantisch. Doch die Realität sah anders aus: A Wrinkle in Time 2018 wurde zu einem Lehrstück darüber, wie man sich zwischen visueller Opulenz und erzählerischer Tiefe völlig verheddern kann. Ich erinnere mich noch gut an den Hype vor dem Kinostart, als die Trailer uns eine bunte, psychedelische Welt versprachen, die alles bisher Dagewesene in den Schatten stellen sollte. Was wir bekamen, war ein Film, der zwar wunderschön aussah, aber sein Herz irgendwo zwischen den Dimensionen verlor.

Wer den Film heute streamt, sieht sofort das Problem. Die Geschichte der jungen Meg Murry, die ihren verschollenen Vater in den Weiten des Universums sucht, wirkt gehetzt und gleichzeitig seltsam zäh. Es ist kein Geheimnis, dass die Produktion mit enormen Schwierigkeiten zu kämpfen hatte, den abstrakten Ton der Vorlage zu treffen. Das Buch lebt von philosophischen und religiösen Untertönen, die im Blockbuster-Kino oft keinen Platz finden. Regisseurin Ava DuVernay versuchte, dem Ganzen einen modernen, diversen Anstrich zu geben, was lobenswert war, aber das Drehbuch konnte mit dieser Vision schlichtweg nicht mithalten. Für eine detailliertere Darstellung zu diesem Bereich, empfehlen wir: diesen verwandten Artikel.

Die visuelle Überfrachtung und das Problem der Identität

Optisch ist das Werk ein zweischneidiges Schwert. Einerseits gibt es Szenen, die wie ein lebendig gewordenes Gemälde wirken. Die Kostüme von Mrs. Which, Mrs. Whatsit und Mrs. Who sind wahre Meisterwerke der Schneiderkunst. Wenn man sich die Detailarbeit ansieht, erkennt man den enormen Aufwand, der in das World-Building floss. Aber genau hier liegt der Hund begraben. Die Effekte wirken oft so künstlich, dass die emotionale Verbindung zu den Charakteren abreißt. Wenn Meg und ihr Bruder Charles Wallace durch bunte CGI-Nebel fliegen, spürt man als Zuschauer kaum die Gefahr. Es wirkt eher wie eine sehr teure Fahrt in einem Freizeitpark.

Warum das Tesserieren auf der Leinwand nicht funktioniert

In der Vorlage ist das Tesserieren – also das Falten von Raum und Zeit – ein fast schon spiritueller Vorgang. Im Film wird es zu einem visuellen Spektakel degradiert, das zwar cool aussieht, aber wenig Gewicht hat. Man hat das Gefühl, die Macher wollten unbedingt zeigen, was technisch möglich ist, anstatt zu erklären, was dieser Vorgang für die Psyche der Kinder bedeutet. Wer sich für die wissenschaftlichen Hintergründe von Wurmlöchern interessiert, findet bei der Max-Planck-Gesellschaft fundiertere Informationen als in diesem bunten Reigen. Das ist schade, denn das Thema Raumzeitkrümmung bietet eigentlich so viel Stoff für echtes Staunen. Für zusätzliche Informationen zu dieser Angelegenheit ist eine ausführliche Analyse bei GameStar zu finden.

Die Besetzung zwischen Genie und Wahnsinn

Oprah Winfrey als überlebensgroße Mrs. Which zu besetzen, war ein PR-Coup, aber schauspielerisch wirkt sie oft deplatziert. Sie schwebt mehr durch die Szenen, als dass sie wirklich agiert. Ganz anders sieht es bei Storm Reid aus. Die junge Hauptdarstellerin trägt den Film fast im Alleingang auf ihren Schultern. Ihre Darstellung der unsicheren, aber mutigen Meg ist der einzige Anker, der die Geschichte halbwegs am Boden hält. Man nimmt ihr den Schmerz über den Verlust des Vaters ab. Chris Pine als Wissenschaftler Dr. Murry macht seine Sache ebenfalls ordentlich, auch wenn er viel Zeit damit verbringt, mit traurigem Blick in dunklen Zellen zu hocken.

A Wrinkle in Time 2018 im Kontext der Disney-Strategie

Man muss verstehen, in welcher Phase sich das Studio befand, als es dieses Projekt grünes Licht gab. Es war die Ära, in der Disney versuchte, neben Marvel und Star Wars eine weitere große Fantasy-Marke zu etablieren. Man wollte weg von den klassischen Märchenverfilmungen und hin zu moderner Science-Fiction für die ganze Familie. Das Problem war nur, dass dieser spezielle Stoff sperrig ist. Er ist nicht so leicht verdaulich wie ein sprechender Schneemann oder ein Superheld in Blechrüstung. A Wrinkle in Time 2018 sollte eine neue Ära einläuten, wurde aber stattdessen zu einem finanziellen Grabmal. Das Einspielergebnis blieb weit hinter den Erwartungen zurück, und die Kritiker waren gnadenlos.

Das Marketing-Dilemma

Die Trailer suggerierten ein episches Abenteuer im Stil von Star Wars. Doch wer ins Kino ging, fand eine eher intime, psychologische Reise vor, die immer wieder durch laute Action-Sequenzen unterbrochen wurde. Diese Diskrepanz führte dazu, dass viele Zuschauer enttäuscht waren. Sie erwarteten Schlachten und bekamen Vorträge über Selbstliebe. Versteh mich nicht falsch, die Botschaft des Films ist wichtig und richtig. Aber wenn man sie mit dem Vorschlaghammer präsentiert, verliert sie ihre Kraft. Die Zielgruppe wurde schlichtweg falsch eingeschätzt. War es ein Film für kleine Kinder? Für Teenager? Für Fans des Buches? Am Ende fühlte sich niemand so richtig angesprochen.

Vergleich mit anderen Adaptionen

Es gab bereits 2003 einen Fernsehfilm zum gleichen Stoff. Der war billig produziert und sah furchtbar aus, hielt sich aber teilweise enger an die melancholische Stimmung des Buches. Die Version von 2018 wollte alles gleichzeitig sein: modern, divers, episch, emotional und wissenschaftlich. Das ist zu viel für einen einzelnen Film. Wer sich für die Geschichte der Filmförderung und die Unterstützung solcher Großprojekte interessiert, kann auf den Seiten der Filmförderungsanstalt sehen, wie komplex die Finanzierung solcher Werke oft ist, auch wenn Disney hier natürlich aus eigenen Mitteln schöpfte.

Die philosophischen Lücken der Handlung

Das Buch von L’Engle ist tief in christlicher Mystik und wissenschaftlicher Neugier verwurzelt. Im Film wurde vieles davon gestrichen oder durch vage Esoterik ersetzt. „Das Böse“ wird hier als „The IT“ bezeichnet, eine dunkle Wolke, die Planeten verschlingt. Das wirkt im Jahr 2018 einfach ein bisschen altbacken. Wir leben in einer Zeit, in der Bösewichte komplex sein müssen. Eine schwarze Rauchwolke motiviert niemanden mehr dazu, mitzufühlen oder sich wirklich zu fürchten. Die Konfrontation am Ende wirkt dadurch seltsam blutleer. Es gibt keinen echten Kampf, sondern eher einen moralischen Dialog. Das ist mutig für einen Blockbuster, funktioniert dramaturgisch aber nur bedingt.

Charles Wallace und die dunkle Seite

Der kleine Bruder von Meg ist im Buch ein Genie, ein Wunderkind, das fast schon unheimlich wirkt. Im Film ist er ein süßer Junge, der plötzlich böse wird. Die Verwandlung ist visuell gut umgesetzt, aber die Bedrohung bleibt oberflächlich. Man hat nie das Gefühl, dass Meg ihren Bruder wirklich verlieren könnte. Alles ist zu sauber. Selbst die dunklen Welten sehen irgendwie aus wie aus einem Hochglanzmagazin für Inneneinrichtung. Es fehlt der Dreck, die echte Angst, die Verzweiflung. Ohne diese Kontraste wirkt der Sieg des Lichts am Ende wenig verdient.

Die Rolle der drei Damen

Mrs. Whatsit, gespielt von Reese Witherspoon, sorgt für den humorvollen Part. Das funktioniert manchmal, wirkt aber oft angestrengt. Mindy Kaling als Mrs. Who, die nur in Zitaten spricht, ist eine interessante Idee, die im Film leider völlig untergeht. Man hätte aus diesen Charakteren so viel mehr herausholen können. Sie sind Wesen aus reinem Licht und Energie, die Milliarden Jahre alt sind. Doch im Film wirken sie wie exzentrische Tanten mit sehr viel Make-up. Der Funke will einfach nicht überspringen.

Warum das Scheitern eine Chance ist

Man kann dem Film eines nicht vorwerfen: mangelnden Mut. Ava DuVernay hat versucht, ein Statement zu setzen. Ein Cast, der die reale Welt widerspiegelt, ist in diesem Genre immer noch keine Selbstverständlichkeit. Auch wenn der Film finanziell enttäuschte, hat er Türen geöffnet. Er hat gezeigt, dass man solche Stoffe groß denken darf. Das Scheitern lag nicht an der Diversität oder der Vision, sondern schlicht am Handwerk des Geschichtenerzählens. Man kann die Physik der Raumzeit nicht ignorieren, wenn man einen Film darüber dreht. Wer mehr über die realen wissenschaftlichen Hintergründe von Zeitreisen erfahren möchte, sollte sich die Veröffentlichungen der European Space Agency ansehen. Dort wird deutlich, warum die Realität oft spannender ist als jede Fiktion.

Technische Aspekte der Produktion

Die Postproduktion des Films war ein logistischer Albtraum. Tausende von Spezialeffekten mussten koordiniert werden. Das führt oft dazu, dass der Regisseur den Fokus auf die Schauspieler verliert, weil er nur noch mit Greenscreens und Lichtpunkten interagiert. Man merkt den Szenen an, dass die Darsteller oft nicht wussten, worauf sie eigentlich reagieren sollen. Das ist ein typisches Problem moderner Großproduktionen. Die Technik überholt die Emotion. Wenn man sich die Sets ansieht, erkennt man zwar die Liebe zum Detail, aber im fertigen Schnitt geht vieles davon unter.

Musik und Sounddesign

Der Soundtrack von Ramin Djawadi ist einer der wenigen Lichtblicke. Er schafft es, eine mystische Atmosphäre aufzubauen, wo die Bilder versagen. Die Mischung aus elektronischen Klängen und orchestralen Passagen passt perfekt zum Thema der verschiedenen Dimensionen. Doch selbst die beste Musik kann ein löchriges Drehbuch nicht flicken. Es gibt Momente, in denen die Musik eine Bedeutungsschwere suggeriert, die auf der Leinwand einfach nicht stattfindet. Das wirkt dann fast schon unfreiwillig komisch.

Lehren für zukünftige Fantasy-Projekte

Was können andere Filmemacher aus diesem Projekt lernen? Erstens: Die Geschichte muss immer vor den Effekten stehen. Wenn die Zuschauer sich nicht für die Figuren interessieren, sind die schönsten Welten wertlos. Zweitens: Trau dich, komplex zu sein. Das Publikum ist klüger, als viele Studiobosse denken. Man muss wissenschaftliche oder philosophische Themen nicht bis zur Unkenntlichkeit vereinfachen. Drittens: Kenne deine Zielgruppe. Man kann nicht versuchen, es jedem recht zu machen. Ein Film braucht eine klare Kante, eine eigene Stimme.

Die Bedeutung der literarischen Vorlage

Madeleine L’Engle hat Jahrzehnte gebraucht, um ihr Buch zu veröffentlichen, weil es den Verlegern zu kompliziert war. Es mischt Quantenphysik mit Theologie. Das ist kein Stoff für einen schnellen Snack zwischendurch. Wenn man so etwas verfilmt, muss man bereit sein, das Risiko einzugehen und auch mal unbequeme Fragen zu stellen. Der Film von 2018 ist zu glattgebügelt. Er will niemanden vor den Kopf stoßen und verliert dadurch seine Relevanz. Es ist ein schöner Film, aber kein wichtiger Film.

Rezeption in Deutschland

In Deutschland kam der Film fast unter Ausschluss der Öffentlichkeit in die Kinos. Während er in den USA zumindest durch die Prominenz von Oprah Winfrey ein gewisses Grundrauschen erzeugte, blieb er hierzulande weit hinter den Erwartungen zurück. Das deutsche Publikum ist bei Fantasy oft kritischer. Wenn die Logik innerhalb der Welt nicht stimmt, wird das gnadenlos abgestraft. Die Mischung aus bunten Farben und pädagogischen Botschaften kam hier einfach nicht an. Es fehlte das düstere Element, das viele europäische Märchen und Fantasy-Geschichten auszeichnet.

Was bleibt von der Reise durch die Dimensionen

Ehrlich gesagt ist der Film kein Totalausfall. Er ist ein interessantes Experiment, das zeigt, wo die Grenzen des modernen Blockbuster-Kinos liegen. Er ist ein Fest für die Augen, wenn man bereit ist, den Verstand ein wenig auszuschalten. Aber wer das Buch liebt, wird wahrscheinlich enttäuscht sein. Es ist eine Interpretation, die sich zu sehr auf das Äußere verlässt. Wer heute nach packenden Abenteuern sucht, die auch den Kopf fordern, hat glücklicherweise viele Alternativen. Man kann diesen Film als das sehen, was er ist: ein teures, gut gemeintes, aber letztlich seelenloses Spektakel.

Nächste Schritte für Filmfans

Wenn du dich jetzt fragst, ob du dem Film eine Chance geben sollst, hier ist mein Rat. Schau ihn dir an, wenn du Lust auf außergewöhnliches Design und starke Kostüme hast. Aber erwarte kein Meisterwerk der Erzählkunst.

1. Lies zuerst das Buch. Es ist zeitlos und bietet eine Tiefe, die kein Film bisher erreicht hat.
2. Vergleiche die Vision von Ava DuVernay mit anderen Science-Fiction-Filmen der letzten Jahre. Man lernt viel über Regiestile, wenn man sieht, wie unterschiedlich Raum und Zeit inszeniert werden können.
3. Achte auf die schauspielerische Leistung von Storm Reid. Sie ist der wahre Grund, warum man bei der Stange bleibt.
4. Informiere dich über die Hintergründe der Produktion auf Branchenseiten wie Blickpunkt:Film, um ein Gefühl für die wirtschaftlichen Zwänge Hollywoods zu bekommen.

Wer sich für die Zukunft des Kinos interessiert, muss auch die Flops analysieren. Nur so versteht man, was ein Publikum wirklich bewegt. Am Ende zählt nicht das Budget, sondern die Geschichte, die im Gedächtnis bleibt. Und da hat dieser Film leider den Anschluss verpasst.