Manche Filme existieren nicht, um Preise zu gewinnen, sondern um als Sündenböcke einer ganzen Epoche herzuhalten. Wenn man heute in Archiven der deutschen Kinogeschichte wühlt, stößt man unweigerlich auf ein Phänomen, das Kritiker jahrzehntelang als den absoluten Tiefpunkt des hiesigen Schaffens gebrandmarkt haben. Es geht um die Ära der sogenannten Klamauk-Filme, die mit einer Mischung aus Slapstick, Schlagern und bayerischer Mundart das Publikum in die Kinos trieben, während die intellektuelle Elite die Hände über dem Kopf zusammenschlug. Ein zentrales Werk dieser Zeit, das oft als Inbegriff der künstlerischen Kapitulation genannt wird, ist Wenn Die Tollen Tanten Kommen aus dem Jahr 1970. Doch wer diesen Film lediglich als stumpfsinnige Unterhaltung abtut, verkennt seine eigentliche Funktion innerhalb der bundesrepublikanischen Nachkriegsgesellschaft. Er war kein Unfall, sondern ein notwendiges Ventil. Ich habe mit Historikern gesprochen, die behaupten, dass gerade diese vermeintlich flachen Komödien mehr über den damaligen Zustand der deutschen Seele aussagen als jeder verkopfte Autorenfilm jener Tage. Die Menschen wollten nicht belehrt werden; sie suchten nach einer Form von Anarchie, die das starre Korsett der Adenauer-Jahre endgültig sprengte.
Die subversive Kraft von Wenn Die Tollen Tanten Kommen
Hinter der Fassade aus Perücken und Verwechslungsspielen verbirgt sich eine erstaunliche Lust am Rollentausch, die für die damalige Zeit fast schon radikal war. Wir reden hier von einer Phase, in der das Rollenbild von Mann und Frau noch festzementiert schien. Wenn Männer in Frauenkleider schlüpften, um sich vor dem Gesetz oder eifersüchtigen Nebenbuhlern zu verstecken, war das nicht nur billiger Humor für die Massen. Es war eine spielerische Demontage von Männlichkeit, die im konservativen Deutschland der frühen Siebziger einen Nerv traf. Regisseur Franz Josef Gottlieb wusste genau, was er tat. Er bediente sich der Mittel der Farce, um Autoritäten lächerlich zu machen. Polizisten, Hotelmanager und Väter wurden zu Karikaturen degradiert, während die Jugend, verkörpert durch Stars wie Rudi Carrell und Ilja Richter, den Ton angab. Diese Filme waren die poppige Antwort auf eine Elterngeneration, die noch immer im Schweigen der Vergangenheit verharrte.
Das Kalkül der Leichtigkeit
Es ist ein weit verbreiteter Irrtum, dass diese Produktionen ohne Anspruch entstanden. Die Lisa Film GmbH, die hinter vielen dieser Kassenschlager stand, arbeitete mit einer Präzision, die man heute im modernen Blockbuster-Kino oft vermisst. Es ging um Timing. Es ging um die perfekte Symbiose aus Musik und Bild. Man darf nicht vergessen, dass das Fernsehen damals gerade erst begann, die Wohnzimmer zu erobern. Das Kino musste etwas bieten, das über das häusliche Programm hinausging. Die bunten Farben, die exotischen Drehorte am Wörthersee und die ständige Präsenz der damaligen Hitparaden-Größen machten diese Werke zu einem Gesamtkunstwerk des Eskapismus. Wer heute behauptet, dass dies wertlos sei, ignoriert den soziologischen Wert des gemeinsamen Lachens in einer Zeit des massiven gesellschaftlichen Umbruchs.
Kommerz als kultureller Rettungsanker
Die Filmkritik der Siebziger Jahre war grausam. Man warf den Machern vor, den deutschen Film zu korrumpieren und den „Neuen Deutschen Film“ von Fassbinder oder Herzog zu sabotieren, indem man die Leinwände mit Seichtigkeit verstopfte. Aber schauen wir uns die Zahlen an. Während die staatlich geförderten Kunstfilme oft vor leeren Rängen spielten, retteten Produktionen wie Wenn Die Tollen Tanten Kommen die Kinobetreiber vor dem Ruin. Ohne den Erfolg des populären Kinos hätte es die Infrastruktur für die experimentellen Meisterwerke gar nicht mehr gegeben. Das ist die unbequeme Wahrheit, die viele Filmhistoriker gerne verschweigen. Der kommerzielle Erfolg der Klamotte finanzierte indirekt die Nische. Es war eine symbiotische Beziehung, in der die „Tanten“ die Miete zahlten, damit die Künstler ihre Visionen verfolgen konnten. Man kann das System nicht verstehen, wenn man nur eine Seite der Medaille betrachtet.
Ich erinnere mich an ein Gespräch mit einem ehemaligen Kinobesitzer aus München, der mir erzählte, dass die Schlangen an der Kasse bei diesen Verwechslungskomödien bis um den Block reichten. Die Leute kamen nicht, weil sie dumm waren. Sie kamen, weil sie eine Pause von der Schwere der Welt brauchten. Die Studentenrevolten lagen gerade erst hinter ihnen, der Terror der RAF warf seine Schatten voraus, und der Kalte Krieg war eine permanente Hintergrundstrahlung. In diesem Kontext war der bewusste Verzicht auf Tiefgang eine Form von mentaler Selbstverteidigung. Es ist eine Arroganz der Nachgeborenen, diesen Wunsch nach Unbeschwertheit als intellektuelles Versagen zu werten. Wir konsumieren heute Marvel-Filme oder Reality-TV und bilden uns ein, überlegen zu sein, während wir im Grunde denselben Impulsen folgen wie die Zuschauer vor fünfzig Jahren.
Ein Erbe jenseits des Fremdscham-Faktors
Wenn man heute durch die Mediatheken zappt und zufällig bei einem dieser Klassiker hängen bleibt, spürt man sofort dieses spezifische Lebensgefühl. Es ist eine Mischung aus Naivität und einer fast schon aggressiven Fröhlichkeit. Man muss sich fragen, warum diese Bilder so langlebig sind. Vielleicht liegt es daran, dass sie eine Welt zeigen, in der Probleme durch ein Lied oder ein Missverständnis gelöst werden können. Das ist natürlich reine Fiktion, aber es ist eine handwerklich gut gemachte Fiktion. Die schauspielerische Leistung von Personen wie Gunther Philipp oder Chris Roberts wird oft unterschätzt. Komödie ist Schwerstarbeit. Einen Saal zum Lachen zu bringen, erfordert mehr technisches Geschick als ein langes Gesicht vor einer grauen Wand zu machen. Das deutsche Feuilleton hat diese Leistung nie gewürdigt, weil es Humor stets mit mangelndem Ernst verwechselte.
Man muss die Skeptiker ernst nehmen, die sagen, dass solche Filme den Geschmack des Publikums verdorben hätten. Das Argument ist alt: Wenn man den Menschen nur Fast Food gibt, verlernen sie, ein Drei-Gänge-Menü zu schätzen. Aber ist das wirklich so? Hat die Existenz von Schlagermusik jemals jemanden davon abgehalten, Beethoven zu hören? Wohl kaum. Die Zuschauer waren damals durchaus in der Lage, zwischen verschiedenen Ebenen der Unterhaltung zu unterscheiden. Sie wussten, dass sie bei diesen Filmen keine Lebensweisheiten finden würden, sondern Entspannung. Die Gefahr für die Kultur geht nicht von der Unterhaltung aus, sondern von der Verbissenheit, mit der man versucht, alles in „wertvoll“ und „wertlos“ zu unterteilen. Diese binäre Denkweise wird der Komplexität menschlicher Bedürfnisse einfach nicht gerecht.
Es gibt einen Grund, warum diese Ära im kollektiven Gedächtnis geblieben ist, während Hunderte von „anspruchsvollen“ Fernsehspielen der Siebziger Jahre längst im Giftschrank der Sender verrotten. Diese Filme hatten Herz. Sie waren ehrlich in ihrer Absicht. Sie wollten niemanden belehren, niemanden umerziehen und niemanden beeindrucken. Sie wollten einfach nur da sein. Diese Schlichtheit ist heute, in einer Zeit der ständigen Selbstoptimierung und der moralischen Aufladung jedes Konsumgutes, fast schon wieder erfrischend. Man kann die Ästhetik hässlich finden, man kann die Witze flach finden, aber man kann der Ära nicht absprechen, dass sie eine ganze Generation durch schwierige Zeiten begleitet hat.
Die wahre Bedeutung dieses Kapitels der Filmgeschichte liegt in seiner Funktion als Spiegel. Er zeigt uns eine Gesellschaft, die sich nach Normalität sehnte und gleichzeitig mit den alten Autoritäten brach. Es war der Übergang von der Muffigkeit der Nachkriegszeit hin zu einer bunteren, wenn auch manchmal geschmacklosen Moderne. Wenn wir die Vergangenheit nur durch die Brille der Hochkultur betrachten, sehen wir nur die halbe Wahrheit. Wir müssen uns auch in den Schlamassel der populären Kultur wagen, um zu verstehen, wie Deutschland zu dem Land wurde, das es heute ist. Es ist nun mal so, dass die großen Umbrüche oft im Kleinen, im Banalen und im scheinbar Lächerlichen beginnen.
Der Blick auf die Filmplakate von damals verrät mehr über die Sehnsüchte der Menschen als jede statistische Erhebung. Da war die Sehnsucht nach Sonne, nach unbeschwerter Liebe und nach einer Welt, in der die Obrigkeit keine Macht mehr hatte. Das ist der eigentliche Kern dieser Werke. Sie waren eine sanfte Rebellion, verpackt in bunte Kostüme und eingängige Melodien. Man kann darüber lachen, man kann die Nase rümpfen, aber man darf die kulturelle Leistung nicht unterschätzen, die darin bestand, Millionen von Menschen ein paar Stunden lang das Gefühl zu geben, dass alles gut werden könnte. In einer Welt, die immer komplizierter wird, ist dieses Versprechen vielleicht das kostbarste Gut, das die Unterhaltungsindustrie jemals produziert hat.
Wir sollten aufhören, uns für unsere Popkultur-Vergangenheit zu schämen. Es gibt keine Schande darin, Freude an der Absurdität zu finden. Im Gegenteil: Die Fähigkeit, über den eigenen kulturellen Schatten zu springen und den Wert im scheinbar Wertlosen zu erkennen, ist ein Zeichen von wahrer intellektueller Reife. Wer nur das schätzt, was hoch offiziell als Kunst deklariert wurde, begrenzt seinen eigenen Horizont auf dramatische Weise. Die Geschichte der bundesdeutschen Unterhaltung ist eine Geschichte der Befreiung, und diese Befreiung fand eben nicht nur in den Hörsälen der Universitäten statt, sondern auch in den muffigen Kinosälen der Vorstadt, wo die Menschen gemeinsam über Dinge lachten, die eigentlich gar keinen Sinn ergaben. Und genau darin liegt der tiefere Sinn des Ganzen.
Diese Filme waren das bunte Pflaster auf den Wunden einer zerrissenen Gesellschaft, die erst noch lernen musste, wieder unbeschwert zu sein.
