Es gibt einen weit verbreiteten Irrtum in der Welt des Kinos, der besagt, dass Originalität zwangsläufig belohnt wird. Wir glauben gern an das Märchen vom mutigen Visionär, der gegen das System der seelenlosen Fortsetzungen gewinnt. Die Realität sah im Sommer 2017 jedoch ganz anders aus. Als Luc Besson sein Lebensprojekt Valerian Die Stadt Der Tausend Planeten in die Kinos brachte, reagierte das Publikum nicht mit Begeisterung, sondern mit kollektiver Verwirrung. Viele hielten die Ästhetik für eine Kopie bekannter Science-Fiction-Größen, ohne zu ahnen, dass sie gerade das Original sahen, das George Lucas Jahrzehnte zuvor als Steinbruch für sein eigenes Universum genutzt hatte. Wer die französischen Comics von Pierre Christin und Jean-Claude Mézières kennt, erkennt die Wahrheit sofort: Die Designsprache, die wir heute als typisch für weit entfernte Galaxien wahrnehmen, stammt aus den Pariser Ateliers der späten Sechzigerjahre. Besson versuchte nicht, Hollywood zu kopieren. Er versuchte, das visuelle Eigentum Europas aus den Fängen eines globalen Monopols zurückzuholen.
Das Paradoxon der visuellen Herkunft
Wenn man heute die alten Alben aufschlägt, wirkt es fast wie ein Plagiat, das in der Zeit zurückreist. Da ist ein Schiff, das dem Millennium Falken bis auf die letzte Niete gleicht. Da ist ein Held, der in Karbonit eingefroren wird, lange bevor Han Solo dieses Schicksal teilte. Es ist eine bittere Ironie der Filmgeschichte. Das Publikum lehnte den Film ab, weil er sich wie eine billige Nachahmung anfühlte, obwohl er die legitime Verfilmung der Quelle war. Ich habe mit Arthouse-Liebhabern und Blockbuster-Fans gleichermaßen gesprochen, und fast alle machten den gleichen Fehler. Sie warfen dem Werk mangelnde Eigenständigkeit vor. Aber wie soll man eigenständig wirken, wenn die eigene DNA bereits seit vierzig Jahren von der Konkurrenz als Industriestandard verkauft wird? Das ist das Problem, wenn eine Ästhetik so erfolgreich kolonisiert wird, dass das Original wie ein Eindringling wirkt.
Besson wusste um dieses Risiko. Er investierte fast zweihundert Millionen Euro in eine Produktion, die unabhängig von den großen Studios in Los Angeles finanziert wurde. Das war ein beispielloser Kraftakt für das europäische Kino. Er wollte zeigen, dass wir in Europa nicht nur intime Charakterstudien über deprimierte Intellektuelle in Pariser Cafés drehen können, sondern auch das ganz große Spektakel beherrschen. Doch die technische Brillanz allein reichte nicht aus, um die festgefahrenen Sehgewohnheiten zu durchbrechen. Die Menschen sind darauf konditioniert, Heldenreisen nach einem ganz bestimmten Muster zu konsumieren. Weicht man davon ab, entsteht Unbehagen.
Valerian Die Stadt Der Tausend Planeten Und Der Fluch Der Unnahbarkeit
Ein zentraler Vorwurf betraf immer wieder die Besetzung. Die Kritik an Dane DeHaan und Cara Delevingne war laut und oft unsachlich. Man warf ihnen mangelnde Chemie vor, eine hölzerne Ausstrahlung, eine gewisse Arroganz. Doch genau hier liegt der Kern der journalistischen Fehleinschätzung. Diese Figuren sollten keine strahlenden Heroen sein. Valerian ist in der Vorlage ein loyaler, fast schon naiver Soldat, der Befehle ausführt, ohne sie zu hinterfragen. Laureline hingegen ist der eigentliche Verstand der Operation, unabhängig und oft genervt von dem Gehabe ihres Partners. Das ist keine klassische Romanze nach dem Schema von Disney. Es ist eine komplexe Dynamik zweier Menschen, die in einer bürokratischen Zukunftsgesellschaft funktionieren müssen.
Wer behauptet, die Schauspieler hätten versagt, verkennt die Absicht hinter der Inszenierung. Besson wollte keine Identifikationsfiguren schaffen, die man sofort ins Herz schließt. Er wollte uns durch eine Welt führen, die so fremdartig ist, dass die Menschen darin fast schon nebensächlich wirken. Die Umgebung ist der Star. Wenn wir uns durch die verschiedenen Ebenen der Raumstation bewegen, sehen wir ein Ökosystem, das logischer aufgebaut ist als die meisten Kulissen im modernen Superheldenkino. Hier gibt es keine magischen Kräfte, die alles erklären. Es gibt Biologie, Soziologie und vor allem Politik. Der Film ist eine scharfe Kritik an kolonialer Gewalt und dem Vertuschen von Kriegsverbrechen. Das ist ein Thema, das in einem typischen Sommerblockbuster aus den USA meistens glattgebügelt wird, um den globalen Absatz nicht zu gefährden.
Die Mechanik des Scheiterns
Warum also hat dieses monumentale Werk an den Kinokassen nicht gezündet? Es liegt an der psychologischen Barriere des Vertrauten. Das Gehirn des Zuschauers sucht nach Anknüpfungspunkten. Wenn ein Film jedoch eine Welt präsentiert, die so überladen mit Details ist, dass man sie beim ersten Mal kaum erfassen kann, schaltet das Publikum oft ab. In Valerian Die Stadt Der Tausend Planeten gibt es Sequenzen, die rein technisch alles in den Schatten stellen, was man bis dahin gesehen hatte. Ich denke an die Eröffnungsszene auf dem Planeten Mül oder die Verfolgungsjagd durch verschiedene Dimensionen auf dem Wüstenplaneten. Das ist visuelles Erzählen auf höchstem Niveau.
Doch wir leben in einer Zeit, in der das Publikum Sicherheit kauft. Man geht in den zehnten Teil einer Reihe, weil man weiß, was man bekommt. Ein Projekt wie dieses bietet keine Sicherheit. Es bietet Reizüberflutung und eine Geschichte, die sich weigert, den gängigen Rhythmus von Action und Exposition einzuhalten. Skeptiker sagen oft, dass das Drehbuch zu schwach war. Aber was bedeutet schwach in diesem Kontext? Es bedeutet meistens nur, dass es nicht den Erwartungen an eine dreiteilige Struktur entsprach, wie sie in jedem Handbuch für Drehbuchautoren steht. Besson orientierte sich eher an der episodenhaften Struktur der Comics, was den Film sprunghaft wirken lässt. Für mich ist das jedoch eine Stärke, kein Makel. Es fängt das Gefühl einer Reise durch das Unbekannte viel besser ein als eine perfekt durchgetaktete Marketing-Maschine.
Die europäische Identität im Weltall
Ein oft übersehener Aspekt ist die politische Dimension. Dieser Film ist durch und durch europäisch in seinem Kern. Die Vision der Zukunft ist hier keine militärische Vorherrschaft einer einzelnen Nation oder Spezies. Die Raumstation Alpha beginnt als Kooperation auf der Erdumlaufbahn, wo sich immer mehr Nationen und schließlich außerirdische Lebensformen zusammenschließen. Es ist eine Utopie der Diplomatie, nicht des Krieges. Während amerikanische Science-Fiction oft von der Verteidigung gegen das Fremde handelt, geht es hier um das Arrangement mit dem Fremden. Das ist ein fundamentaler Unterschied in der Philosophie.
Man kann argumentieren, dass das deutsche und französische Publikum diesen Ansatz hätte unterstützen müssen. Schließlich ist die Vorlage ein Kulturgut unseres Kontinents. Doch die Hegemonie der amerikanischen Popkultur ist so absolut, dass wir unsere eigenen Mythen nicht mehr erkennen, wenn sie uns auf der Leinwand begegnen. Wir haben gelernt, das Universum durch die Linse von Hollywood zu betrachten. Alles, was davon abweicht, wirkt auf uns wie ein Fehler in der Matrix. Das ist die wahre Tragödie dieses Films. Er wurde von der Kultur verstoßen, die er eigentlich repräsentieren sollte.
Es gibt Stimmen, die behaupten, die Dialoge seien kitschig gewesen. Sicher, manche Zeilen wirken im Deutschen oder Englischen etwas hölzern. Das liegt aber an der direkten Übersetzung des französischen Charmes, der oft eine gewisse Verspieltheit und Naivität besitzt. In einer Welt, die Coolness über alles stellt, wirkt Aufrichtigkeit oft wie Kitsch. Aber ist es nicht erfrischend, einen Film zu sehen, der sich traut, nicht ironisch zu sein? Wir sind so sehr an Marvel-Witze gewöhnt, die jede ernste Situation sofort brechen, dass uns die reine Begeisterung eines Regisseurs für seine Schöpfung fast schon peinlich ist.
Ein Erbe jenseits der Zahlen
Wenn wir über den Erfolg eines Kunstwerks sprechen, dürfen wir nicht nur auf die nackten Zahlen schauen. Ja, finanziell war das Projekt ein Desaster für die beteiligten Firmen. Aber künstlerisch hat es eine Lücke hinterlassen, die bisher niemand füllen konnte. Es war der letzte Versuch eines unabhängigen Regisseurs, ein Imperium mit den eigenen Händen aufzubauen, ohne sich den Regeln der großen Konzerne zu unterwerfen. In zehn oder zwanzig Jahren werden wir auf diese Ära zurückblicken und feststellen, dass dies einer der letzten Momente war, in denen das Kino wirklich etwas wagte.
Die Spezialeffekte-Schmieden wie Weta Digital oder Industrial Light & Magic haben hier Arbeiten abgeliefert, die heute noch als Referenzmaterial dienen. Die Liebe zum Detail in jedem einzelnen Alien-Design und jeder Textur der Raumstation ist spürbar. Es ist ein handwerkliches Meisterstück. Dass die Masse es ablehnte, sagt mehr über den Zustand unserer Kultur aus als über die Qualität des Films selbst. Wir haben uns an die Einheitsdiät gewöhnt. Wir wollen keine tausend Planeten. Uns reichen drei oder vier, solange sie so aussehen wie die, die wir schon kennen.
Man muss sich vor Augen führen, was verloren geht, wenn solche Experimente scheitern. Es bedeutet, dass kein Produzent mehr bereit sein wird, ein derartiges Risiko einzugehen. Die Zukunft gehört den Remakes und den Reboots. Die Vielfalt, die in dieser Vision des Universums steckte, wird durch eine standardisierte Ästhetik ersetzt, die weltweit funktioniert, weil sie niemanden herausfordert. Wer den Film heute noch einmal ohne Vorurteile schaut, wird feststellen, wie modern er eigentlich ist. Er ist eine Mahnung zur Empathie und ein Plädoyer für den Erhalt der Vielfalt. Das ist eine Botschaft, die aktueller nicht sein könnte, auch wenn sie in glitzernden Farben und fremden Welten verpackt ist.
Es ist nun mal so, dass die Geschichte von den Siegern geschrieben wird. In der Filmgeschichte sind die Sieger diejenigen, die die meisten Tickets verkaufen. Aber die Zeit ist oft gnädiger als das Eröffnungswochenende an der Kinokasse. Viele Werke, die heute als Meilensteine gelten, wurden bei ihrem Erscheinen missverstanden oder ignoriert. Ich wage die Prognose, dass dieses Werk eine ähnliche Renaissance erleben wird wie einst Blade Runner. Die Qualität setzt sich am Ende durch, auch wenn der Weg dahin über den Friedhof der unterschätzten Meisterwerke führt. Wir müssen nur lernen, wieder mit unseren eigenen Augen zu sehen, statt durch die Brille der Erwartungen, die uns jahrelang aufgesetzt wurde.
In einer Ära der filmischen Fließbandarbeit war dieser Versuch eines europäischen Epos kein Fehler, sondern ein notwendiger Akt der Rebellion gegen die Monotonie unserer Träume.
