Das Licht im Pariser Studio von Luc Besson war an jenem Nachmittag gedämpft, als die ersten Entwürfe für eine unmögliche Welt auf den Tisch flatterten. Es war nicht die sterile Perfektion moderner Computeranimationen, die den Raum füllte, sondern der Geist von Jean-Claude Mézières, dessen Federstriche schon Jahrzehnte zuvor die Grenzen des Vorstellbaren verschoben hatten. In den hunderte Seiten starken Konzeptbüchern wuchsen metallische Ranken und biomechanische Korallen zu einer Struktur heran, die das Herzstück einer erzählerischen Ambition bildete. Man konnte fast das Summen der Triebwerke und das Rascheln fremdartiger Gewänder hören, während Valerian and the City of a Thousand Planets langsam aus dem Nebel der bloßen Idee trat. Es war der Versuch, eine Kindheitshoffnung in die Sprache des monumentalen Kinos zu übersetzen, ein Wagnis, das sich gegen die Formelhaftigkeit des globalen Blockbuster-Betriebs stemmte und stattdessen auf die reine, ungefilterte Kraft der Vision setzte.
Die Geschichte dieser Vision begann jedoch lange vor den ersten Drehtagen in der Cité du Cinéma. Sie begann in den 1960er Jahren, einer Ära, in der Europa nach neuen Mythen suchte, die sich von den staubigen Ruinen der Nachkriegszeit unterschieden. Die Comic-Reihe Valérian et Laureline bot genau das: eine optimistische, bisweilen chaotische und zutiefst humanistische Perspektive auf eine Zukunft, in der Diplomatie schwerer wog als Laserkanonen. Pierre Christin und Mézières schufen ein Universum, das später George Lucas als unbewusste Inspiration für seine weit, weit entfernte Galaxis dienen sollte. Wer heute genau hinsieht, erkennt in den Entwürfen des Millennium Falken die Linienführung der Raumschiffe aus den französischen Alben wieder. Doch während Hollywood die Heldenreise perfektionierte, bewahrte sich das europäische Original eine exzentrische Seele, die nun, Jahrzehnte später, auf die größte Leinwand der Welt drängte.
Besson, der Regisseur, der bereits mit Das fünfte Element bewiesen hatte, dass er keine Angst vor grellen Farben und absurden Kreaturen besaß, wusste, dass er für dieses Projekt die Regeln der Industrie brechen musste. Er suchte nicht nach der kühlen Effizienz eines Studio-Systems, sondern nach der Opulenz eines barocken Gemäldes. Die Finanzierung dieses Epos glich einem diplomatischen Drahtseilakt, ein Puzzle aus internationalen Vorverkäufen und unabhängigen Investoren, das am Ende das teuerste unabhängige Filmprojekt der europäischen Geschichte formte. Es war ein Statement gegen die Vorherrschaft der etablierten Giganten, ein Versuch, die europäische Erzählkunst mit den technischen Möglichkeiten des 21. Jahrhunderts zu vermählen.
Die Seele von Valerian and the City of a Thousand Planets
Wenn man die Eröffnungssequenz betrachtet, spürt man sofort, dass es hier um mehr als nur Spezialeffekte geht. Zu den Klängen von David Bowies Space Oddity sehen wir den Aufbau einer interstellaren Gemeinschaft. Händeschütteln folgt auf Händeschütteln, von den ersten russischen Kosmonauten bis hin zu Wesen, die wie flüssiges Quecksilber oder lebende Gaswolken wirken. Es ist eine Chronik der Annäherung, eine Utopie der Koexistenz, die in einer Zeit der Abschottung fast wie ein politisches Manifest wirkt. Die Raumstation Alpha, jene titelgebende Stadt der tausend Planeten, ist kein Ort der Eroberung, sondern ein lebendiger Beweis für die Kraft der Kooperation. Hier leben Millionen von Spezies auf engstem Raum, jede mit ihrer eigenen Atmosphäre, ihrer eigenen Kultur und ihren eigenen Geheimnissen.
Diese Vielfalt erforderte eine technische Meisterleistung, die über das übliche Maß hinausging. Die Designer mussten Ökosysteme entwerfen, die physikalisch Sinn ergaben, selbst wenn sie biologisch unmöglich erschienen. Man stelle sich eine Welt vor, in der die Schwerkraft nur eine Empfehlung ist und in der Licht als Währung dient. In den Werkstätten von Weta Digital und Industrial Light & Magic arbeiteten hunderte Künstler daran, diese Details greifbar zu machen. Jede Schuppe auf der Haut eines Boulan Bathor, jedes Schimmern in den Augen der Pearls – jener ätherischen Wesen, deren Schicksal den emotionalen Kern der Erzählung bildet – wurde mit einer Hingabe gestaltet, die fast an Besessenheit grenzte.
Das Handwerk hinter der Illusion
Die Arbeit an der Darstellung der Pearls illustriert den Aufwand am besten. Diese Wesen sind keine klassischen Außerirdischen; sie wirken wie aus Licht und Perlmutt gewobene Träume. Um ihre Anmut einzufangen, nutzten die Filmemacher fortschrittliche Performance-Capture-Verfahren, doch die Technik war nur das Werkzeug. Die eigentliche Herausforderung lag darin, eine Verletzlichkeit zu vermitteln, die das Publikum über die Sprachbarriere hinweg berührt. In einer Szene, in der ein Pearl den Verlust seiner Heimatwelt betrauert, blicken wir nicht in die Augen einer digitalen Maske, sondern in den Spiegel einer universellen menschlichen Erfahrung: der Schmerz über das Unwiederbringliche.
Es ist diese Verbindung von technologischer Hybris und tiefer Emotionalität, die das Werk auszeichnet. Während viele zeitgenössische Produktionen im digitalen Rauschen untergehen, behält diese Welt eine haptische Qualität. Man möchte die Stoffe der Kostüme berühren, die Feuchtigkeit der außerirdischen Märkte spüren und den Staub der Wüstenplaneten schmecken. Diese Detailverliebtheit ist kein Selbstzweck; sie dient dazu, den Zuschauer in einen Zustand des Staunens zu versetzen, der in der heutigen, von schnellen Schnitten geprägten Sehgewohnheit selten geworden ist.
Die Besetzung der Hauptrollen mit Dane DeHaan und Cara Delevingne war ein weiterer Bruch mit den Konventionen. Statt gestählter Actionhelden sehen wir zwei junge Menschen, die fast wie verloren wirkende Kinder in einer Welt der Riesen agieren. Ihre Dynamik ist geprägt von einem verspielten, fast altmodischen Geplänkel, das an die Screwball-Komödien der 40er Jahre erinnert. Es ist ein bewusster Kontrast zur monumentalen Umgebung. Inmitten von Sternenzerstörern und interdimensionalen Basaren streiten sie über Treue und die Angst vor festen Bindungen. Dieser menschliche Maßstab erdet die fantastische Reise und erinnert uns daran, dass selbst in einer Stadt der tausend Planeten das wichtigste Gespräch immer noch das zwischen zwei Menschen ist.
Ein Erbe jenseits der Kinokassen
Der Weg eines solchen Films ist oft steinig. Die Kritik am herkömmlichen Erzählfluss und die Distanz zu den Sehgewohnheiten des Massenmarktes führten dazu, dass das Werk bei seinem Erscheinen polarisierte. Doch wie so oft bei visionären Projekten, offenbart sich der wahre Wert erst mit der Zeit. Man muss das Werk als ein lebendes Museum der Fantasie betrachten, als ein Archiv dessen, was möglich ist, wenn man die Sicherheitsleinen der Marktforschung kappt. Es ist ein Denkmal für die europäische Comic-Kultur, das zeigt, wie tiefgreifend diese Geschichten unser kollektives Verständnis der Zukunft geprägt haben.
In Frankreich und weiten Teilen Europas wird das Erbe von Christin und Mézières als nationales Kulturgut gehütet. Die Verfilmung war daher mehr als nur Unterhaltung; sie war eine Identitätsfrage. Kann eine europäische Produktion mit dem Budget und dem Bombast Hollywoods mithalten, ohne ihre eigene Seele zu verkaufen? Die Antwort liegt in der Extravaganz der Bilder. Ein Hollywood-Film hätte die Reise durch den "Big Market" – eine Dimensionen überspannende Einkaufsmeile – vermutlich effizienter und geradliniger erzählt. Besson hingegen lässt uns verweilen, lässt uns über die Absurdität der Situation staunen und feiert das Chaos.
Dieses Chaos ist es, das die Welt von Valerian and the City of a Thousand Planets so menschlich macht. Es ist keine perfekt durchgeplante Zukunft, sondern eine organisch gewachsene, oft improvisierte Realität. Wenn man die Korridore von Alpha betrachtet, sieht man die Schichten der Geschichte. Alte Module aus dem 20. Jahrhundert kleben neben hochmodernen Laboratorien außerirdischer Zivilisationen. Es ist ein Palimpsest des Fortschritts, ein ewiges Provisorium, das uns zeigt, dass Perfektion nicht das Ziel der Evolution ist, sondern das Überleben und das Miteinander.
Es gibt Momente in der Erzählung, in denen das Tempo fast zum Stillstand kommt, um einer einzigen Geste Platz zu machen. Wenn Rihanna in der Rolle der Gestaltwandlerin Bubble eine melancholische Performance abliefert, wechselt das Genre für ein paar Minuten. Es ist ein trauriger Abgesang auf die Kunst und die Ausbeutung, eingebettet in ein Science-Fiction-Abenteuer. Solche Abweichungen von der Norm sind es, die dem Textur geben. Sie fordern den Zuschauer heraus, mehr zu sehen als nur die Oberfläche. Es geht um die Vergänglichkeit von Schönheit und die Suche nach einem Platz in einem Universum, das einen oft übersieht.
Die Forschung zur visuellen Psychologie legt nahe, dass wir uns an Filme nicht wegen ihrer Handlungsstränge erinnern, sondern wegen einzelner Bilder, die tief in unserem Unterbewusstsein verankert bleiben. Die leuchtenden Strände von Mül, auf denen die Bewohner Perlen aus dem Sand fischen, während riesige Drachen am Horizont kreisen, sind ein solches Bild. Es ist eine Ästhetik des Überflusses, die sich weigert, sich klein zu machen. In einer Welt, die oft grau und vorhersehbar erscheint, fungiert das Werk als ein Fenster in eine Dimension, in der die einzige Grenze die eigene Vorstellungskraft ist.
Wenn man heute auf die Entstehung zurückblickt, erkennt man den Mut, der dazu gehörte, ein solches Projekt in die Tat umzusetzen. Es war ein Kampf gegen die Windmühlen der Rentabilität, geführt mit der Leidenschaft eines Kindes, das seine Spielzeugfiguren im Sandkasten zum Leben erweckt. Die Geschichte erinnert uns daran, dass das Kino im Kern ein magischer Ort ist, ein Ort der Verwandlung. Wir gehen nicht ins Kino, um die Realität bestätigt zu bekommen, sondern um zu erfahren, wie sich das Unmögliche anfühlen könnte.
Am Ende der Reise stehen wir wieder auf festem Boden, doch etwas hat sich verändert. Der Blick nach oben, zu den Sternen, ist nicht mehr derselbe. Man sucht unwillkürlich nach den Lichtern einer fernen Station, nach dem Leuchten einer verlorenen Welt oder dem Echo eines interstellaren Grußes. Die Reise durch die unendlichen Korridore von Alpha mag im Film enden, doch in den Köpfen derer, die sich auf das Abenteuer eingelassen haben, wächst sie weiter. Es ist die Gewissheit, dass irgendwo da draußen, zwischen den Atomen und den Galaxien, immer Platz für eine weitere Geschichte ist, solange wir den Mut haben, sie zu träumen.
Die Sonne geht über dem Studio in Paris unter, und die Entwürfe von Mézières liegen wieder in ihren Mappen. Doch der Funke, den sie entfacht haben, brennt weiter in jedem Bildkader, der die Schwerkraft der Vernunft für einen kurzen Moment besiegt hat. Es bleibt das Gefühl, Zeuge von etwas Einzigartigem gewesen zu sein, einem leuchtenden Ausreißer im Strom der Zeit.
Ein Traum, der so groß war, dass er den gesamten Horizont ausfüllte und uns zwang, den Kopf in den Nacken zu legen.
Das Schimmern auf der Wasseroberfläche einer fernen Welt verblasst langsam, aber die Erinnerung an den Glanz bleibt wie das Nachbild einer hellen Sonne auf der Netzhaut zurück.
