Manche Filme fühlen sich wie ein Unfall in Zeitlupe an. Du sitzt auf der Couch, hast das Popcorn bereit und hoffst auf eine Rückkehr zu alter Stärke, doch stattdessen serviert dir Hollywood eine absurde Mischung aus Skurrilität und Müdigkeit. Genau das passierte 2017 mit dem Werk Once Upon Time In Venice. Es ist einer dieser Streifen, die man sich ansieht, weil man Bruce Willis noch immer den knallharten John McClane abkauft, nur um festzustellen, dass die Ära der großen Action-Ikonen Risse bekommen hat. Die Suchintention hinter diesem Titel ist meistens klar: Leute wollen wissen, ob sich das Anschauen lohnt oder was zum Teufel da eigentlich auf der Leinwand passiert ist. Ich sage es dir direkt: Es ist ein wilder Ritt durch das sonnige Kalifornien, der mehr Fragen aufwirft, als er beantwortet.
Die seltsame Welt von Once Upon Time In Venice
Wenn wir über diesen Film sprechen, müssen wir über das Genre-Chaos reden. Es ist kein klassischer Thriller. Es ist keine reine Komödie. Die Geschichte dreht sich um Steve Ford, einen Privatdetektiv in Venice Beach, dessen Hund entführt wird. Ja, richtig gelesen. Ein Hund. Das erinnert fatal an John Wick, nur dass Steve Ford nicht die halbe Unterwelt eliminiert, sondern eher versucht, sich durchzumanövrieren. Das Ganze wirkt oft wie ein Fiebertraum unter der Sonne von Los Angeles.
Der Plot und seine Macken
Steve ist ein Typ, der nackt auf einem Skateboard durch die Straßen flüchtet. Das ist ein Bild, das man so schnell nicht vergisst, egal wie sehr man es versucht. Die Handlung wird durch den Diebstahl seines geliebten Hundes Buddy angetrieben. Um den Vierbeiner zurückzubekommen, muss er sich mit einer Gang anlegen, die von Jason Momoa angeführt wird. Momoa spielt hier Spyder, einen Drogenboss, der erstaunlich viel Humor besitzt. Die Dynamik zwischen einem sichtlich gelangweilten Willis und einem spielfreudigen Momoa ist das Herzstück, das den Film vor dem totalen Absturz bewahrt.
Die Atmosphäre von Venice Beach
Die Kulisse ist authentisch. Wer schon mal am Boardwalk in Kalifornien war, erkennt die Graffitis, die Skater und die allgemeine Verrücktheit der Leute wieder. Der Film fängt diesen Geist gut ein. Es ist laut, bunt und ein bisschen schmuddelig. Regisseur Mark Cullen, der zuvor mit Willis an "Cop Out" gearbeitet hatte, wusste genau, welche Ästhetik er wollte. Aber Atmosphäre allein macht noch keinen guten Film. Viele Kritiker bemängelten damals, dass der rote Faden in der Hitze von L.A. verloren ging.
Warum die Kritik an Once Upon Time In Venice so hart ausfiel
Man muss ehrlich sein. Die Bewertungen auf Portalen wie Rotten Tomatoes waren vernichtend. Das liegt vor allem an der Erwartungshaltung. Wenn die Leute Willis sehen, erwarten sie "Stirb Langsam". Sie bekommen aber einen alternden Detektiv, der mehr Zeit damit verbringt, sich aus brenzligen Situationen herauszuquatschen, als zu schießen.
Bruce Willis und das Phänomen der Direct-to-Video-Filme
In den letzten Jahren seiner Karriere drehte Willis Filme am Fließband. Viele davon landeten direkt im Streaming oder im DVD-Regal. Dieses Werk hier bildet da keine Ausnahme. Man merkt der Produktion an, dass das Budget begrenzt war. Die Schnitte sind manchmal holprig. Die Dialoge schwanken zwischen genial-witzig und absolut flach. Für Fans des Schauspielers war das oft schwer zu ertragen. Man sah einem Idol beim Arbeiten zu, während das Feuer in den Augen fehlte. In der Branche spricht man oft davon, dass solche Projekte nur dazu dienten, schnell Geld zu verdienen, ohne viel künstlerischen Anspruch.
Ein Cast voller Überraschungen
Trotz der Schwächen im Drehbuch ist die Besetzung beeindruckend. John Goodman spielt Steves besten Freund Dave. Goodman bringt wie immer eine gewisse Gravitas mit, selbst wenn er nur in einem Surfshop herumsteht und über seine Scheidung jammert. Thomas Middleditch, bekannt aus "Silicon Valley", gibt den nervösen Assistenten. Diese Mischung aus gestandenen Hollywood-Größen und Comedy-Talenten sorgt dafür, dass man zumindest dranbleibt. Es gibt Szenen, die wirklich funktionieren, weil die Chemie zwischen den Darstellern stimmt. Aber diese Momente sind wie kleine Inseln in einem Ozean aus Belanglosigkeit.
Technische Aspekte und die Produktion
Hinter den Kulissen gab es eine Menge zu tun, um das Projekt überhaupt zu stemmen. Mark und Robb Cullen schrieben das Drehbuch und führten Regie. Sie wollten eine Hommage an die Detektivfilme der 70er und 80er Jahre schaffen. Man erkennt Einflüsse von Filmen wie "The Long Goodbye". Aber während die Klassiker eine tiefere philosophische Ebene hatten, bleibt diese Produktion an der Oberfläche kleben.
Die Kameraarbeit und der Look
Visuell ist das Ganze solide. Die Farben sind gesättigt. Das Licht fängt die ewige Goldene Stunde von Kalifornien ein. Kameramann Bryan Newman nutzt viele Weitwinkelaufnahmen, um die Weite des Strandes und die Enge der Gassen von Venice gegenüberzustellen. Es gibt keine bahnbrechenden Innovationen, aber das Handwerk ist erkennbar. Das Problem liegt eher im Rhythmus. Der Film schleppt sich an manchen Stellen, nur um dann in einer Hektik zu explodieren, die nicht zum vorherigen Tempo passt.
Musik und Sounddesign
Der Soundtrack ist unauffällig. Es gibt ein paar lockere Beats, die das Strandfeeling unterstützen sollen. Es fehlt jedoch ein markantes Thema. Wenn man an große Willis-Filme denkt, hat man sofort eine Melodie im Kopf. Hier bleibt nichts hängen. Das Sounddesign erfüllt seinen Zweck, ohne Akzente zu setzen. Schüsse klingen wie Schüsse, Reifen quietschen, wo sie quietschen müssen. Es ist Dienst nach Vorschrift.
Die Rolle des Hundes im modernen Kino
Es ist interessant zu beobachten, wie oft Haustiere als Motiv für Rache oder Action herhalten müssen. Seit dem Erfolg der Abenteuer rund um den Killer im Ruhestand, den Keanu Reeves so brillant verkörpert, scheint jeder Detektiv einen Hund zu brauchen. In Once Upon Time In Venice ist Buddy jedoch mehr als nur ein Auslöser. Er ist der einzige emotionale Anker für Steve Ford.
Symbolik oder nur ein Plot-Device
Der Hund steht für Steves verlorenes Leben. Er ist einsam, seine besten Tage liegen hinter ihm, und das Tier ist seine letzte Verbindung zu einer Normalität, die er längst aufgegeben hat. Wenn Spyder den Hund stiehlt, stiehlt er Steves Identität. Das ist ein starkes Motiv, das leider oft durch plumpe Witze untergraben wird. In Deutschland gab es ähnliche Diskussionen über Filme, in denen Tiere die Hauptrolle spielen. Wir lieben unsere Haustiere, und die Vorstellung, dass jemand sie entführt, löst sofort Mitgefühl aus. Das nutzt der Film schamlos aus.
Tier am Set
Man darf nicht vergessen, dass die Arbeit mit Tieren vor der Kamera extrem schwierig ist. Buddy wird von einem professionell trainierten Hund dargestellt, der oft die beste Performance im ganzen Film abliefert. Er schaut traurig, wenn er traurig schauen soll, und wedelt mit dem Schwanz, wenn die Szene es verlangt. Manchmal wirkt der Hund präsenter als sein menschlicher Co-Star.
Einordnung in die Filmografie von Bruce Willis
Wenn man die Karriere von Willis betrachtet, gibt es klare Phasen. Die glorreichen Jahre der 80er und 90er, die experimentelle Phase um die Jahrtausendwende und die spätere Phase, in der er fast nur noch in B-Movies auftauchte. Dieses Projekt markiert den Übergang in die letzte Phase. Es ist ein trauriger Moment für Filmfans, denn man sieht das Potenzial, das verschwendet wurde.
Der Vergleich mit anderen Werken
Vergleicht man diesen Film mit "The Last Boy Scout", sieht man massive Qualitätsunterschiede. Beide Filme teilen das Setting eines abgehalfterten Detektivs in L.A. Doch während das ältere Werk durch messerscharfe Dialoge und echte Spannung glänzt, wirkt das neuere Werk wie eine blasse Kopie. Es fehlt die Dringlichkeit. Es fehlt der Biss. Man merkt, dass das Studio wohl Druck gemacht hat, den Film massentauglich zu halten, was oft die Ecken und Kanten abschleift, die ein solches Szenario eigentlich braucht.
Warum wir trotzdem zusehen
Trotz aller Kritik hat der Film einen gewissen Charme. Er ist perfekt für einen regnerischen Sonntagnachmittag, an dem man nicht viel nachdenken möchte. Es gibt eine gewisse Leichtigkeit, die vielen modernen Actionfilmen abgeht, die sich oft viel zu ernst nehmen. Hier weiß jeder Beteiligte, dass sie keinen Oscar gewinnen werden. Diese Ehrlichkeit ist fast schon wieder sympathisch. Wer sich für die Hintergründe von Filmproduktionen interessiert, findet auf Seiten wie IMDb oft spannende Trivia zu solchen Dreharbeiten.
Was man aus dem Scheitern lernen kann
Filmemachen ist ein Geschäft. Oft entscheiden nicht künstlerische Visionen, sondern Verträge und Steuererleichterungen darüber, welche Filme produziert werden. Venice Beach als Drehort ist teuer, aber auch ikonisch. Die Entscheidung, dort zu drehen, war ein kluger Schachzug für das Marketing. Jeder kennt die Bilder. Jeder verbindet etwas damit.
- Verlasse dich nie nur auf einen großen Namen. Ein Star allein rettet kein schwaches Drehbuch.
- Genre-Mixe sind riskant. Wenn du Comedy und Action mischst, musst du beide perfekt beherrschen.
- Die Zielgruppe ist klüger, als man denkt. Fans merken sofort, ob ein Schauspieler mit Herzblut dabei ist oder nur seinen Scheck abholt.
- Kleine Details machen den Unterschied. Ein gut trainierter Hund kann eine Szene retten, aber nicht den ganzen Film.
Die Rezeption in Deutschland
In der Bundesrepublik kam der Film mit dem Titel "Going in Style" (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen Morgan Freeman Film) oder einfach unter seinem Originalnamen auf den Markt. Die deutschen Synchronsprecher gaben sich Mühe, die etwas müden Leistungen der US-Darsteller aufzuwerten. Manfred Lehmann, die deutsche Stammstimme von Willis, tut wie immer sein Bestes, um die Coolness zu bewahren. Das ist oft der Rettungsanker für das deutsche Publikum. Wir hören die Stimme und assoziieren sofort Qualität, selbst wenn das Bild auf dem Fernseher etwas anderes sagt.
Heimkino-Markt und Streaming-Erfolg
Interessanterweise lief der Film im Streaming gar nicht so schlecht. Das liegt an den Algorithmen. Wenn du einen Actionfilm schaust, schlägt dir das System automatisch den nächsten vor. So landen viele Zuschauer bei Titeln, die sie im Kino ignoriert hätten. Es ist eine neue Form der Filmkonsumation. Man schaltet nicht mehr gezielt ein, man lässt sich berieseln. Das hat zur Folge, dass Produktionen wie diese eine längere Lebensdauer haben, als sie eigentlich verdienen.
Kulturelle Unterschiede
Humor ist eine schwierige Sache. Was in den USA als lustig gilt, zündet in Europa nicht immer. Die Slapstick-Einlagen, wenn Willis nackt skatet, wirken auf viele deutsche Zuschauer eher peinlich als komisch. Wir bevorzugen oft einen trockeneren, schwarzeren Humor in unseren Krimis. Der Film versucht krampfhaft, "cool" zu sein, was oft das Gegenteil bewirkt. Echte Coolness entsteht aus einer Lässigkeit, die man hier vergeblich sucht.
Die Zukunft solcher Produktionen
In einer Ära, in der Streaming-Giganten Milliarden in eigenen Content investieren, wird es für unabhängige B-Movies immer schwerer. Gleichzeitig gibt es eine treue Fangemeinde für diese Art von Filmen. Es ist das Äquivalent zu Fast Food. Du weißt, es ist nicht gut für dich, und du wirst dich danach vielleicht ein bisschen schlecht fühlen, aber im Moment des Konsums befriedigt es ein gewisses Bedürfnis.
KI und die Filmindustrie
Ein aktuelles Thema ist der Einsatz von Technologie. Wir sehen immer öfter, dass Schauspieler digital verjüngt werden oder ihre Stimmen geklont werden. Bei Filmen aus dieser Kategorie könnte man sich fragen, ob das in Zukunft die Kosten senkt. Aber wollen wir das? Ein großer Teil der Faszination Kino kommt von der menschlichen Interaktion. Wenn ein Schauspieler wie Willis nur noch physisch anwesend ist, aber geistig schon woanders, spüren wir das. Eine Maschine könnte das vielleicht technisch perfekt kopieren, aber die Seele würde fehlen.
Nachhaltigkeit am Set
Ein weiterer Punkt, der in Hollywood immer wichtiger wird, ist die grüne Produktion. Auch kleine Filme müssen sich heute an Standards halten. Das betrifft das Catering ebenso wie den Transport der Crew. Venice Beach bietet da logistische Vorteile, weil vieles vor Ort vorhanden ist. Man muss keine riesigen Kulissen bauen, wenn die Stadt selbst die Kulisse ist. Das spart Ressourcen und Geld. Informationen zu ökologischen Standards in der Filmbranche finden sich oft bei Organisationen wie dem BFI.
Praktische Schritte für Filmfans
Wenn du jetzt neugierig geworden bist oder den Film noch einmal mit anderen Augen sehen willst, habe ich ein paar Tipps für dich. Es geht darum, das Beste aus dem Erlebnis herauszuholen, ohne frustriert abzuschalten.
- Senke deine Erwartungen. Geh nicht davon aus, einen Meilenstein der Filmgeschichte zu sehen. Betrachte es als Kuriosität.
- Achte auf die Nebendarsteller. Jason Momoa und John Goodman machen wirklich Spaß. Konzentriere dich auf ihre Szenen.
- Schau dir den Film im Originalton an. Bruce Willis' nuschelnde Art hat im Englischen einen ganz eigenen Vibe, der in der Synchronisation oft verloren geht.
- Nutze den Film als Hintergrund für einen Abend mit Freunden. Es ist das perfekte Material, um es gemeinsam zu kommentieren und sich über die absurden Momente lustig zu machen.
- Recherchiere die Drehorte. Wenn du das nächste Mal in Los Angeles bist, kannst du die Stellen in Venice besuchen. Das gibt dem Ganzen eine reale Komponente.
Letztlich ist die Geschichte hinter dem Werk eine Mahnung an die Industrie. Große Namen verpflichten. Wenn man das Erbe eines Schauspielers nutzt, sollte man ihm auch ein Drehbuch geben, das seiner Würde entspricht. Das ist hier nur bedingt passiert. Dennoch bleibt ein Film zurück, der auf seine ganz eigene, schräge Art und Weise unterhält. Er ist ein Dokument einer Zeit, in der sich Hollywood im Wandel befand und alte Helden versuchten, ihren Platz in einer neuen Welt zu finden. Dass dies nicht immer reibungslos verläuft, ist menschlich. Und vielleicht ist genau das der Grund, warum wir uns solche Filme immer wieder ansehen. Wir wollen sehen, wie unsere Helden scheitern, nur um sie danach noch mehr für ihre vergangenen Siege zu lieben.
Wer sich tiefer mit der Materie beschäftigen will, kann sich auch mit der Geschichte des Stadtteils Venice auseinandersetzen. Dieser Ort hat so viele Künstler, Musiker und eben auch Filmemacher inspiriert. Er ist ein Schmelztiegel der Kulturen. Von den Kanälen bis zum Strand – jeder Meter atmet Geschichte. Der Film nutzt diese Historie als bunten Anstrich für eine eigentlich recht dünne Geschichte. Aber wie heißt es so schön? Besser ein bunter Anstrich als gar keine Farbe. In diesem Sinne: Gib dem Ganzen eine Chance, wenn du nichts Besseres vorhast, aber sag hinterher nicht, ich hätte dich nicht gewarnt.
