Der Regen in Schanghai im August 2017 fühlte sich nicht wie Wasser an, sondern wie eine warme, drückende Decke, die sich über die wartenden Menschenmassen vor dem Kino legte. Tausende junge Menschen hielten ihre Smartphones wie kleine Leuchtfeuer in die Höhe, während das Licht der Neonreklamen auf dem nassen Asphalt tanzte. Sie warteten nicht auf eine politische Rede oder einen Popstar, sondern auf die Wiedergeburt einer Legende, die bereits seit einem Jahrzehnt in den digitalen Regalen des Internets und in den Herzen einer ganzen Generation von Lesern schlummerte. Inmitten dieses Trubels stand ein Mädchen, kaum zwanzig Jahre alt, und umklammerte eine zerfledderte Taschenbuchausgabe von „San Sheng San Shi Shi Li Tao Hua“. Sie hatte das Buch unter der Schulbank gelesen, nachts mit der Taschenlampe unter der Decke, und nun sollte die Geschichte von Bai Qian und Ye Hua in Once Upon A Time 2017 Film eine physische Form annehmen, die weit über die Buchstaben auf dem Papier hinausging.
Dieser Moment markierte mehr als nur eine Kinopremiere. Er war der Kulminationspunkt einer kulturellen Sehnsucht, die China und weite Teile Asiens erfasst hatte. Die Geschichte einer Liebe, die drei Leben und zehntausend Jahre überdauert, war längst kein bloßer Text mehr. Sie war ein kollektives Gedächtnis geworden. Als die ersten Bilder über die Leinwand flimmerten, sah das Publikum nicht nur Schauspieler in aufwendigen Seidengewändern, sondern die Manifestation einer Ästhetik, die das Land zwischen seiner tiefen Vergangenheit und einer hochglanzpolierten, digitalen Zukunft verortete. Es ging um die Frage, ob Romantik in einer Welt, die sich rasender schnell dreht als je zuvor, noch immer diesen gewaltigen, epischen Raum einnehmen darf.
Die Produktion war ein Kraftakt der visuellen Effekte. Man wollte zeigen, dass das chinesische Kino technisch mit Hollywood gleichziehen konnte. Während die Kamera über die Pfirsichblütenwälder von Qingqiu glitt, spürte man den Willen, eine Welt zu erschaffen, die so makellos war, dass sie fast schmerzte. Jede computergenerierte Blüte, die im Wind tanzte, sollte die Zerbrechlichkeit der Unsterblichen symbolisieren. Doch hinter der digitalen Pracht verbarg sich eine zutiefst menschliche Erzählung über Verlust und das schmerzhafte Wiedererkennen. Es ist die universelle Angst, den einen Menschen zu vergessen, der die eigene Seele definiert, und die Hoffnung, dass das Schicksal uns eine zweite, oder in diesem Fall eine dritte Chance gibt.
Die visuelle Architektur von Once Upon A Time 2017 Film
Die Herausforderung für die Regisseure Zhao Xiaoding und Anthony LaMolinara bestand darin, eine Mythologie zu visualisieren, die in der Vorstellung der Fans bereits perfekt war. Zhao, der als Kameramann für Epen wie „Hero“ bekannt geworden war, brachte ein Auge für Farben und Komposition mit, das jede Einstellung wie ein klassisches Tuschegemälde wirken ließ. Es war eine bewusste Entscheidung gegen den Realismus. Die Welt der Götter und Dämonen sollte sich entrückt anfühlen, ein Ort, an dem die Schwerkraft nur eine Empfehlung ist und Emotionen das Wetter bestimmen. Wenn die Protagonistin Bai Qian, gespielt von Liu Yifei, einsam auf einem Ast sitzt und Pfirsichwein trinkt, während ihre langen Gewänder im Nichts schweben, wird die Einsamkeit einer jahrhundertelangen Existenz greifbar.
In der Fachwelt der visuellen Effekte wurde viel über die Arbeit der Moving Picture Company (MPC) diskutiert, die zuvor an „The Jungle Book“ gearbeitet hatte. Sie brachten eine Präzision in die Darstellung der Fabelwesen, die man so im chinesischen Film selten gesehen hatte. Der kleine Migu, ein Baumgeist, oder der majestätische goldene Drache, in den sich der männliche Hauptdarsteller Yang Yang verwandelt, waren keine bloßen Pixelhaufen. Sie besaßen eine Textur und eine physische Präsenz, die den Kontrast zwischen der ätherischen Götterwelt und der harten Realität der sterblichen Ebene betonten. Diese technische Meisterschaft war notwendig, um den Sprung vom geschriebenen Wort zum Bild zu bewältigen, ohne die Magie der Vorlage zu verraten.
Doch Technik allein füllt keine Kinosäle. Es war die Chemie zwischen den Hauptdarstellern, die die Massen bewegte. Liu Yifei, in China oft als „Fairy Sister“ bezeichnet, verkörperte eine stolze, fast kühle Göttin, die erst durch den Schmerz der Sterblichkeit lernt, was es heißt, verletzlich zu sein. Yang Yang hingegen musste die Last eines jungen Prinzen tragen, der älter wirkt, als er ist, gezeichnet von einer Liebe, die er nicht aufgeben kann, selbst wenn sie ihn zerstört. Wenn sie sich in den Hallen des Himmelspalastes gegenüberstehen, umgeben von kaltem Marmor und künstlichem Nebel, wird die Leinwand zum Spiegel für die Sehnsüchte eines Publikums, das in einer zunehmend rationalen Welt nach dem Übernatürlichen sucht.
Das Erbe der Zehntausend Jahre
Die Bedeutung dieser Erzählung reicht weit in die Literaturgeschichte zurück. Das Genre Xianxia, zu dem dieses Werk gehört, verbindet taoistische Mythologie mit Kampfkunst und romantischer Fantasie. Es ist eine Welt, in der die Kultivierung des Geistes zu übermenschlichen Kräften führt, aber die einfachsten menschlichen Regungen – Neid, Eifersucht, Hingabe – die größten Hindernisse darstellen. Für die Zuschauer in Europa oder Amerika mag dies wie reine Eskapismus-Fantasie wirken, doch in China ist es eine Rückbesinnung auf kulturelle Wurzeln, die während der rasanten Urbanisierung der letzten Jahrzehnte oft vernachlässigt wurden.
Die Geschichte stellt die Zeit selbst in Frage. Was bedeutet ein Versprechen, wenn man ewig lebt? In einer Szene, die viele Tränen in den Kinosälen provozierte, muss die sterbliche Identität der Protagonistin, Su Su, einen qualvollen Verrat erleben. Sie springt von der Terrasse der Vernichtung, überzeugt davon, dass ihr Tod die einzige Flucht aus einer Welt der Intrigen ist. Das Gefühl des Fallenlassens, das visuell so eindringlich umgesetzt wurde, steht metaphorisch für den Moment, in dem ein Mensch alles verliert, nur um später festzustellen, dass die Narben der Vergangenheit die einzige Brücke zur Zukunft sind. Es ist diese Melancholie, die das Werk aus der Masse der bloßen Blockbuster heraushebt.
Man darf nicht vergessen, dass das Jahr 2017 für die chinesische Filmindustrie ein Jahr des Umbruchs war. Man suchte nach dem „Big IP“-Erfolg, also Stoffen, die über alle Medien hinweg funktionieren. Das Thema war bereits eine erfolgreiche Web-Novel und eine noch erfolgreichere Fernsehserie. Der Film musste also etwas anderes bieten: Komprimierung und visuelle Wucht. Er verzichtete auf die Nebenstränge der Serie und konzentrierte sich radikal auf die Dynamik zwischen den beiden Liebenden. Das führte bei Kritikern zu Debatten über die Erzählgeschwindigkeit, doch für die Fans war es eine Destillation der Emotionen, ein Rausch der Farben und Klänge, der in 109 Minuten das einfing, wofür andere Monate brauchen.
Die Musik trug einen wesentlichen Teil dazu bei. Die melancholischen Klänge der Flöte und der Zither, gemischt mit modernen orchestralen Arrangements, schufen einen Klangraum, der den Zuschauer direkt in die Pfirsichblütenwälder versetzte. Es ist eine Musik, die Sehnsucht atmet. Wenn das Hauptthema einsetzt, während die Kamera über die Wolkenmeere fliegt, versteht man, dass diese Geschichte nicht im Kopf, sondern im Herzen konsumiert werden will. Es geht nicht um Logik, sondern um die Wahrheit eines Gefühls, das stärker ist als der Tod und die Zeit.
In den sozialen Netzwerken wurde jedes Detail diskutiert. Von der Stickerei auf den Kostümen bis hin zur Art, wie Yang Yang sein Schwert hält. Diese Detailverliebtheit zeigt, wie sehr sich das Publikum mit der Materie identifiziert. Es ist eine Form von modernem Mythos, der in den Städten wie Peking oder Shanghai genauso funktioniert wie in den ländlichen Provinzen. Die Menschen sehen in den unsterblichen Wesen ihre eigenen Kämpfe gespiegelt: die Pflicht gegenüber der Familie, die Last der Erwartungen und den brennenden Wunsch, einfach nur man selbst zu sein und geliebt zu werden.
Diese universelle Resonanz ist es, die den Film auch Jahre später noch relevant macht. Er ist ein Zeitdokument für ein China, das seine eigene Ästhetik in der Moderne sucht. Er ist mutig in seiner Kitschigkeit und entschlossen in seiner Pracht. In einer Ära, in der viele Filme versuchen, besonders ironisch oder distanziert zu sein, wagt dieses Werk die totale Hingabe an das Pathos. Das ist nicht jedermanns Sache, aber es ist ehrlich in seinem Anspruch, den Zuschauer zu überwältigen.
Wenn man heute durch die Straßen von Xi'an oder Hangzhou geht, sieht man oft junge Frauen in Hanfu, der traditionellen Kleidung, die durch solche Filme eine Renaissance erlebt hat. Sie posieren unter blühenden Bäumen für Fotos, und für einen Moment verschwimmen die Grenzen zwischen der Realität des 21. Jahrhunderts und der Welt der Legenden. Diese kulturelle Rückeroberung ist vielleicht das nachhaltigste Erbe, das die Produktion hinterlassen hat. Sie hat den Stolz auf die eigene Ästhetik neu entfacht und gezeigt, dass die alten Geschichten noch immer die Kraft haben, die Massen zu bewegen, wenn man sie mit den Mitteln der modernen Technik neu erzählt.
Die Kritik am Film war oft hart, besonders von jenen, die die langsame Erzählweise der Vorlage bevorzugten. Doch das übersieht den Kern des Mediums. Ein Film ist ein Traum, der in kurzer Zeit geträumt wird. Er muss Akzente setzen, er muss blenden und verzaubern. Die emotionale Reise, die Once Upon A Time 2017 Film anbietet, ist eine der Extreme. Vom tiefsten Tal der Verzweiflung bis zu den höchsten Gipfeln der göttlichen Ekstase wird nichts ausgelassen. Es ist ein Kino der großen Gesten, das in einer Welt der kleinen Bildschirme und schnellen Schnitte fast schon rebellisch wirkt.
Letztendlich bleibt das Bild eines Kindes, das seinen Vater nicht erkennt, und einer Frau, die ihre eigene Identität erst in den Augen eines Fremden wiederfindet. Diese Szenen der Wiederbegegnung sind der Anker der Geschichte. Sie erinnern uns daran, dass wir alle Wanderer zwischen verschiedenen Leben sind, geprägt von Begegnungen, die wir manchmal erst viel später verstehen. Die Pfirsichblüten mögen verwelken und die digitalen Effekte irgendwann veralten, aber das Gefühl des Suchens und Findens bleibt bestehen. Es ist der ewige Kreislauf, der uns zu Menschen macht, egal ob wir sterblich sind oder zehntausend Jahre leben.
Am Ende des Abends in Schanghai, als das Licht im Kinosaal wieder anging, war es für einen Moment vollkommen still. Niemand griff sofort nach seinem Telefon. Man sah in Gesichter, die noch halb in der Welt von Qingqiu verweilten. Das Mädchen mit dem zerfledderten Buch wischte sich eine Träne aus dem Augenwinkel und lächelte. Sie hatte nicht nur einen Film gesehen; sie war für zwei Stunden an einen Ort gereist, an dem die Liebe keine Grenzen kennt und die Zeit stillsteht, während die Blüten lautlos zu Boden fallen.
Ein einziger Pfirsichblütenzweig, der im Abspann langsam im Wasser versinkt, lässt die Stille noch lange nachhallen.
