Manchmal irrt die Masse kollektiv, weil sie das falsche Genre erwartet. Als der Film im Jahr 2010 in die Kinos kam, hagelte es Spott von Kritikern, die ein bleihaltiges Action-Spektakel oder ein tiefschürfendes Drama im Stil von Das Leben der Anderen suchten, immerhin saß dessen Regisseur Florian Henckel von Donnersmarck am Steuer. Doch wer sich heute The Tourist With Johnny Depp ansieht, erkennt eine völlig andere Absicht hinter der glitzernden Fassade Venedigs. Es war kein missglückter Thriller. Es war eine bewusste, fast schon subversive Rückkehr zum Eskapismus der 1950er Jahre, eine Hommage an die Leichtigkeit von Cary Grant und Audrey Hepburn, die das moderne Publikum in ihrer zynischen Erwartungshaltung schlichtweg überforderte. Die Leute wollten Schweiß und Blut, bekamen aber Seide und Champagner.
Die rehabilitierte Eleganz von The Tourist With Johnny Depp
Es gibt diesen einen Moment im Film, in dem die Kamera minutenlang über die Kanäle gleitet, während die Protagonisten Kleidung tragen, die mehr kostet als ein durchschnittliches Jahresgehalt. Die Kritik warf dem Werk damals Oberflächlichkeit vor. Man nannte es ein teures Urlaubsvideo für die Stars. Aber genau hier liegt der Denkfehler der professionellen Rezensenten. Dieses Werk wollte niemals den Realismus bedienen. In einer Ära, in der das Kino von düsteren Superhelden und wackeligen Handkameras dominiert wurde, entschied sich die Produktion für eine Ästhetik des Überflusses. Das ist kein Fehler im System, sondern die Architektur des Ganzen.
Wenn wir über dieses Projekt sprechen, müssen wir die psychologische Wirkung von Schönheit anerkennen. Donnersmarck nutzte die visuelle Opulenz als Schutzschild gegen die Schwere der Welt. Er baute eine Welt, die so makellos war, dass sie fast künstlich wirkte. Skeptiker behaupten gern, die Chemie zwischen den Hauptdarstellern hätte gefehlt. Ich sage: Du suchst nach der falschen Art von Chemie. Zwischen den beiden herrschte keine moderne, explosive Leidenschaft, sondern eine kühle, distanzierte Eleganz, die typisch für das goldene Zeitalter Hollywoods war. Es war ein Spiel mit Blicken, nicht mit Körperflüssigkeiten. Das ist eine Kunstform, die wir heute fast verlernt haben zu lesen.
Das Missverständnis der schauspielerischen Leistung
Man muss sich vor Augen führen, was ein Darsteller wie der Hauptakteur hier leisten musste. Er spielte einen Mathematiklehrer aus Wisconsin. Jemanden, der absichtlich profan und ein wenig tollpatschig wirkt. Der Vorwurf, er sei unterfordert oder gelangweilt gewesen, ignoriert die Nuancen seines Spiels. Er lieferte die perfekte Projektionsfläche für die Zuschauer. Wir sind dieser Tourist. Wir stolpern durch diese Welt des Luxus und der Intrigen, ohne den Plan zu kennen. Die schauspielerische Zurückhaltung war eine bewusste Entscheidung, um den Kontrast zur kühlen Perfektion seiner Partnerin zu schärfen. Das ist Handwerk, kein Desinteresse.
Warum das europäische Erbe den Film rettet
Ein großer Teil der Ablehnung in den USA rührte daher, dass der Film sich weigerte, amerikanische Erzählmuster zu bedienen. Er basiert auf dem französischen Werk Anthony Zimmer, und diese DNA ist in jeder Sekunde spürbar. Es geht um das Savoir-vivre, um das langsame Genießen einer Zigarette oder das exakte Timing eines ironischen Kommentars. Während Hollywood normalerweise alles erklären will, lässt dieses Feld hier vieles im Unklaren. Die Handlung ist zweitrangig. Sie ist nur der Aufhänger, um die Charaktere durch wunderschöne Räume zu bewegen. Das ist eine europäische Herangehensweise an das Kino, die Stimmung über Logik stellt.
Die Fachwelt war damals schockiert über die drei Golden-Globe-Nominierungen in der Kategorie Komödie oder Musical. Man witterte Korruption oder Bestechung durch das Studio. Doch bei genauerer Betrachtung war die Einordnung als Komödie völlig korrekt. Der Film ist eine Farce. Er ist ein Witz, den man nur versteht, wenn man bereit ist, die Logik an der Garderobe abzugeben. Wer hier nach Plot-Löchern sucht, hat schon verloren. Man sucht ja auch nicht nach Realismus in einem Gemälde von Canaletto. Man lässt sich von der Komposition berauschen oder man lässt es bleiben.
Die Macht der Kulisse als dritter Hauptdarsteller
Venedig wird oft als kitschig abgestempelt, aber hier fungiert die Stadt als moralischer Kompass. Die Verfolgungsjagden auf dem Wasser sind absichtlich langsam. Es gibt keine schnellen Schnitte, die den Raum zerstückeln. Wir sehen die Stadt in ihrer vollen Pracht, ungefiltert und ohne die Hektik moderner Actionsequenzen. Diese Entschleunigung ist provokant. Sie zwingt uns, hinzusehen, statt nur zu konsumieren. In einer Welt, die auf maximale Reizüberflutung setzt, ist diese visuelle Ruhe fast schon ein politischer Akt des Widerstands.
Es ist nun mal so, dass wir Filme oft durch die Brille unserer aktuellen Sorgen bewerten. Im Jahr der Veröffentlichung leckten wir noch die Wunden der Finanzkrise. Ein Film über Superreiche in Venedig wirkte da fast wie eine Beleidigung. Aber heute, mit dem zeitlichen Abstand von über anderthalb Jahrzehnten, wirkt das Werk wie eine Zeitkapsel. Es zeigt uns ein Ideal von Glamour, das heute durch Instagram-Filter und billigen Fast-Fashion-Lifestyle entwertet wurde. Die Kleider, die Angelina Jolie trägt, sind keine Kostüme; sie sind Skulpturen. Das Licht, das auf die Fassaden der Palazzi fällt, ist eine Liebeserklärung an das analoge Kino.
Wer heute behauptet, das Projekt sei gescheitert, verkennt die ökonomische Realität. An den Kinokassen war das Werk international ein massiver Erfolg. Es spielte fast das Dreifache seiner Kosten ein. Das Publikum weltweit hat also etwas verstanden, was die Kritiker in ihrer Elfenbeinturmanalyse übershen haben: Wir brauchen den Glanz. Wir brauchen die Flucht aus dem Alltag, die uns nicht mit Problemen belastet, sondern uns für zwei Stunden in eine Welt entführt, in der das größte Problem die Wahl des richtigen Abendkleids ist. Das ist kein minderwertiges Kino. Das ist die Essenz dessen, warum wir überhaupt in dunkle Räume gehen und auf Leinwände starren.
The Tourist With Johnny Depp ist kein Unfall der Filmgeschichte, sondern ein vergessenes Juwel des maximalistischen Stils. Es ist die Verweigerung von Dreck und Elend, die das Werk so wertvoll macht. Wir sollten aufhören, von jedem Film zu verlangen, dass er uns die Welt erklärt oder die Seele aufreißt. Manchmal reicht es völlig aus, wenn ein Film uns einfach nur zeigt, wie schön die Welt sein könnte, wenn wir alle ein bisschen mehr wie Filmstars in Venedig leben würden. Die Ironie ist, dass der Film erst jetzt, in einer Zeit der totalen visuellen Überreizung durch kurze Handyvideos, seine wahre Stärke entfaltet. Er ist das langsame Atmen eines Kinos, das es so kaum noch gibt.
Man kann die Qualität eines solchen Werkes nicht an der Komplexität seines Drehbuchs messen, sondern an der Haltbarkeit seiner Bilder in unserem Gedächtnis. Und wer kann schon behaupten, die Szene auf dem Balkon des Hotel Danieli jemals vergessen zu haben? Das ist die Macht der reinen Ästhetik. Es ist eine Form von Mut, so viel Geld für puren Stil auszugeben, ohne sich hinter einer tiefschürfenden Botschaft zu verstecken. Es ist eine Ehrlichkeit, die wir heute bei den meisten Blockbustern vermissen, die krampfhaft versuchen, bedeutsam zu wirken.
Wenn du das nächste Mal nach einem Film suchst, lass dich nicht von den alten Kritiken abschrecken. Schau dir die Bilder an. Spür die Textur der Stoffe. Hör auf den Soundtrack von James Newton Howard, der die Melancholie der Stadt perfekt einfängt. Du wirst feststellen, dass du nicht einen Thriller siehst, sondern ein bewegtes Gemälde. Es ist die totale Kapitulation vor der Schönheit. Und das ist in einer rationalisierten Welt vielleicht die radikalste Entscheidung, die ein Filmemacher treffen kann.
Die wahre Qualität dieses Films offenbart sich erst, wenn man aufhört, nach der Wahrheit hinter der Maske zu suchen, und erkennt, dass die Maske selbst das Kunstwerk ist.
