Manche Lieder brennen sich so tief in das kollektive Gedächtnis ein, dass wir aufhören, über ihren eigentlichen Gehalt nachzudenken. Wir hören den harten Basslauf, sehen das Lederoutfit und sortieren das Ganze in die Schublade für harmlosen Glam-Rock der siebziger Jahre ein. Doch wer Suzie Quatro Can The Can nur als tanzbare Hymne einer Leder-Ikone begreift, übersieht die kalkulierte Dekonstruktion männlicher Dominanz, die sich hinter dem scheinbar unsinnigen Text verbirgt. Es war kein Zufallsprodukt der Musikindustrie, sondern ein gezielter Angriff auf die damalige Rollenverteilung im Rockgeschäft, verpackt in einen Refrain, der bis heute oft missverstanden wird. Die gängige Meinung besagt, Suzie Quatro sei lediglich die Schöpfung der Hit-Produzenten Mike Chapman und Nicky Chinn gewesen, eine hübsche Fassade für deren Songwriting-Maschine. Ich behaupte jedoch, dass sie die Architektin einer neuen weiblichen Aggressivität war, die den Männern ihre eigenen Waffen entwand und sie gegen sie richtete.
Die kalkulierte Provokation von Suzie Quatro Can The Can
Der Erfolg des Songs im Jahr 1973 markierte einen Moment, in dem die Rockmusik ihre Unschuld gegenüber der weiblichen Sexualität verlor. Während andere Sängerinnen jener Ära entweder als zerbrechliche Balladenkünstlerinnen oder als ätherische Hippie-Göttinnen inszeniert wurden, trat Quatro mit einer Bassgitarre auf, die fast so groß war wie sie selbst. Das war kein bloßes Accessoire. Der Bass ist das physischste Instrument der Rockband, er erzeugt den Druck im Bauchraum, den man nicht ignorieren kann. In einer Zeit, in der das Magazin Rolling Stone Frauen oft nur als schmückendes Beiwerk am Bühnenrand wahrnahm, forderte sie den Platz im Zentrum ein. Der Text des Liedes wird oft als Kauderwelsch abgetan, doch das englische Wortspiel ist eine Warnung. Es geht darum, jemanden in eine Schranke zu weisen, die Kontrolle zu übernehmen. Wer glaubt, hier singe ein Mädchen nur ein fröhliches Liedchen über Dosen, hat die unterschwellige Drohung der Basslinie nicht verstanden.
Die Rolle der Produzenten im Schatten der Künstlerin
Natürlich gab es Kritiker, die behaupteten, Chapman und Chinn hätten die Fäden gezogen. In der deutschen Musikpresse der siebziger Jahre, etwa in der Bravo oder dem Musikexpress, wurde oft betont, wie sehr Quatro ein Produkt ihrer Berater sei. Das ist eine Sichtweise, die jegliche künstlerische Autonomie abspricht. Sicherlich lieferten die Songschreiber das Skelett, aber das Fleisch, der Schweiß und die Attitüde stammten ausschließlich von Quatro selbst. Man kann eine Pose lehren, aber man kann keine Authentizität verordnen. Sie brachte eine Rohheit aus Detroit mit, die in den glattpolierten Studios von London eigentlich keinen Platz hatte. Wenn man sich die Aufnahmen ansieht, erkennt man eine Künstlerin, die ihre Bandmitglieder nicht nur begleitet, sondern sie vor sich hertreibt. Es ist diese Dynamik, die den Song aus der Masse der damaligen Veröffentlichungen heraushebt.
Das Missverständnis der weiblichen Rebellion
Viele Beobachter setzen die Lederkluft und das wilde Auftreten mit einer rein visuellen Rebellion gleich. Das greift zu kurz. In der Bundesrepublik Deutschland jener Jahre war das Frauenbild noch stark von konservativen Werten geprägt, auch wenn die 68er-Bewegung vieles aufgewirbelt hatte. Eine Frau, die sich breitbeinig auf die Bühne stellte und schrie, war für das Establishment eine Provokation, die über die Musik hinausging. Suzie Quatro Can The Can fungierte hier als Katalysator. Es ging nicht darum, wie ein Mann zu klingen, sondern die männlich besetzte Sprache des Rock zu kapern. Die Energie war nicht mütterlich oder verführerisch im klassischen Sinne, sondern konfrontativ. Wer behauptet, das sei alles nur Show gewesen, ignoriert den massiven Widerstand, den Quatro am Anfang ihrer Karriere erfahren musste. Radiostationen zögerten, ihre Platten zu spielen, weil sie nicht in das Schema der „weiblichen Stimme“ passten. Sie war zu laut, zu direkt und zu wenig bereit, den Blick zu senken.
Der Einfluss auf nachfolgende Generationen von Musikerinnen
Ohne diesen spezifischen Durchbruch hätte es Bands wie The Runaways oder Künstlerinnen wie Joan Jett in dieser Form wahrscheinlich nie gegeben. Joan Jett selbst gab oft zu Protokoll, dass das Bild von Quatro mit dem Bass ihr gezeigt habe, dass das Unmögliche machbar ist. Es war die erste erfolgreiche Verschmelzung von Hard-Rock-Attitüde und weiblicher Identität, die nicht in der Schablone der Blues-Röhre stecken blieb. Quatro war modern. Sie war urban. Sie war die Antwort auf eine Frage, die die Musikindustrie bis dahin gar nicht zu stellen gewagt hatte. Die Stärke dieser Bewegung lag darin, dass sie sich nicht über die Ablehnung von Männern definierte, sondern über die Gleichwertigkeit im Lärm.
Die technische Brillanz hinter dem Lärm
Hinter der Fassade des Glam-Rock verbirgt sich eine musikalische Struktur, die weit komplexer ist, als man beim ersten Hören vermutet. Die Produktion nutzte innovative Schichtungstechniken, um den Sound massiv wirken zu lassen. Der Bass wurde nicht einfach nur eingespielt, er wurde klanglich so bearbeitet, dass er die Frequenzen dominierte, die normalerweise dem Gesang oder den Lead-Gitarren vorbehalten sind. Das war eine bewusste Entscheidung. Es sollte klingen wie eine heranstürmende Maschine. In den Studios der Rak Records wurde damals mit einer Präzision gearbeitet, die man heute eher mit elektronischer Musik assoziiert. Jede Note saß an ihrem Platz, um die maximale Wirkung zu erzielen. Wenn man das Stück heute über eine hochwertige Anlage hört, bemerkt man die Trockenheit des Schlagzeugs und die Aggressivität der Becken, die den Hörer förmlich anspringen.
Der Mythos der Eintagsfliege
Oft wird Quatro auf diesen einen Moment reduziert. Dabei war ihre Karriere in Europa und Australien von einer Beständigkeit geprägt, die viele ihrer männlichen Kollegen vor Neid erblassen ließ. Während andere Glam-Größen mit dem Ende des Jahrzehnts in der Bedeutungslosigkeit verschwanden, erfand sie sich immer wieder neu, ohne ihren Kern zu verraten. Das zeigt, dass der Erfolg von Suzie Quatro Can The Can kein glücklicher Zufall war, sondern das Ergebnis einer klaren künstlerischen Vision. Sie verstand es, den Zeitgeist zu nutzen, ohne sich von ihm verschlingen zu lassen. Es ist diese Intelligenz im Umgang mit dem eigenen Image, die sie von den vielen vergänglichen Sternchen der Ära unterscheidet.
Warum wir das Original heute neu bewerten müssen
Wenn wir heute auf die Musikgeschichte blicken, neigen wir dazu, alles durch die Brille der Nostalgie zu sehen. Wir hören den Song auf einer Oldie-Party und lächeln über die Plateauschuhe. Damit tun wir der Künstlerin und dem Werk unrecht. Wir müssen die radikale Natur dieser Veröffentlichung wiedererkennen. In einer Welt, die Frauen vorschrieb, leise und gefällig zu sein, war dieses Lied ein akustischer Mittelfinger. Es war der Beweis, dass eine Frau die Kontrolle über die Erzählung übernehmen kann, ohne sich zu rechtfertigen. Die angebliche Oberflächlichkeit des Glam-Rock war nur die Tarnung für eine kulturelle Verschiebung, deren Auswirkungen wir noch heute spüren. Wer die Kraft dieses Moments spüren will, muss die Lautstärke aufdrehen, bis die Wände vibrieren und die Nachbarn sich beschweren. Nur dann versteht man, was 1973 wirklich geschah.
Die eigentliche Wahrheit ist, dass dieses Lied niemals dazu gedacht war, nur zu gefallen; es war ein Werkzeug der Eroberung, das die elektrische Gitarre endgültig aus den Händen der männlichen Götter riss und in die Hände derer legte, die bereit waren, lauter zu schreien.
