steiner das eiserne kreuz teil 2

Manche Filme verschwinden einfach im Nebel der Kinogeschichte, obwohl sie eine gewaltige Last auf ihren Schultern tragen. Wenn man über das Genre des Anti-Kriegsfilms spricht, fällt sofort der Name Sam Peckinpah und sein Meisterwerk aus dem Jahr 1977. Doch kaum jemand erinnert sich an die Fortsetzung Steiner Das Eiserne Kreuz Teil 2, die nur zwei Jahre später in die Kinos kam. Wer sich heute durch die Streaming-Archive wühlt oder in alten DVD-Regalen stöbert, fragt sich oft: Taugt das Original nur als Solitär oder bietet der Nachfolger einen echten Mehrwert? Ich habe mir die Produktion noch einmal genau angeschaut und dabei festgestellt, dass die Entstehungsgeschichte fast so chaotisch war wie die Rückzugskämpfe an der Ostfront, die sie darzustellen versucht. Es ist kein einfacher Film. Er ist sperrig, er leidet unter dem Erbe seines Vorgängers und er wechselte fast die komplette Besetzung aus.

Die Last eines Erbes und Steiner Das Eiserne Kreuz Teil 2 im Vergleich

Es ist schon ein kurioses Stück Filmgeschichte. Während der erste Teil unter der Regie von Peckinpah eine visuelle Gewaltorgie mit Tiefgang war, schlug die Fortsetzung einen anderen Weg ein. Man muss verstehen, dass die Produktion von 1979 unter völlig anderen Vorzeichen stand. Andrew V. McLaglen übernahm die Regie. Er war bekannt für solide Western und Kriegsfilme, aber ihm fehlte dieser wahnsinnige, nihilistische Funke, den Peckinpah besaß. Das merkt man dem Werk in jeder Minute an. Es wirkt sauberer, fast schon wie eine klassische Hollywood-Produktion, obwohl es in Deutschland produziert wurde.

Besetzungswechsel als größtes Hindernis

James Coburn war Rolf Steiner. Sein zerfurchtes Gesicht und seine zynische Art prägten die Figur so nachhaltig, dass jeder Nachfolger es schwer haben musste. In der Fortsetzung übernahm Richard Burton die Rolle. Burton war zweifellos ein Gigant der Schauspielkunst, aber er spielte Steiner völlig anders. Sein Steiner ist müde. Er ist nicht mehr der aggressive Draufgänger, sondern ein Mann, der innerlich bereits mit allem abgeschlossen hat. Das passt zwar thematisch zur Endphase des Krieges im Jahr 1944, raubt der Figur aber die kinetische Energie, die den ersten Film so packend machte.

Schauplätze und historische Einordnung

Die Handlung setzt nach den Ereignissen an der Ostfront an. Wir befinden uns nun in Frankreich, kurz vor der Invasion der Alliierten. Die Wehrmacht ist im Rückzug begriffen. Diese Verschiebung des Fokus ändert die gesamte Dynamik. Wo der erste Teil die pure Hoffnungslosigkeit im Schlamm Russlands thematisierte, geht es hier eher um politische Intrigen innerhalb der Generalität und den Versuch, das Unvermeidliche abzuwenden. Man sieht deutlich, dass die Budgets für die Spezialeffekte vorhanden waren, aber die Inszenierung der Gefechte wirkt oft statisch. Es fehlen diese extremen Zeitlupen und der fast schon poetische Schnitt, der das Original auszeichnete.

Die Handlung zwischen Widerstand und Wahnsinn

Der Plot dreht sich um den Konflikt zwischen den Frontsoldaten und der Führungsebene. Steiner gerät zwischen die Fronten des Attentatsversuchs vom 20. Juli 1944. Das ist ein interessanter Ansatz. Man wollte weg vom reinen Schlachtengemälde und hin zu einer moralischen Debatte. Kann ein Soldat seinem Land treu bleiben, wenn die Führung wahnsinnig geworden ist? Das ist die Kernfrage, die den Film antreibt.

Der amerikanische Einfluss

Ein markanter Unterschied ist die Einführung amerikanischer Charaktere. Robert Mitchum spielt General Rogers. Die Interaktion zwischen dem deutschen Feldwebel und dem US-General soll zeigen, dass sich auf der Ebene der kämpfenden Männer Respekt finden lässt, während die Ideologien oben alles zerstören. Das ist ein klassisches Motiv des 70er-Jahre-Kriegskinos. Es wirkt heute manchmal etwas plakativ. Trotzdem gibt es Szenen, die hängen bleiben. Wenn Burton und Mitchum aufeinandertreffen, spürt man das enorme schauspielerische Gewicht dieser beiden Legenden. Es sind Momente, in denen der Film zeigt, was er hätte sein können.

Realismus und Ausstattung

Man muss der Produktion lassen, dass sie bei der Ausstattung keine Kompromisse gemacht hat. Die Panzer, die Uniformen, die Kulissen – alles wirkt authentisch. Die Dreharbeiten fanden zu einem großen Teil in Bayern statt, was dem Ganzen eine bodenständige, europäische Atmosphäre verleiht. Es gibt keine glänzenden Helden. Alles ist staubig, grau und abgegriffen. Wer sich für die technische Seite des Genres interessiert, findet hier viel Material zum Analysieren. Die Pyrotechnik war für die damalige Zeit auf einem sehr hohen Niveau.

Warum die Kritik den Film damals zerriss

Als der Streifen in die Kinos kam, waren die Rezensionen gnadenlos. Man warf dem Werk vor, eine unnötige Fortsetzung zu sein, die nur vom Ruhm des Namens profitieren wollte. Aber ist das fair? Wenn man Steiner Das Eiserne Kreuz Teil 2 als eigenständigen Film betrachtet, ist er ein solider Kriegsfilm der alten Schule. Das Problem war die Erwartungshaltung. Die Zuschauer wollten mehr von Peckinpahs visuellem Stil. Sie bekamen stattdessen ein dialoglastiges Drama mit Action-Einlagen.

Die Rolle von Richard Burton

Burton war zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere bereits gezeichnet. Sein Kampf mit dem Alkohol war kein Geheimnis. Das verleiht seiner Darstellung des Steiner eine ungewollte Authentizität. Er sieht aus wie ein Mann, der zu viel gesehen hat. Seine Stimme, im Original wie im Deutschen (oft synchronisiert von den großen Sprechern der Zeit), hat diese Schwere. Manche Kritiker nannten es hölzern. Ich nenne es eher eine Darstellung purer Erschöpfung. Es ist kein Actionheld, den er spielt. Es ist ein Geist, der in Uniform durch die Ruinen Europas wandelt.

Produktion und Regie unter der Lupe

McLaglen war ein Handwerker. Er lieferte ab. Er hielt den Zeitplan ein und blieb im Budget. Das ist oft der Tod für die Kunst, aber die Rettung für das Studio. Der Produzent Wolf C. Hartwig, der auch hinter dem ersten Teil stand, wollte den Erfolg wiederholen. Hartwig war eine schillernde Figur im deutschen Filmgeschäft. Er hatte ein Gespür für Themen, die international funktionierten. Hier wollte er wohl zu viel. Er mischte internationale Stars mit einer deutschen Geschichte und hoffte auf den großen Wurf in den USA. Dort floppte der Film allerdings fast komplett. In Europa lief er besser, erreichte aber nie den Kultstatus des Vorgängers.

Die technische Umsetzung und das Bild der Wehrmacht

Ein Punkt, der oft diskutiert wird, ist die Darstellung der deutschen Soldaten. In den 70er Jahren begann ein Wandel. Man wollte nicht mehr nur die eindimensionalen Bösewichte zeigen. Der Film versucht, die Graustufen abzubilden. Es gibt die fanatischen Nazis, ja. Aber es gibt eben auch die Männer, die einfach nur überleben wollen. Dieser Fokus auf die "Männer der Tat", die von unfähigen Vorgesetzten verheizt werden, ist ein roter Faden.

Die Kameraarbeit von Tony Imi

Tony Imi leistete an der Kamera hervorragende Arbeit. Er fing die herbstliche Stimmung Frankreichs und die Kälte der Bunkeranlagen perfekt ein. Es gibt kaum helle Farben. Alles ist in Erdtöne getaucht. Das unterstützt die düstere Grundstimmung. Die Schnitte sind langsamer als bei Peckinpah. Das gibt dem Zuschauer Zeit, die Umgebung wahrzunehmen. Man fühlt sich fast wie ein Beobachter, der im Graben daneben sitzt. Es ist eine sehr physische Kameraarbeit.

Filmmusik und Atmosphäre

Peter Thomas lieferte den Soundtrack. Thomas war eine Legende in Deutschland, bekannt durch seine Arbeit für die Edgar-Wallace-Filme und Raumpatrouille Orion. Sein Score für diesen Film ist ungewöhnlich. Er nutzt keine großen Orchesterklänge, sondern arbeitet viel mit Rhythmik und fast schon experimentellen Sounds. Das verstärkt das Gefühl des Unbehagens. Es bricht mit den Erwartungen an einen heroischen Kriegsfilm.

Die Bedeutung für das deutsche Genre-Kino

Man darf nicht vergessen, dass dies eine deutsche Co-Produktion war. Zu dieser Zeit war das deutsche Kino international kaum präsent, außer durch den Neuen Deutschen Film von Fassbinder oder Herzog. Kommerzielle Produktionen wie diese waren selten. Sie zeigten aber, dass man in Deutschland in der Lage war, Blockbuster-Kino auf internationalem Niveau zu produzieren. Auch wenn der Erfolg ausblieb, war es ein mutiges Projekt. Es wurde viel Geld investiert, um Stars wie Curd Jürgens, Klaus Löwitsch und Helmut Griem vor die Kamera zu bekommen.

Die Besetzung der Nebenrollen

Besonders Klaus Löwitsch als Unteroffizier Krüger ist eine Wucht. Er bringt eine Aggressivität und eine proletarische Härte ein, die einen guten Kontrast zu Burtons Melancholie bildet. Löwitsch war ein Charakterdarsteller, der physisch sehr präsent war. Wenn er auf der Leinwand erscheint, spürt man die Gefahr. Auch Curd Jürgens als General gibt dem Film die nötige Gravitas. Diese Schauspieler kannten die Zeit, über die sie spielten, oft noch aus eigener Erfahrung. Das verleiht ihren Rollen eine Tiefe, die heutigen Produktionen oft abgeht.

Authentizität vs. Fiktion

Der Film nimmt sich natürlich Freiheiten. Die Geschichte um das Attentat auf Hitler ist historisch verbrieft, aber Steiners Verwicklung darin ist reine Fiktion. Dennoch hilft dieser Rahmen, die Zerrissenheit der Armee darzustellen. Es geht nicht um historische Genauigkeit bis ins letzte Detail der Knopflochanzahl. Es geht um das Gefühl einer Epoche, die im Chaos versinkt. Wer mehr über die realen Hintergründe der Widerstandskämpfer erfahren möchte, findet beim Deutschen Historischen Museum umfassende Informationen.

Warum man den Film heute sehen sollte

Ist er ein Meisterwerk? Nein. Ist er sehenswert? Absolut. Alleine schon wegen der schieren Präsenz der Schauspieler. Es ist ein Dokument einer Ära des Filmemachens, die es so nicht mehr gibt. Heute werden solche Filme mit CGI-Effekten glattgebügelt. Damals flogen echte Trümmer durch die Luft. Die Erschöpfung in den Gesichtern war oft echt, weil unter schwierigen Bedingungen gedreht wurde.

Ein Vergleich der Generationen

Wenn man moderne Kriegsfilme wie Der Soldat James Ryan oder 1917 sieht, wirkt dieser Film fast schon wie aus einer anderen Welt. Er ist langsamer. Er verlässt sich auf die Kraft des gesprochenen Wortes und die Ausstrahlung seiner Protagonisten. Man muss sich darauf einlassen können. Wer nur Action sucht, wird enttäuscht sein. Wer aber ein Psychogramm von Männern am Rande des Abgrunds sehen will, bekommt hier einiges geboten.

Das Ende einer Ära

Dies war einer der letzten großen Kriegsfilme dieser Machart, bevor das Genre durch Filme wie Platoon eine völlig neue Richtung einschlug. Er steht an der Schwelle. Ein Bein noch im klassischen Heldenepos, das andere schon im kritischen Revisionismus. Diese Zwitterstellung macht ihn für Filmhistoriker so interessant. Er wollte die Massen unterhalten, aber gleichzeitig eine unbequeme Botschaft vermitteln.

Praktische Tipps für Sammler und Fans

Wer sich dieses Werk heute ansehen möchte, hat es nicht ganz leicht. Es gibt verschiedene Fassungen. Manche sind gekürzt, andere bieten eine Bildqualität, die dem Film nicht gerecht wird.

1. Suche nach der restaurierten Blu-ray-Fassung. Die Farben sind dort deutlich stabiler und das Bildrauschen wurde minimiert, ohne den analogen Look zu zerstören.
2. Achte auf das Bonusmaterial. Oft gibt es Interviews mit den beteiligten deutschen Schauspielern, die interessante Einblicke in die chaotischen Dreharbeiten geben.
3. Vergleiche die deutsche Synchronisation mit der englischen Originalfassung. Richard Burtons Stimme im Original ist ein Erlebnis für sich, auch wenn die deutschen Sprecher einen fantastischen Job gemacht haben.
4. Schau dir den Film direkt nach dem ersten Teil an. Nur im direkten Kontrast versteht man die künstlerische Entscheidung, die Figur des Steiner so radikal zu verändern.

Der Film wird nie den Status eines Klassikers erreichen. Er wird immer im Schatten von Peckinpahs Geniestreich stehen. Aber er verdient es, nicht völlig vergessen zu werden. Er ist ein Zeugnis dafür, dass Fortsetzungen oft scheitern, wenn sie versuchen, das Unkopierbare zu kopieren, aber dennoch einen eigenen Wert besitzen können, wenn sie sich trauen, eine eigene Geschichte zu erzählen. Steiner ist hier kein Kriegsgott mehr. Er ist ein müder Wanderer. Und vielleicht ist das die ehrlichere Darstellung eines Mannes, der Jahre in der Hölle verbracht hat.

Wer tiefer in die Materie einsteigen möchte, sollte sich auch mit der literarischen Vorlage von Willi Heinrich beschäftigen. Das Buch Das geduldige Fleisch lieferte die Basis für den ersten Film. Die Fortsetzung hingegen löste sich weitgehend von der literarischen Struktur und versuchte, die Figur in einen neuen historischen Kontext zu setzen. Das Ergebnis ist ein hybrides Werk, das zwischen Anspruch und Unterhaltung schwankt. Am Ende bleibt das Bild von Richard Burton, der mit traurigen Augen auf die brennenden Ruinen blickt. Ein Bild, das mehr über das Ende des Krieges aussagt als tausend Explosionen. Wer also eine Lücke in seiner Filmbibliothek schließen will, sollte diesem Werk eine Chance geben. Es ist sperrig, es ist unvollkommen, aber es ist wahrhaftiges Kino einer vergangenen Zeit.

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Nächste Schritte für Filmbegeisterte:

• Prüfe die Verfügbarkeit auf spezialisierten Plattformen für Filmklassiker.
• Lies zeitgenössische Kritiken aus den Jahren 1978 und 1979, um den kulturellen Kontext besser zu verstehen.
• Besuche Archive wie das Deutsche Filminstitut, um mehr über die Produktionshintergründe von Wolf C. Hartwig zu erfahren.
• Diskutiere in Foren über die unterschiedlichen Interpretationen der Figur Steiner durch Coburn und Burton.