Man begeht oft den Fehler, Konzertfilme als reine Dokumentationen der Bühnenpräsenz zu betrachten, als saubere Konserven eines flüchtigen Moments. Wer sich jedoch ernsthaft mit der Geschichte von Led Zeppelin befasst, erkennt schnell, dass The Song Remains The Same Film keineswegs das glanzvolle Denkmal ist, für das ihn viele Fans halten, sondern vielmehr das Zeugnis eines schleichenden Zerfalls. Während die breite Masse in den psychedelischen Traumsequenzen und den endlosen Soli den Gipfel des Hardrock sieht, offenbart der Streifen bei genauerem Hinsehen die totale Überforderung einer Band, die von ihrem eigenen Mythos verschlungen wurde. Es ist kein Zufall, dass die Aufnahmen aus dem Madison Square Garden von 1973 stammen, einem Jahr, in dem der Größenwahn der Gruppe bereits die Grenzen der musikalischen Disziplin sprengte. Die landläufige Meinung, es handele sich hierbei um die ultimative Performance, ignoriert die technischen Mängel und die fast schon tragische Orientierungslosigkeit, die in manchen Passagen durch die glitzernde Oberfläche bricht.
Die Wahrheit hinter der Maske von The Song Remains The Same Film
Die Produktion war von Anfang an ein chaotisches Unterfangen, das weit von einer kontrollierten Regiearbeit entfernt lag. Joe Massot, der ursprüngliche Regisseur, wurde mitten im Prozess gefeuert, weil er es wagte, den Musikern eine Struktur aufzuerlegen, der sie sich nicht mehr unterordnen wollten. Peter Grant, der bullige Manager, übernahm faktisch die Kontrolle und schuf ein Werk, das mehr über Machtansprüche und Einschüchterung aussagt als über die Kunst des Bluesrock. Wenn man Peter Clifton, den Nachfolger am Regiestuhl, heute analysiert, wird klar, dass er versuchte, aus den Trümmern einer völlig zerfahrenen Tournee eine Erzählung zu basteln. Das Problem dabei war nur, dass die Bandmitglieder während der Nachdrehs in den Shepperton Studios – die notwendig waren, weil Massot nicht genug brauchbares Material geliefert hatte – körperlich bereits ganz anders aussah als auf der Bühne in New York. John Paul Jones trug eine offensichtliche Perücke, um die Kontinuität zu wahren, was dem Ganzen eine Note von Absurdität verleiht, die den heroischen Anspruch der Bilder konterkariert. Für eine andere Betrachtung, schauen Sie sich an: diesen verwandten Artikel.
Das Missverständnis der Traumsequenzen
Skeptiker werfen oft ein, dass die eingestreuten Fantasy-Szenen – Jimmy Page als Eremit, Robert Plant als walisischer Ritter – peinlicher Kitsch seien, der vom Wesentlichen ablenkt. Ich behaupte das Gegenteil. Diese Szenen sind das wertvollste Element der gesamten Produktion, weil sie die totale Entkoppelung der Musiker von der Realität zeigen. Es ist nicht die Musik, die hier im Fokus steht, sondern die psychologische Verfassung von vier Männern, die sich für Götter hielten. Wenn Page mit einem leuchtenden Schwert einen Berg erklimmt, sehen wir keinen Gitarristen, sondern einen Mann, der in seiner eigenen okkulten Symbolik gefangen ist. Diese Sequenzen entlarven den Narzissmus der Ära auf eine Weise, die kein Interview jemals leisten könnte. Man kann es als Kitsch abtun, aber damit verpasst man die Chance zu verstehen, wie sehr der Erfolg das Selbstbild dieser Künstler verzerrt hatte. Es ist die visuelle Entsprechung einer Überdosis Ego.
Ein technisches Desaster als ästhetischer Triumph
Es gibt Stimmen, die behaupten, die Tonqualität und die Synchronisation seien schlampig ausgeführt worden. Das mag technisch gesehen stimmen, doch genau hier liegt die Stärke dieser Aufnahmen. In einer Welt, in der moderne Live-Alben und Filme bis zur Unkenntlichkeit im Studio poliert werden, bietet dieses Werk eine fast schon brutale Ehrlichkeit. Man hört die Fehler. Man hört, wie Jimmy Pages Finger manchmal über die Saiten rutschen, weil er in jener Nacht vielleicht nicht in der besten Verfassung war. Man hört das bisweilen schleppende Tempo eines John Bonham, der gegen seine eigenen Dämonen anspielte. Diese Unvollkommenheit ist es, die das Erlebnis menschlich macht. Es ist kein klinisches Produkt, sondern ein Dokument des Kampfes gegen die eigenen Limitierungen. Wer Perfektion sucht, sollte sich ein aktuelles Popkonzert ansehen, bei dem alles vom Band kommt. Wer aber den Schweiß und die Verzweiflung des Rock 'n' Roll spüren will, kommt an diesem chaotischen Schnittwerk nicht vorbei. Ergänzende Analysen zu diesem Thema wurden von Kino.de veröffentlicht.
Die Kritik der damaligen Zeit war vernichtend. Die Presse schimpfte über die Selbstgefälligkeit der Band und die Überlänge der Stücke. Doch was die Kritiker nicht begriffen, war die Funktion dieser Redundanz. Ein Song wie Dazed and Confused, der sich über eine gefühlte Ewigkeit erstreckt, ist keine bloße Demonstration von Können. Es ist eine Prüfung der Ausdauer für das Publikum und die Musiker gleichermaßen. Es geht um Trance, um das Überschreiten einer Grenze, hinter der die Musik aufhört, Unterhaltung zu sein, und zu einer rituellen Erfahrung wird. In diesem Sinne ist die Kritik an der Länge des Films eigentlich ein Kompliment für seine Radikalität. Er verweigert sich den Sehgewohnheiten des Massenpublikums und fordert eine Hingabe, die heute kaum noch jemand bereit ist aufzubringen. Man muss sich auf den Wahnsinn einlassen, sonst bleibt man nur an der Oberfläche der Kritik hängen.
Die kulturelle Last der Legende
Man darf nicht vergessen, dass Led Zeppelin zu diesem Zeitpunkt die größte Band der Welt war. Die Rolling Stones wirkten dagegen fast schon brav, und die Beatles waren längst Geschichte. Dieser Status brachte einen Druck mit sich, der in jeder Einstellung spürbar ist. Wenn man sieht, wie Peter Grant am Flughafen von Newark einen Beamten zusammenstaucht, wird die dunkle Seite des Musikgeschäfts unverblümt gezeigt. Es gibt keine PR-Agenten, die das Bild glätten. Es ist die pure, ungefilterte Arroganz der Macht. Das macht den Film zu einem soziologischen Zeitzeugnis. Er zeigt das Ende der Hippie-Ära und den Übergang in den kalten, harten Kommerz der späten Siebziger. Die Unschuld von Woodstock ist hier längst verflogen. Was bleibt, ist eine gigantische Geldmaschine, die mit hoher Geschwindigkeit auf einen Abgrund zurast.
Interessanterweise hat die Band selbst das Projekt jahrelang eher stiefmütterlich behandelt. Robert Plant äußerte sich oft distanziert und nannte das Ganze eine Last aus der Vergangenheit. Doch genau diese Ambivalenz der Schöpfer gegenüber ihrem Werk steigert dessen Wert für uns Zuschauer. Es ist kein sorgfältig kuratiertes Vermächtnis, sondern ein Unfall, der auf Film festgehalten wurde. In der heutigen Zeit, in der jeder Künstler seine Marke bis ins kleinste Detail kontrolliert, wirkt ein solches Maß an Unkontrolliertheit fast schon revolutionär. Man sieht Menschen, die die Kontrolle verloren haben, und genau das ist es, was wir am Rock 'n' Roll eigentlich lieben. Wir wollen nicht die Ordnung, wir wollen das kontrollierte Chaos, und genau das liefert uns dieser Streifen in einer Intensität, die ihresgleichen sucht.
Oft wird argumentiert, dass spätere Veröffentlichungen wie die DVD-Sets von 2003 die Musik besser repräsentieren, weil sie technisch versierter zusammengestellt wurden. Das ist ein Trugschluss. Die späteren Veröffentlichungen sind Retuschen. Sie versuchen, das Bild einer perfekten Band zu zeichnen, die immer alles im Griff hatte. Aber Led Zeppelin hatte eben nicht immer alles im Griff. Die Magie bestand aus dem Risiko des Scheiterns. Wenn man den Film heute sieht, erkennt man, dass die Band auf Messers Schneide tanzte. Das ist der Grund, warum junge Musiker auch heute noch davon fasziniert sind. Es ist die Gefahr, die aus den Lautsprechern dröhnt, nicht die Sicherheit einer perfekt abgemischten Tonspur.
The Song Remains The Same Film ist also weit mehr als ein Konzertmitschnitt mit ein paar Fantasy-Szenen. Es ist das Porträt einer Ära, die sich selbst überlebt hatte, noch bevor sie zu Ende war. Wer nur die Musik hört, verpasst die Hälfte der Geschichte. Man muss den Verfall sehen, um die Größe der Kunst wirklich würdigen zu können. Die Band kämpfte an jenem Abend im Madison Square Garden nicht nur gegen die Hitze und die Technik, sondern gegen ihre eigene Unsterblichkeit. Und genau in diesem Scheitern an ihrem eigenen Anspruch liegt die wahre, ungeschminkte Schönheit dieses Werks, das uns bis heute daran erinnert, dass Rock 'n' Roll immer dann am stärksten ist, wenn er kurz davor steht, in tausend Stücke zu zerbrechen.
Wer diesen Film als bloßes Relikt der siebziger Jahre abtut, verkennt seine zeitlose Relevanz als Mahnmal gegen die künstlerische Selbstgefälligkeit und als Beweis dafür, dass echte Größe nur dort entstehen kann, wo man bereit ist, sich vor den Augen der Welt lächerlich zu machen.
