In der feuchten Hitze eines Berliner Sommers im Jahr 1987 drängte sich die Menge im Loft am Nollendorfplatz. Der Geruch von Haarspray, Nelkenzigaretten und billigem Rotwein hing wie ein schwerer Vorhang im Raum. Auf der Bühne stand eine Frau, deren bloße Präsenz die Luft zu elektrisieren schien: schwarzes, zerzaustes Haar, Augen, die wie dunkle Schlote aus einem blassen Gesicht ragten, und eine Stimme, die irgendwo zwischen Grabesruhe und scharfkantigem Trotz schwankte. Siouxsie Sioux griff zum Mikrofon, während Budgies Schlagzeugspiel ein Tempo vorgab, das an das Rattern eines Zuges erinnerte, der unaufhaltsam durch die Nacht pflügt. Als die ersten Töne erklangen, verwandelte sich die bekannte Melodie von Iggy Pop in etwas völlig Neues, etwas Unerwartetes. In diesem Moment wurde Siouxsie And The Banshees The Passenger zu mehr als nur einem Cover; es wurde zu einer Hymne für jene, die sich in der Anonymität der Großstadt verloren hatten und genau darin ihre Freiheit fanden.
Die Geschichte dieses Liedes beginnt jedoch weit vor jenem Berliner Abend, in einer Zeit, in der die Musikwelt noch mit den Trümmern des Punk beschäftigt war. Während die Sex Pistols lautstark implodierten, suchten andere nach einer Sprache, die über den bloßen Zorn hinausging. Susan Janet Ballion, die sich bald Siouxsie nannte, war eine jener Suchenden. Sie sah die Welt nicht als einen Ort, der repariert werden musste, sondern als eine Leinwand für das Makabre, das Schöne und das Unheimliche. Gemeinsam mit Steven Severin schuf sie eine Klangästhetik, die später als Gothic Rock bezeichnet werden sollte, obwohl sie selbst diesen Begriff oft ablehnten. Für sie war Musik eine Form der Exorzismus-Therapie, eine Möglichkeit, die Geister der Vorstädte zu vertreiben, in denen sie aufgewachsen waren. Für eine weitere Betrachtung, lesen Sie: diesen verwandten Artikel.
Man muss sich das London der späten siebziger Jahre vorstellen, eine Stadt, die von Streiks gelähmt und von wirtschaftlicher Depression gezeichnet war. In den Kellern von Soho und den besetzten Häusern von Bromley entstand eine Ästhetik, die das Hässliche zelebrierte. Doch während viele ihrer Zeitgenossen im Drei-Akkord-Schema feststeckten, verlangten die Banshees nach Textur. Sie wollten, dass ihre Gitarren wie klirrendes Glas klangen und der Bass wie ein Herzschlag in der Dunkelheit pulsierte. Diese klangliche Härte war kein Zufall, sondern das Ergebnis einer bewussten Abkehr von der Blues-Tradition, die den Rock’n’Roll bis dahin dominiert hatte.
Als die Band beschloss, ein Album mit Coverversionen aufzunehmen, das 1987 unter dem Titel Through the Looking Glass erschien, war die Skepsis groß. Cover-Alben gelten oft als Zeichen kreativer Erschöpfung, als ein Griff ins Regal der Klassiker, wenn die eigenen Ideen versiegen. Doch für die Banshees war es ein radikaler Akt der Aneignung. Sie suchten sich Lieder aus, die sie geformt hatten, und sezierten sie, bis nur noch das Skelett übrig blieb, um es dann neu einzukleiden. Der Song von Iggy Pop war dabei die riskanteste Wahl. Das Original war bereits perfekt in seiner räudigen, nächtlichen Melancholie, geprägt von David Bowies Produktion und jener unverwechselbaren Mischung aus Müdigkeit und Neugier. Zusätzliche Einblicke in dieser Sache wurden von Kino.de veröffentlicht.
Die Neuerfindung von Siouxsie And The Banshees The Passenger
In den Trident Studios in London arbeiteten sie an der Dekonstruktion. Der entscheidende Kniff der Banshees war die Einführung von Bläsern. Wo Iggy Pops Version auf einer stoischen Gitarrenlinie basierte, die wie ein sturer Fußmarsch wirkte, fügten Siouxsie und ihre Mitstreiter eine fast schon triumphale, aber dennoch seltsam entrückte Blechbläser-Sektion hinzu. Es war, als würde man einen schwarz-weißen Film plötzlich in Technicolor sehen, aber in einem Technicolor, das ein wenig zu gesättigt war, ein wenig zu hell, um gesund zu sein. Diese Bläser gaben dem Song eine Vorwärtsbewegung, die an die Zirkusmusik eines Fiebertraums erinnerte.
Siouxsie selbst sang den Text nicht wie eine Beobachterin, sondern wie die Verkörperung der Nacht selbst. Ihre Stimme besaß eine Kühle, die den Hörer auf Distanz hielt, während sie ihn gleichzeitig tiefer in die Szenerie hineinzog. Wenn sie von den gläsernen Himmeln und den Sternen sprach, die aus dem Nichts auftauchten, klang das nicht nach romantischer Schwärmerei. Es klang nach der nüchternen Erkenntnis jemanden, der zu viel gesehen hat und dennoch nicht wegschauen kann. Das war die Essenz der Banshees: die Schönheit im Zerfall zu finden, ohne sie zu romantisieren.
In Deutschland fand diese Interpretation einen besonderen Widerhall. Die Mauer stand noch, und West-Berlin war ein Magnet für Außenseiter, Künstler und Musiker aus aller Welt. Die Stadt war selbst ein Passagier, isoliert und doch in ständiger Bewegung, ein Ort, an dem die Nächte kein Ende zu haben schienen. Iggy Pop und David Bowie hatten ihre Zeit in den Hansa Studios verbracht und den Geist der Stadt in Alben wie Lust for Life und Low eingefangen. Dass eine britische Band diesen Geist nun zurück nach Berlin brachte und ihn mit einer Schicht aus Post-Punk-Glamour überzog, fühlte sich wie ein Kreis an, der sich schloss.
Die Wirkung des Liedes beschränkte sich nicht nur auf die Tanzflächen der Independent-Clubs. Es sickerte in das kollektive Bewusstsein einer Generation ein, die sich zwischen den Ideologien des Kalten Krieges verloren fühlte. In einer Zeit, in der die Zukunft oft wie ein drohender Schatten wirkte, bot die Musik einen Rückzugsort, der nicht aus Realitätsflucht bestand, sondern aus der mutigen Annahme der Gegenwart. Man war ein Passagier, ja, man hatte vielleicht keine Kontrolle über das Ziel der Reise, aber man konnte entscheiden, wie man aus dem Fenster blickte.
Musikwissenschaftler haben oft versucht, den Erfolg dieser speziellen Version zu analysieren. Sie sprechen von der harmonischen Verschiebung, von der rhythmischen Präzision und von der Tatsache, dass Siouxsie die einzige Frau war, die es wagte, diese maskulin besetzte Hymne der Straße für sich zu beanspruchen. Doch solche Analysen greifen oft zu kurz. Sie übersehen die emotionale Schärfe, die entsteht, wenn eine Künstlerin ihre eigene Verletzlichkeit hinter einer Maske aus Stärke verbirgt. Siouxsie sang nicht über das Reisen; sie sang über das Sein.
In den achtziger Jahren war die visuelle Komponente ebenso wichtig wie der Klang. Das Musikvideo zeigt die Band in einem Wald, umgeben von Schatten und Lichtspielen, die an den deutschen Expressionismus der zwanziger Jahre erinnern. Siouxsie bewegt sich mit einer katzenhaften Anmut, die sowohl bedrohlich als auch anziehend wirkt. Es gibt keine Spezialeffekte, kein großes Budget, nur die Kraft der Inszenierung und die Ausstrahlung einer Frau, die wusste, dass sie keine Kompromisse eingehen musste, um gesehen zu werden. Dieses Video wurde auf Sendern wie Formel Eins in Deutschland rauf und runter gespielt und prägte das Bild einer ganzen Subkultur.
Die Bedeutung von Siouxsie And The Banshees The Passenger liegt auch in seiner Zeitlosigkeit. Während viele Produktionen aus dem Jahr 1987 heute durch den übermäßigen Einsatz von digitalen Hallgeräten und dünnen Synthesizern veraltet klingen, besitzt diese Aufnahme eine organische Wärme. Das Schlagzeug hat Punch, der Bass hat Tiefe, und die Bläser schneiden durch den Mix wie ein heißes Messer durch Butter. Es ist eine Produktion, die atmet. Sie wirkt nicht wie im Labor konstruiert, sondern wie im Proberaum geschwitzt.
Wenn man heute durch die Straßen von Berlin-Kreuzberg oder London-Camden geht, kann man immer noch junge Menschen sehen, die den Look von Siouxsie kopieren: das toupierte Haar, den schweren Kajal, die dunkle Kleidung. Es ist ein Stil, der über die Jahrzehnte hinweg Bestand hat, weil er auf einer tieferen Wahrheit basiert als bloße Modeerscheinungen. Es ist der Ausdruck eines Gefühls der Zugehörigkeit zu den Schatten. Und immer wieder hört man in den Bars jene markante Basslinie, gefolgt von den hellen Bläsern, die eine Welt ankündigen, in der alles möglich scheint, solange man sich traut, ein Passagier zu sein.
Die kulturelle Wirkung der Band lässt sich auch an den Künstlern ablesen, die sie später beeinflussten. Von Robert Smith von The Cure, der zeitweise selbst Gitarre bei den Banshees spielte, bis hin zu modernen Ikonen wie PJ Harvey oder den Savages – sie alle tragen ein Stück jener DNA in sich, die Siouxsie Ballion und Steven Severin kultiviert haben. Es war die Entdeckung, dass Popmusik intellektuell fordernd sein konnte, ohne ihren Sexappeal zu verlieren. Sie bewiesen, dass man gleichzeitig distanziert und leidenschaftlich sein kann.
Es gab Momente in der Karriere der Band, in denen alles auseinanderzubrechen drohte. Besetzungswechsel waren an der Tagesordnung, interne Spannungen führten oft zu kreativen Explosionen, aber auch zu tiefen Gräben. Doch in der Mitte dieses Sturms stand immer Siouxsie. Sie war der Anker und der Motor zugleich. Ihre Weigerung, sich den Erwartungen der Musikindustrie zu beugen, machte sie zu einer feministischen Ikone, lange bevor dieser Begriff in den Mainstream-Medien inflationär gebraucht wurde. Sie forderte ihren Platz ein, ohne um Erlaubnis zu fragen.
In einem Interview mit dem britischen Magazin NME reflektierte Steven Severin Jahre später über die Entstehung des Albums Through the Looking Glass. Er beschrieb es als eine Art Reinigungsprozess. Indem sie die Lieder ihrer Helden interpretierten, verstanden sie ihre eigenen Wurzeln besser. Sie erkannten, dass Originalität nicht bedeutet, etwas aus dem Nichts zu erschaffen, sondern das Bestehende durch den eigenen Filter zu ziehen, bis es unkenntlich wird und doch vertraut bleibt.
Diese philosophische Herangehensweise erklärt, warum ihre Version des Iggy-Pop-Klassikers so tief greift. Es ist kein einfacher Nachbau. Es ist eine Neuinterpretation der Einsamkeit. In der ursprünglichen Version klang der Passagier wie jemand, der aus der Welt gefallen ist und nun ziellos umherstreift. Bei den Banshees klingt er wie jemand, der die Ziellosigkeit zum Prinzip erhoben hat. Es ist eine Feier des Augenblicks, der Fahrt an sich, ungeachtet dessen, wo die Reise hinführt.
Wenn man sich die heutigen Streaming-Zahlen ansieht, stellt man fest, dass dieses Stück immer noch zu den meistgehörten Titeln der Band gehört. In einer Welt, die zunehmend von Algorithmen und perfekt glattgebügelten Pop-Produktionen dominiert wird, wirkt die rohe Energie der Banshees wie ein heilsamer Schock. Es erinnert uns daran, dass Musik wehtun muss, um zu heilen, und dass die größten Entdeckungen oft in den dunkelsten Ecken gemacht werden.
Vielleicht ist das die wichtigste Lektion, die uns diese Geschichte lehrt: Die Welt ist ein gläserner Palast, zerbrechlich und schön zugleich. Wir alle sitzen auf der Rückbank und beobachten, wie die Lichter der Stadt an uns vorbeiziehen. Wir sehen den Glanz in den Augen der Fremden, das Elend in den Hinterhöfen und die unendliche Weite des Himmels über den Autobahnen. Und solange es Musiker gibt, die den Mut haben, diesen Blick festzuhalten, werden wir uns in dieser Fahrt niemals ganz allein fühlen.
Der letzte Ton der Bläser verhallt in der Berliner Nacht, während die Menge im Loft langsam in die Dunkelheit hinaustritt, die Gesichter noch immer vom Adrenalin gezeichnet. Draußen wartet die U-Bahn, die sie nach Hause bringen wird, ein mechanisches Ungetüm, das durch die Tunnel schleicht. In ihren Köpfen hallt der Rhythmus nach, ein Echo, das bleibt, wenn das Licht längst erloschen ist. Man steigt ein, setzt sich ans Fenster und sieht zu, wie das eigene Spiegelbild mit den Lichtern der Tunnelwände verschmilzt.
Die Reise geht weiter, immer weiter, bis zum Morgen.
