Das Licht im Kinosaal war noch nicht ganz erloschen, als das Rascheln von Seidenpapier und das Klirren von Eiswürfeln in Glasbechern eine Erwartungshaltung untermauerte, die fast greifbar im Raum schwebte. Es war das Jahr 2010, und in den klimatisierten Kinosälen von Berlin bis New York versammelten sich Frauen in Gruppen, die sich wie eine eingeschworene Gemeinschaft fühlten, bereit, ihre alten Freundinnen wiederzusehen. Auf der Leinwand entfaltete sich eine Welt, die bereits damals aus der Zeit gefallen schien: Carrie Bradshaw, die in einem weißen Kleid von Halston Heritage über die Fifth Avenue schwebte, als gäbe es keine Immobilienkrise, keine globale Unsicherheit und vor allem kein Altern. Doch als die Handlung die vertrauten Schluchten von Manhattan verließ und die Protagonistinnen in die gleißende Hitze von Abu Dhabi versetzte, begannen die Risse in der glitzernden Fassade sichtbar zu werden. Der Sex In The City 2 Film markierte einen Moment in der Popkultur, an dem der reine Eskapismus zum ersten Mal auf den harten Widerstand einer sich verändernden Welt traf.
Es war eine Zeit des Umbruchs. Während die Zuschauerinnen im Dunkeln saßen, kämpfte die Weltwirtschaft noch immer mit den Nachbeben des Zusammenbruchs von Lehman Brothers zwei Jahre zuvor. In diesem Kontext wirkte die schiere Opulenz, die Regisseur Michael Patrick King auf die Leinwand bannte, beinahe wie ein Akt der Provokation. Die vier Frauen, die einst das Ideal der unabhängigen, arbeitenden Single-Frau definiert hatten, waren nun Ehefrauen und Mütter, die vor ihrem eigenen Alltag in einen Luxus flohen, der selbst für Multimillionäre surreal anmutete. Man sah sie in Privatjets, die eher an fliegende Paläste erinnerten, und in Suiten, deren Übernachtungspreise das Jahreseinkommen einer Durchschnittsfamilie überstiegen. Diese Distanzierung von der Realität war kein Zufall, sondern eine bewusste Entscheidung, die jedoch die tiefere Verbindung zum Publikum zu kappen drohte.
Die Geschichte dieser Fortsetzung ist im Kern eine Geschichte über das Festhalten an einer Jugend, die längst im Rückspiegel verschwunden ist. Carrie kämpft mit der „Ehe-Müdigkeit“, Miranda mit einem chauvinistischen Chef, Charlotte mit der Überforderung durch ihre Kinder und Samantha mit den hormonellen Gezeiten der Menopause. Es sind zutiefst menschliche Themen, die jedoch unter Bergen von Designerkleidern und dem Sand der Wüste begraben wurden. Wenn Charlotte in einem sündhaft teuren weißen Vintage-Kleid von Valentino Teig knetet und weint, weil ihre Tochter rote Handabdrücke darauf hinterlässt, wird die Tragikomik des privilegierten Leids auf die Spitze getrieben. Es ist ein Bild, das haften bleibt, weil es die Absurdität einer Lebensführung zeigt, die keinen Platz mehr für die Unordnung des echten Lebens lässt.
Der Sex In The City 2 Film und die kulturelle Entfremdung
Die Verlagerung des Geschehens in den Nahen Osten wurde zum zentralen Streitpunkt der damaligen Kritik und bleibt bis heute ein faszinierendes Studienobjekt für die Wahrnehmung westlicher Dekadenz. In einer Szene, die als symptomatisch für das gesamte Werk gelten kann, stehen die vier Frauen in ihren farbenfrohen Couture-Roben auf einem Basar und werden von einheimischen Frauen in schwarzen Abayas beobachtet. Es entsteht ein Moment der vermeintlichen Solidarität, als die einheimischen Frauen unter ihren traditionellen Gewändern ebenfalls westliche Luxusmode enthüllen. Doch diese Geste der Verbundenheit wirkte auf viele Beobachter oberflächlich und ignorierte die komplexen gesellschaftlichen Realitäten der Region. Es war, als ob der Film versuchte, den Feminismus in eine reine Konsumhandlung umzudeuten: Freiheit bedeutet hier die Freiheit, die gleichen Marken zu tragen.
Wissenschaftler wie die Soziologin Eva Illouz haben oft darüber geschrieben, wie der Kapitalismus unsere Emotionen und Beziehungen formt. In diesem zweiten großen Leinwandabenteuer der New Yorker Clique wird dieser Prozess bis an sein logisches Ende geführt. Die Freundschaft, das eigentliche Herzstück der Serie, wird hier zum Accessoire einer globalen Pauschalreise. Die Gespräche, die einst in verrauchten Diners oder beim hastigen Mittagessen in Manhattan über die Komplexität des modernen Datings geführt wurden, finden nun am Pool eines Luxusresorts statt, flankiert von Dienern, die jeden Wunsch von den Augen ablesen. Die Schärfe des Skripts, die in den frühen Staffeln der Fernsehserie so brillant war, wich einer Art grellen Slapstick-Humors.
Die Sehnsucht nach dem Alten New York
Inmitten dieser Überfülle an Reizen gab es jedoch Momente der Stille, die das eigentliche Drama offenbarten. Wenn Carrie in der leeren Wohnung ihres Mannes steht und merkt, dass das „Glücklich bis ans Ende“ nicht bedeutet, dass man jeden Abend gemeinsam auf Partys geht, sondern dass man manchmal einfach nur nebeneinander auf dem Sofa sitzt und fernsieht, blitzt die alte Qualität auf. Es ist die Angst vor der Stagnation, die Angst, dass die große Liebe im Alltagstrott erstickt. Diese Angst ist realer als jede Birkin Bag. Sie ist der Grund, warum die Menschen trotz der vernichtenden Kritiken in die Kinos strömten. Sie wollten wissen, wie man die Leidenschaft rettet, wenn die erste Euphorie verflogen ist.
Die Produktion selbst war ein logistisches Monster. Da die Behörden in den Vereinigten Arabischen Emiraten keine Drehgenehmigung erteilten – vermutlich aufgrund des expliziten Titels und der Themen –, musste Marokko als Double herhalten. Wochenlang drehte die Crew in der brennenden Hitze der Sahara, was die Schauspielerinnen an ihre physischen Grenzen brachte. Sarah Jessica Parker erinnerte sich später in Interviews an die Erschöpfung und die Isolation während der Dreharbeiten. Diese Anstrengung sieht man dem fertigen Produkt nicht an; alles wirkt glatt, poliert und mühelos. Doch vielleicht ist genau diese Mühelosigkeit das Problem. Ein Leben ohne Widerstand, ohne echte Konflikte, fühlt sich für den Betrachter seltsam hohl an.
Man kann das Werk nicht betrachten, ohne über das Vermächtnis der vier Frauen zu sprechen. Sie hatten eine ganze Generation von Frauen geprägt, die zum ersten Mal sahen, dass ein Leben ohne Ehemann nicht nur möglich, sondern erstrebenswert sein konnte. Dass man über Sex sprechen durfte, ohne Scham, und dass die Karriere ebenso wichtig sein konnte wie die Romantik. In der Fortsetzung von 2010 schien diese revolutionäre Energie jedoch verbraucht. Die Frauen wirkten weniger wie Vorreiterinnen als vielmehr wie Relikte einer Ära des ungezügelten Konsums, die gerade dabei war, zu Ende zu gehen. Es war der Schwanengesang des „Gilded Age“ der frühen 2000er Jahre.
Ein weiterer Aspekt, der den Film heute so faszinierend macht, ist die Darstellung von Samanthas Kampf gegen das Altern. Kim Cattrall spielt die Rolle mit einer Mischung aus Verzweiflung und Trotz, die fast schmerzhaft anzusehen ist. Ihr Koffer voller Hormonpillen, der am Flughafen konfisziert wird, steht symbolisch für den Versuch, die Zeit mit chemischen Mitteln anzuhalten. Es ist eine der ehrlichsten Handlungsstränge des Films, auch wenn er oft ins Lächerliche gezogen wird. Hier zeigt sich die Grausamkeit einer Gesellschaft, die Frauen nur so lange wertschätzt, wie sie jung und begehrenswert sind. Samantha weigert sich, unsichtbar zu werden, und ihr lautstarker Protest in der Wüste ist ein Schrei gegen das Vergessenwerden.
Der finanzielle Erfolg war dennoch enorm. Mit einem Budget von etwa 100 Millionen Dollar spielte das Werk weltweit fast 300 Millionen Dollar ein. Das Publikum war bereit, über die erzählerischen Schwächen hinwegzusehen, um noch einmal in diese Traumwelt einzutauchen. Es war eine Art Abschiedsparty, eine letzte große Sause, bevor die Realität in Form von Streaming-Diensten, politischer Korrektheit und einer ernsteren Tonalität in der Unterhaltungsbranche Einzug hielt. Man wollte nicht belehrt werden; man wollte die Farben sehen, die Musik hören und für zwei Stunden vergessen, dass das eigene Leben komplizierter war als die Wahl des richtigen Schuhwerks.
Die Kritik war gnadenlos. Von „imperialistischem Unsinn“ bis hin zu „einem Verrat an den Charakteren“ reichten die Urteile. Doch Kritiker bewerten oft die künstlerische Integrität, während das Publikum nach einer emotionalen Erfahrung sucht. Für viele war das Wiedersehen mit Carrie, Miranda, Charlotte und Samantha wie ein Besuch bei alten Verwandten. Man mag ihre Marotten nicht mehr ertragen, man mag ihre Lebensentscheidungen kritisieren, aber man fühlt sich ihnen dennoch verbunden. Diese emotionale Bindung ist das eigentliche Kapital des Franchise, und sie ist auch der Grund, warum die Diskussionen über diesen spezifischen Teil der Saga nie ganz verstummten.
Wenn man heute auf diese Produktion zurückblickt, erkennt man in ihr auch den Vorboten einer kulturellen Spaltung. Auf der einen Seite steht das Bedürfnis nach Repräsentation, Authentizität und sozialem Bewusstsein, auf der anderen die Sehnsucht nach purer Fantasie und dem unerreichbaren Luxus. Die Fortsetzung versuchte beides zu bedienen und scheiterte an diesem Spagat. Aber in diesem Scheitern liegt eine eigene, traurige Schönheit. Es ist das Dokument einer Zeit, in der wir glaubten, dass wir alles haben könnten – die große Liebe, die perfekte Karriere und die unendliche Jugend –, ohne jemals einen Preis dafür zahlen zu müssen.
Die Szenen im Sex In The City 2 Film, in denen die vier Freundinnen am Lagerfeuer in der Wüste sitzen und gemeinsam ein Lied singen, wirken heute fast wie eine Geistererscheinung. Es ist ein Moment der künstlichen Intimität, inszeniert unter dem Sternenhimmel Marokkos, der eigentlich Abu Dhabi sein soll. In diesem Augenblick wird klar, dass die Stadt, die der Serie ihren Namen gab, nicht nur ein Ort ist, sondern ein Versprechen. Ein Versprechen von Freiheit und Möglichkeiten, das in der staubigen Hitze der Wüste langsam zu flimmern beginnt. New York war weit weg, und mit ihm die Bodenhaftung, die diese Frauen einst so nahbar gemacht hatte.
Was bleibt, ist die Erinnerung an ein kulturelles Phänomen, das an seine eigenen Grenzen stieß. Man kann die Oberflächlichkeit verdammen, man kann die politische Tapsigkeit kritisieren, aber man kann nicht leugnen, dass diese Charaktere einen Platz im kollektiven Gedächtnis besetzen. Sie waren die Begleiterinnen durch die Nächte vieler Menschen, die nach Orientierung suchten. Dass sie am Ende in einem Meer aus Luxus und Sand landeten, mag eine Ironie des Schicksals sein, aber es schmälert nicht die Bedeutung, die sie einst hatten. Die Reise war vielleicht zu lang, das Ziel zu exotisch, aber die Freundschaft blieb das einzige, was in diesem Sturm der Eitelkeiten Bestand hatte.
Am Ende des Tages ist Kino immer auch ein Spiegel seiner Zeit. Die grellen Farben und die überdrehte Handlung der Wüstenreise erzählen uns heute mehr über das Jahr 2010, als es ein Geschichtsbuch je könnte. Es war das letzte Hurra einer Welt, die glaubte, dass Glitzer alle Probleme lösen könnte. Als die vier Frauen schließlich wieder auf dem Flughafen von New York landen, wirkt die kühle Luft der Heimat fast wie eine Erlösung. Sie kehren zurück in ihre Realität, in ihre Wohnungen und zu ihren Liebsten, und wir, die Zuschauer, kehren mit ihnen zurück, ein wenig geblendet vom Licht, ein wenig erschöpft von der Reise, aber mit dem Wissen, dass kein Luxus der Welt das Gefühl ersetzen kann, endlich wieder zu Hause zu sein.
Der Vorhang fällt, die Lichter gehen an, und die Frauen im Kino raffen ihre Taschen zusammen. Draußen wartet die echte Welt, mit ihren grauen Straßen und ihren ungeklärten Fragen. Man geht hinaus in die Nacht, und für einen kurzen Moment fühlt sich der Asphalt der Friedrichstraße oder des Broadway unter den Füßen ein bisschen fester an, ein wenig realer. Die Fantasie ist vorbei, aber das Echo der Lacher und die schiere Dreistigkeit des Gezeigten hallen noch nach. Es war ein Spektakel, das man nicht lieben musste, um es nie wieder zu vergessen.
Als Carrie in der letzten Szene durch ihre vertraute Wohnung geht und die Fenster öffnet, hört man den Lärm der Stadt, den hupenden Verkehr und das ferne Sirenengeheul. Es ist kein schöner Klang, aber es ist der Klang der Wirklichkeit. Sie setzt sich an ihren Schreibtisch, klappt ihren Laptop auf und fängt an zu schreiben. Das ist der Moment, in dem die Geschichte ihren Frieden findet. Nicht in der Wüste, nicht im Luxusjet, sondern an dem Ort, an dem alles begann: allein mit den eigenen Gedanken und der unendlichen Stadt vor dem Fenster.
Die letzte Note verhallt leise im Rauschen der Klimaanlage, während die ersten Regentropfen gegen die Scheibe schlagen.
