In der deutschen Fernsehlandschaft herrschte lange Zeit ein fast schon religiöser Glaube an das Konzept der Lokalisierung. Man nahm ein erfolgreiches Format aus dem Ausland, stülpte ihm ein Berliner Hipster-Gewand über und hoffte, dass der Glanz des Originals irgendwie an der Spree hängen bleibt. Als die Produktion Serie Call My Agent Berlin angekündigt wurde, war die Erwartungshaltung bei Kritikern und Brancheninsidern entsprechend hoch, denn das französische Original gilt als Goldstandard der modernen Workplace-Comedy. Doch wer glaubt, dass eine exakte Kopie eines Geniestreichs automatisch zu einem Qualitätssprung im eigenen Land führt, übersieht eine fundamentale Wahrheit über das Erzählen von Geschichten. Die deutsche Adaption offenbarte nicht etwa einen Mangel an Talent, sondern ein tiefgreifendes strukturelles Problem in der Art und Weise, wie wir hierzulande über Prominenz, Macht und Humor nachdenken. Es ist ein Missverständnis zu glauben, dass man den französischen Esprit einfach in die deutsche Hauptstadt verpflanzen kann, ohne dabei die Seele der Erzählung zu verlieren.
Die Arroganz der eins-zu-eins Kopie
Wer das Pariser Original kennt, weiß um die feine Klinge, mit der dort die Eitelkeiten der Stars seziert werden. Es geht um eine spezifische Form der kulturellen Selbstironie, die tief in der französischen DNA verwurzelt ist. In Deutschland hingegen neigen wir dazu, entweder zu klamaukig oder zu bierernst zu sein. Das Projekt Serie Call My Agent Berlin stolperte genau über diese Hürde. Es versuchte, die Eleganz von Paris mit der Ruppigkeit von Berlin-Mitte zu kreuzen, was letztlich zu einer merkwürdigen Blutleere führte. Wenn man sich die Mechanismen der deutschen Filmförderung und die Hierarchien an hiesigen Sets ansieht, wird schnell klar, warum dieser Transfer so schwerfällt. In Frankreich ist das Kino ein Heiligtum, in Deutschland ist es oft ein verwalteter Staatsbetrieb. Das spiegelt sich in den Drehbüchern wider. Die Leichtigkeit, mit der Agenten im Original lügen, betrügen und doch aus purer Liebe zur Kunst handeln, wirkte in der deutschen Version oft wie eine Pflichtübung. Ich habe oft beobachtet, wie deutsche Produktionen an ihrem eigenen Anspruch scheitern, international zu wirken, während sie gleichzeitig ihre lokalen Wurzeln verleugnen. Es ist fast so, als schäme man sich für die eigene Provinzialität, nur um dann eine sterile Welt zu erschaffen, die nirgendwo wirklich existiert.
Das Problem mit dem deutschen Starkult
Ein wesentlicher Grund für das Knirschen im Getriebe liegt in der Natur unseres Starkults. In Paris ist ein Filmstar eine Ikone, die man gleichermaßen verehrt und verspottet. In Berlin ist ein Star oft jemand, den man aus dem Tatort kennt und der sich vor allem durch Bodenständigkeit definiert. Diese Bodenständigkeit ist jedoch der natürliche Feind einer Serie, die von Extravaganz und absurden Forderungen lebt. Wenn ein deutscher Schauspieler sich selbst spielt und dabei versucht, divenhaft zu wirken, wirkt das oft eher wie eine Parodie auf eine Parodie. Man spürt die Hemmungen. Man spürt das Bedürfnis, am Ende des Tages doch sympathisch rüberzukommen. Diese Angst vor der echten Fallhöhe macht die Reibungspunkte zunichte, die das Format eigentlich antreiben sollten. Es fehlt der Mut zur Hässlichkeit, zur echten moralischen Korruption, die das Original so menschlich machte. Stattdessen bekamen wir eine weichgespülte Variante, die niemanden wirklich wehtun wollte. Das ist kein Zufall, sondern System. Die deutsche Medienlandschaft ist klein. Man kennt sich, man trinkt zusammen Bier auf der Berlinale, man will die nächste Rolle nicht durch eine zu mutige Selbstdarstellung riskieren.
Warum Serie Call My Agent Berlin an der deutschen Realität vorbeischoss
Die Frage ist doch, ob Berlin überhaupt der richtige Ort für diese Art von Erzählung ist. Berlin ist nicht Paris. Berlin ist eine Stadt der Baustellen, der Gentrifizierung und einer gewissen gewollten Hässlichkeit. Die Agentur im Original war ein Labyrinth aus Glas und Geheimnissen im schicken ersten Arrondissement. In der deutschen Umsetzung wirkte das Setting oft wie eine Kulisse, die krampfhaft versucht, Weltstadtflair zu atmen, dabei aber die echte, dreckige Energie Berlins völlig ignoriert. Es ist bezeichnend, dass die Serie Call My Agent Berlin oft dann am schwächsten war, wenn sie versuchte, die Handlungsstränge des Originals fast identisch zu übernehmen. Ein deutsches Arbeitsrecht, eine deutsche Bürokratie und ein deutscher Umgang mit Erfolg lassen sich nicht einfach wegretuschieren. Man kann nicht so tun, als gäbe es keine Unterschiede in der Kommunikation. Während der Franzose im Konflikt die rhetorische Eskalation sucht, flüchtet sich der Deutsche oft in die passiv-aggressive Sachlichkeit. Diese Nuancen wurden in der Adaption gnadenlos plattgewalzt. Es war ein Versuch, eine fremde Identität überzustülpen, was in der Kunst fast immer zum Scheitern verurteilt ist. Ich behaupte sogar, dass das Publikum genau diese Unaufrichtigkeit gespürt hat. Zuschauer sind heute so geschult im Konsum internationaler High-End-Serien, dass sie eine Kopie sofort als solche entlarven, wenn sie keinen eigenen Mehrwert bietet.
Die verpasste Chance der kulturellen Eigenständigkeit
Hätte man sich getraut, das Konzept radikal zu entkernen und neu aufzubauen, wäre etwas Großartiges entstehen können. Man hätte die Absurditäten des deutschen Fördersystems thematisieren können. Man hätte den Wahnsinn der ewigen Krimi-Produktionen in Deutschland als zentrales Motiv nutzen können. Aber man entschied sich für den sicheren Weg des bewährten Formats. Dieser Sicherheitsgedanke ist das größte Hindernis für Innovation im deutschen Fernsehen. Wir kaufen Lizenzen, anstatt originäre Stoffe zu entwickeln, die aus unserer eigenen, komplizierten und manchmal frustrierenden Realität erwachsen. Die Produktionsfirma hinter der Adaption ist erfahren, keine Frage. Aber Erfahrung führt in diesem Fall oft zu einer Art vorauseilendem Gehorsam gegenüber dem Quotenbringer. Man wollte kein Risiko eingehen. Doch gerade in der Kunst ist die Abwesenheit von Risiko die Garantie für Mittelmäßigkeit. Man sieht das an der Bildsprache, die sauber und professionell ist, aber eben auch austauschbar. Es gibt keinen Dreck unter den Fingernägeln, keine echte Gefahr. Alles bleibt im Rahmen des öffentlich-rechtlich Erträglichen. Das ist schade, denn das Potenzial war da. Die Schauspieler in der ersten Reihe sind handwerklich exzellent, aber sie wirken in diesem starren Korsett einer fremden Erzählstruktur oft unterfordert oder deplatziert.
Die bittere Wahrheit über den deutschen Humor-Export
Es gibt dieses hartnäckige Vorurteil, Deutsche hätten keinen Humor. Das ist natürlich Unsinn. Wir haben nur einen sehr spezifischen Humor, der oft auf einer tiefen Skepsis gegenüber Autoritäten und einer gewissen Schadenfreude basiert. Das passt eigentlich perfekt zum Agentur-Milieu. Aber statt diesen speziellen deutschen Blickwinkel zu nutzen, versuchte man sich an einem kosmopolitischen Witz, der im Niemandsland zwischen London, Paris und Berlin stecken blieb. Ein Insider der Branche erzählte mir einmal, dass die größte Angst bei solchen Projekten darin besteht, die internationale Verwertbarkeit zu verlieren. Man produziert also für einen fiktiven Weltmarkt und vergisst dabei die Zuschauer vor der eigenen Haustür. Die bittere Wahrheit ist, dass wir oft erst dann gut sind, wenn wir aufhören, jemand anderes sein zu wollen. Serien wie Der Tatortreiniger oder auch neuere Experimente zeigen, dass es ein Publikum für eigenwillige, deutsche Stoffe gibt. Warum also diese Fixierung auf den Import? Es ist die Angst vor der eigenen Leere. Man traut den eigenen Autoren nicht zu, ein solches Universum selbst zu erschaffen. Man vertraut lieber auf ein Excel-Sheet, das belegt, dass Call My Agent weltweit funktioniert hat. Aber ein Excel-Sheet schreibt keine Pointen.
Die Rolle der Streaming-Giganten und Sendeanstalten
In diesem Zusammenhang muss man auch die Rolle der Geldgeber kritisch hinterfragen. Die Sendeanstalten stehen unter einem enormen Rechtfertigungsdruck. Jede Investition muss sitzen. Das führt dazu, dass man sich an Marken klammert, die bereits etabliert sind. Das ist kaufmännisch nachvollziehbar, aber künstlerisch ein Offenbarungseid. Wir befinden uns in einer Zeit, in der das Publikum global vernetzt ist. Jeder, der sich für die Welt der Schauspielagenten interessiert, hat vermutlich längst das Original auf Netflix gesehen. Warum sollte sich dieser Zuschauer eine deutsche Version ansehen, die zwar solide ist, aber nie die Brillanz des Vorbilds erreicht? Es ist ein logischer Fehler in der Strategie. Man kann nicht mit einer Kopie gegen ein Original gewinnen, das nur einen Klick entfernt ist. Das Ergebnis ist eine Art kulturelle Inzucht, bei der Formate so lange hin- und hergereicht werden, bis sie jeden Geschmack verloren haben. Die eigentliche Innovation findet woanders statt, in kleinen Nischen, mit geringen Budgets und ohne den Druck, eine Weltmarke sein zu müssen.
Der Lerneffekt für künftige Produktionen
Man könnte nun meinen, dass dieses Beispiel ein reiner Fehlschlag war. Doch ich sehe darin einen Wendepunkt. Das Scheitern oder zumindest das Ausbleiben des erwarteten Erdbebens durch solche Adaptionen zwingt die Branche zum Umdenken. Wir lernen gerade auf die harte Tour, dass kulturelle Identität nicht exportierbar ist wie eine Software. Eine Serie ist ein lebender Organismus, der in seinem spezifischen Boden wurzeln muss. Wenn wir in Zukunft international mitspielen wollen, müssen wir radikal lokal werden. Wir müssen Geschichten erzählen, die so nur in Deutschland passieren können, mit all der Sperrigkeit und Komplexität, die unser Land ausmacht. Das bedeutet auch, dass wir die Eitelkeiten unserer Stars wirklich angreifen müssen, anstatt sie nur sanft zu kitzeln. Wir brauchen Autoren, die keine Angst vor dem nächsten Branchen-Event haben, sondern die Wahrheit aussprechen, auch wenn sie wehtut. Erst wenn wir den Mut aufbringen, unsere eigenen Mythen zu demontieren, werden wir Erzählungen schaffen, die auch im Ausland auf echtes Interesse stoßen. Man will dort nicht sehen, wie wir die Franzosen imitieren. Man will sehen, wie wir mit unserem eigenen Wahnsinn ringen. Das ist die Lektion, die wir aus den letzten Jahren mitnehmen müssen. Die Zeit der glatten Oberflächen und der mutlosen Kopien neigt sich dem Ende zu, weil das Publikum eine feinere Antenne für Echtheit entwickelt hat.
Die deutsche Unterhaltungsindustrie steht an einer Gabelung, an der die Sicherheit der Lizenz gegen das Wagnis der Originalität getauscht werden muss, um nicht in der Bedeutungslosigkeit einer globalen Einheitsästhetik zu versinken.
