Es gibt einen weit verbreiteten Irrglauben in der Welt des Blockbuster-Kinos, der besagt, dass die Wiederbelebung einer sterbenden Marke durch die schiere physische Präsenz eines Superstars ein Geniestreich der Studiologik sei. Man nennt es den Franchise-Retter-Effekt. Als im Jahr 2013 The Rock GI Joe 2 in die Kinos kam, feierten Analysten das Einspielergebnis von über 375 Millionen Dollar weltweit als ultimativen Beweis für dieses Konzept. Doch wer genau hinsieht, erkennt in diesem Moment nicht den Triumph eines Schauspielers, sondern den Moment, in dem Hollywood die Seele der Erzählung endgültig gegen die Mechanik der Spielzeugwerbung eintauschte. Es war kein Neuanfang. Es war die Grundsteinlegung für ein Kino, das keine Charaktere mehr braucht, sondern nur noch ikonische Silhouetten, die vor Greenscreens posieren, während die Handlung im Schneideraum zu einem Brei aus Explosionen zermahlen wird.
Ich erinnere mich gut an die Stimmung vor dem Kinostart. Die Produktion war um fast ein Jahr verschoben worden, offiziell um eine nachträgliche 3D-Konvertierung vorzunehmen, inoffiziell, weil Testzuschauer entsetzt darüber waren, dass der einzige Sympathieträger des Vorgängerfilms innerhalb der ersten zehn Minuten das Zeitliche segnete. Die Macher gerieten in Panik. Sie brauchten mehr Szenen mit dem neuen Protagonisten, mehr Bromance-Momente, mehr von dem, was die Leute sehen wollten. Das Ergebnis ist ein filmisches Frankenstein-Monster. Man spürt in jeder Minute, wie die Geschichte gewaltsam umgebogen wurde, um einer Marketing-Checkliste zu entsprechen. Wir haben es hier mit einem Werk zu tun, das die Logik eines Videospiels besitzt, aber leider ohne die Interaktivität, die solche Lücken im Skript verzeihlich machen würde.
Die Illusion der Franchise-Rettung durch The Rock GI Joe 2
Die Geschichte wird oft so erzählt: Ein lahmes Sequel wird durch den Einstieg von Dwayne Johnson gerettet, der das Ruder herumreißt und die Massen mobilisiert. Das ist eine bequeme Erzählung für Branchenblätter, aber sie ignoriert die langfristigen Schäden an der Erzählkultur. Wenn man die Struktur dieses spezifischen Films betrachtet, sieht man eine totale Fragmentierung. Die Handlung ist nicht mehr als ein dünner Faden, der dazu dient, Schauplatzwechsel zu rechtfertigen. Von der Wüste in unterirdische Hochsicherheitsgefängnisse bis hin zu einem Gipfeltreffen der Weltmächte, das wie eine Parodie auf politische Thriller wirkt. Der Film behauptet, eine Fortsetzung zu sein, agiert aber wie ein Reboot, das seine eigene Vergangenheit hasst.
Kritiker könnten nun einwenden, dass ein Film über Plastikfiguren keine Shakespeare-Tiefe benötigt. Das ist das stärkste Argument der Verteidiger: Es ist Popcorn-Kino, es soll Spaß machen. Doch genau hier liegt der Hund begraben. Spaß bedeutet im Kino traditionell, dass man mit einer Figur mitfiebert, dass man eine Gefahr spürt. In dieser Fortsetzung ist jede Gefahr künstlich. Wenn die Ninja-Szenen im Himalaya beginnen, sehen wir zwar technisch beeindruckende Seilakrobatik, aber wir fühlen nichts. Die Physik wird nicht nur gebeugt, sie wird abgeschafft. Wenn nichts mehr Konsequenzen hat, wird Action zum Hintergrundrauschen. Ein Film, der nur aus Höhepunkten besteht, hat am Ende gar keine. Die Zuschauer wurden mit Schauwerten gefüttert, während man ihnen das nahrhafte Zentrum einer echten Geschichte vorenthielt.
Der Tod des Ensembles zugunsten des Einzelkämpfers
Ein wesentliches Merkmal der ursprünglichen Marke war das Teamgefüge. In der Comic-Vorlage und der Zeichentrickserie der achtziger Jahre ging es um Spezialisten, die nur gemeinsam gewinnen konnten. Die filmische Umsetzung hingegen bricht dieses Prinzip auf. Sie zentriert alles auf eine einzige Figur, was die Dynamik zerstört. Der Rest des Teams verkommt zu Statisten, die Stichworte liefern. Das ist ein Muster, das wir seither in fast jedem großen Studio-Projekt sehen. Die Stars sind mittlerweile wichtiger als die Marken, die sie eigentlich bewohnen sollen. Das führt zu einer seltsamen Leere. Wenn der Vorhang fällt, erinnert man sich an den Bizeps des Hauptdarstellers, aber man kann kaum den Namen der Figur nennen, die er gespielt hat.
Die Fachwelt blickt oft auf die nackten Zahlen der Paramount-Studios und sieht einen Erfolg. Immerhin übertraf das Ergebnis das Budget deutlich. Aber was ist der Preis für diesen kurzfristigen Gewinn? Die Marke liegt seither faktisch brach. Nachfolgende Versuche, die Reihe erneut zu beleben, scheiterten kläglich. Das liegt daran, dass The Rock GI Joe 2 die Welt, die sie aufbauen wollte, innerlich ausgehöhlt hat. Man kann ein Haus nicht stabilisieren, indem man einfach nur die Fassade neu streicht und einen prunkvollen Türsteher davorstellt, wenn das Fundament bereits weggebrochen ist. Das Publikum merkt das. Vielleicht nicht am ersten Wochenende, aber spätestens, wenn die Fortsetzung der Fortsetzung angekündigt wird und das Interesse gegen Null sinkt.
Warum das System der Blockbuster heute so funktioniert
Um zu verstehen, warum dieser Film so wurde, wie er ist, muss man in die Sitzungssäle der Produzenten schauen. Es herrscht dort eine fundamentale Angst vor dem Risiko. Ein bekannter Name ist eine Versicherungspolice. Die Logik besagt, dass ein durchschnittlicher Film mit einem Megastar profitabler ist als ein exzellenter Film ohne ein bekanntes Gesicht. Das ist der Grund, warum wir uns in einer Endlosschleife aus Sequels und Remakes befinden. Der kreative Prozess wird durch statistische Wahrscheinlichkeiten ersetzt. Man analysiert, welche Märkte welche Art von Action bevorzugen, und schneidet den Film entsprechend zu. Das ist kein Filmemachen mehr, das ist industrielles Produktdesign.
Die Konsequenz ist eine Nivellierung des Geschmacks. Filme müssen heute überall auf der Welt funktionieren, von Berlin bis Peking. Das führt dazu, dass Dialoge simpler werden und visuelle Reize dominieren, da diese keine Übersetzung benötigen. Die Nuancen gehen verloren. Was wir in dem hier besprochenen Werk sehen, ist die Perfektionierung dieser globalen Einheitsware. Es ist laut, es glänzt, und es hinterlässt keinen bleibenden Eindruck. Es ist die Fast-Food-Variante des Kinos: Man fühlt sich während des Konsums gesättigt, aber schon eine Stunde später hat man vergessen, was man eigentlich gegessen hat.
Das Erbe der Zerstörung
Man kann die Entwicklung des modernen Kinos nicht verstehen, ohne diesen Wendepunkt zu analysieren. Hier wurde das Prinzip der Austauschbarkeit zur Perfektion getrieben. Es spielt keine Rolle, wer unter der Maske steckt oder wer die Befehle gibt, solange die Schauwerte stimmen. Doch das Kino lebt von der Einzigartigkeit. Wenn wir uns an die großen Klassiker des Action-Genres erinnern, etwa die frühen Werke von James Cameron oder John McTiernan, dann erinnern wir uns an die Menschlichkeit in der Maschine. Wir erinnern uns an Schwächen, an Angst und an echte Schmerzen. In der heutigen Ära der digitalen Unverwundbarkeit ist dieser Aspekt fast vollständig verschwunden.
Wir haben uns daran gewöhnt, dass Helden aus Flugzeugen springen, ohne einen Kratzer abzubekommen. Wir akzeptieren, dass Panzer an Fallschirmen hängen und Ninjas an Bergwänden tanzen, als gäbe es keine Gravitation. Aber diese visuelle Freiheit hat ihren Preis. Wenn alles möglich ist, ist nichts mehr von Bedeutung. Der Film, über den wir hier sprechen, war einer der ersten, der diese Gleichgültigkeit gegenüber der Realität so schamlos zur Schau stellte. Es war das Eingeständnis, dass die interne Logik einer Welt völlig egal ist, solange der Trailer gut aussieht.
Ein falsches Verständnis von Nostalgie
Oft wird behauptet, solche Filme würden die Kindheitserinnerungen der Fans bedienen. Das ist eine Lüge. Echte Nostalgie basiert auf der Liebe zu den Details einer Welt. Diese Produktionen nutzen lediglich die bekannten Namen als Köder, um dann ein völlig fremdes Produkt darunter zu mischen. Es ist, als würde man eine Schokolade kaufen, die man von früher kennt, nur um festzustellen, dass die Rezeptur durch billige Ersatzstoffe ersetzt wurde. Das Etikett stimmt noch, aber der Geschmack ist weg. Diese Art des Filmemachens ist zutiefst zynisch. Sie setzt darauf, dass die Zuschauer treu sind und die Täuschung erst bemerken, wenn sie ihr Ticket bereits bezahlt haben.
Es ist nun mal so, dass die Industrie von Wiederholungen lebt. Aber wir als Zuschauer haben die Macht, diese Mechanik zu hinterfragen. Wenn wir jedes mittelmäßige Sequel zum Hit machen, nur weil ein charismatischer Kopf auf dem Poster prangt, dann bekommen wir genau das Kino, das wir verdienen. Ein Kino ohne Überraschungen. Ein Kino, das nur noch aus bekannten Versatzstücken besteht, die immer wieder neu zusammengesetzt werden. Der betreffende Film war kein Unfall, er war ein Versuchsballon. Er sollte testen, wie wenig Geschichte man einem Publikum vorsetzen kann, bevor es rebelliert. Der Erfolg gab den Studiobossen leider recht.
Man muss die Dinge beim Namen nennen: Wir haben es hier mit dem Prototyp des inhaltsleeren Spektakels zu tun. Es ist die totale Kapitulation des Drehbuchs vor dem Marketing. Während wir in der Vergangenheit Filme sahen, die trotz ihrer Herkunft als Spielzeugwerbung einen eigenen Charakter entwickelten, sehen wir hier ein Produkt, das stolz darauf ist, nichts weiter als eine Ware zu sein. Das ist der wahre Kern des Problems. Wenn Kunst nur noch als Anlageobjekt betrachtet wird, verschwindet der Mut zum Experiment. Alles wird glattgebügelt, bis keine Reibungsfläche mehr vorhanden ist.
Das Kino hat seinen Glanz verloren, als es anfing, Charisma mit Charaktertiefe zu verwechseln und Explosionen mit emotionaler Wucht gleichzusetzen.
