Wer an Shakespeare denkt, sieht oft Männer in Strumpfhosen vor sich, die theatralisch in Richtung Balkon deklamieren. Das ist langweilig. Als Richard The Third Ian McKellen Mitte der Neunziger Jahre auf die Kinoleinwand brachte, fegte er diesen Staub mit einer einzigen Zigarettenlänge weg. Er spielte nicht einfach einen König. Er verkörperte einen faschistischen Diktator in einer fiktiven Version der 1930er Jahre, der sein Publikum direkt ansah und es zu Komplizen seiner Morde machte. Diese Darstellung veränderte alles. Sie zeigte, dass klassische Texte keine Museumsstücke sind, sondern gefährliche Spiegelbilder unserer eigenen politischen Abgründe. Wenn McKellen als Richard humpelt und dabei lächelt, spürt man eine Kälte, die weit über das Theater hinausgeht.
Es geht hier nicht um eine bloße Verfilmung. Es geht um Machtgier. McKellen hat den Buckligen von seiner rein physischen Hässlichkeit befreit und ihm stattdessen eine psychologische Schärfe verliehen, die fast unerträglich ist. In der Zusammenarbeit mit dem Regisseur Richard Loncraine entstand ein Werk, das die Ästhetik des Dritten Reiches und des britischen Aristokratismus zu einem giftigen Cocktail mischte. Das Ergebnis war eine Lektion in Sachen Schauspielkunst und politischer Analyse. Für eine weitere Perspektive, schauen Sie sich an: diesen verwandten Artikel.
Die visuelle Sprache des Faschismus
Der Film beginnt nicht im Mittelalter. Wir landen direkt in einem Kriegshauptquartier, das an die Schaltzentralen des Zweiten Weltkriegs erinnert. Panzer durchbrechen Mauern. Maschinengewehre knattern. Richard tritt auf, zieht seine Gasmaske ab und zündet sich eine Zigarette an. Das ist kein klassischer Shakespeare-Einstieg. Es ist ein Statement. Durch die Verlegung der Handlung in ein alternatives England der 30er Jahre wurde der Text plötzlich greifbar. Man verstand die Parallelen zu realen Tyrannen des 20. Jahrhunderts, ohne dass der Film den Zeigefinger heben musste.
Die Uniformen spielen eine riesige Rolle. Richard trägt sie mit einer Präzision, die seine körperliche Behinderung fast vergessen lässt. Oder besser gesagt: Er nutzt seine Uniform als Rüstung gegen die Verachtung seiner Familie. Jede Medaille an seiner Brust ist ein Schrei nach Anerkennung, den er sich mit Gewalt erzwingt. Wer sich für die historische Genauigkeit von Kostümen interessiert, findet beim Victoria and Albert Museum oft tiefere Einblicke in die Macht von Mode und Uniformierung in der Geschichte. Im Film dient die Kleidung dazu, Ordnung zu suggerieren, während Richard das totale Chaos plant. Zusätzliche Informationen zu diesem Trend wurden von Kino.de geteilt.
Die Kamera als Komplize
Ein technischer Kniff macht diesen Film so besonders. Richard spricht oft direkt in die Kamera. Er bricht die vierte Wand. Das macht er nicht aus Nettigkeit. Er will, dass wir seine Brillanz bewundern. Wenn er erklärt, wie er Lady Anne verführen will, während er gerade ihren Ehemann ermordet hat, grinst er uns an. Wir werden zu Mitwissern. Das erzeugt ein unangenehmes Gefühl im Magen. Man ertappt sich dabei, wie man diesen Teufel fast sympathisch findet, weil er so verdammt ehrlich über seine eigene Bosheit ist. Das ist die Falle, in die das Volk bei jedem Autokraten tappt.
Architektur der Unterdrückung
Die Drehorte wurden klug gewählt. Das Battersea Power Station Kraftwerk in London dient als düstere Kulisse für Richards Aufstieg und Fall. Diese monumentale Industriearchitektur unterstreicht die Kälte seines Regimes. Es gibt keine gemütlichen Burgen. Es gibt nur Stahl, Beton und weite, leere Hallen, in denen jeder Schritt hallt. Diese Räume schlucken die Menschlichkeit. Wer London besucht, erkennt diese Orte heute wieder, aber McKellen hat ihnen eine Aura des Schreckens verliehen, die hängen bleibt.
Richard The Third Ian McKellen und die Kunst der Verführung
Um zu verstehen, warum diese Performance so einschlug, muss man sich McKellens Karriere ansehen. Er kam vom Theater. Er kannte jede Silbe des Barden auswendig. Aber er wollte den Film nicht als abgefilmte Bühne. Er wollte Kino. Bei Richard The Third Ian McKellen merkt man in jeder Sekunde, dass hier ein Profi am Werk ist, der weiß, wie man mit einem minimalen Zucken der Augenbraue mehr sagt als andere mit einem fünfminütigen Monolog.
Der Erfolg des Films beruht auf der Balance zwischen Abscheu und Faszination. Richard ist ein Monster, ja. Aber er ist das amüsanteste Monster der Filmgeschichte. Er ist klüger als alle anderen im Raum. Er ist witziger. Und genau das ist das Gefährliche. McKellen spielt ihn nicht als brüllenden Wahnsinnigen, sondern als kühlen Taktiker. Er weiß genau, welchen Knopf er bei wem drücken muss. Bei der jungen Witwe Anne nutzt er Mitleid und sexuelle Spannung. Bei den Adligen nutzt er deren Gier und Eitelkeit. Er spielt sie alle gegeneinander aus wie Figuren auf einem Schachbrett.
Sprachliche Präzision statt Pathos
Viele Schauspieler neigen dazu, Shakespeare zu singen. Sie verfallen in einen Rhythmus, der die Bedeutung der Worte vernebelt. McKellen macht das Gegenteil. Er spricht die Verse, als wären es ganz normale Sätze eines modernen Politikers. Er macht Pausen an Stellen, wo sie wehtun. Er flüstert, wenn er bedrohlich sein will. Das nimmt dem Ganzen die Künstlichkeit. Man vergisst nach zehn Minuten, dass die Leute in Jamben sprechen. Man hört nur noch die Intrige.
Der Körper als Instrument
McKellens Darstellung der Behinderung ist meisterhaft, weil sie nicht auf Mitleid abzielt. Sein Richard nutzt seinen lahmen Arm fast wie eine Requisite. Er inszeniert seine Schwäche, um seine Gegner in Sicherheit zu wiegen. In einer berühmten Szene zieht er sich mit nur einer Hand an, während er gleichzeitig einen politischen Mord plant. Das zeigt seinen eisernen Willen. Es ist eine physische Leistung, die zeigt, wie sehr sich der Schauspieler in diese Rolle verbissen hat. Er hat die Figur nicht nur gesprochen, er hat sie gelebt.
Politische Relevanz in der Moderne
Es wäre ein Fehler, diesen Film nur als Kunstwerk zu sehen. Er ist eine Warnung. Er zeigt, wie schnell eine Demokratie in eine Diktatur kippen kann, wenn die Institutionen schwach sind und die Menschen wegschauen. Die Adligen im Film denken alle, sie könnten Richard kontrollieren. Sie denken, sie könnten ihn für ihre eigenen Zwecke nutzen. Am Ende landen sie alle auf dem Schafott oder im Gefängnis. Das ist ein zeitloses Thema.
Wenn man sich heute politische Entwicklungen weltweit ansieht, wirkt dieser Film von 1995 erschreckend aktuell. Die Rhetorik der Ausgrenzung, die Inszenierung von Stärke und die Manipulation der Wahrheit – all das ist da. McKellen hat Richard zu einem Prototypen des modernen Populisten gemacht. Er verspricht Ordnung und bringt den Tod. Wer mehr über die historischen Hintergründe des echten Königs erfahren möchte, sollte sich die Arbeit der Richard III Society ansehen. Dort wird oft diskutiert, wie sehr Shakespeare das Bild des echten Richard verfälscht hat. Aber für den Film spielt das keine Rolle. Hier geht es um die Wahrheit der Macht, nicht um die Wahrheit der Geschichte.
Die Rolle der Medien
Im Film wird die Presse instrumentalisiert. Richard nutzt Zeitungen und Radio, um sein Image zu polieren. Er lässt sich als gottesfürchtiger Mann inszenieren, der das Amt des Königs eigentlich gar nicht will. Diese geheuchelte Bescheidenheit ist ein klassischer Trick. Der Film zeigt wunderbar, wie die Medienmaschinerie anspringt, um den Tyrannen zu legitimieren. Es gibt keine freien Journalisten mehr, nur noch Hofberichterstatter. Das ist ein Detail, das in der modernen Welt von Social Media und Fake News eine ganz neue Bedeutung bekommt.
Der Zusammenbruch
Das Ende des Films ist ein visuelles Spektakel. Richards Welt bricht buchstäblich über ihm zusammen. Er ist isoliert. Seine Verbündeten haben ihn verlassen. Er rennt durch das brennende Skelett seines Reiches. Sein berühmter Schrei nach einem Pferd findet hier auf einem liegengebliebenen Jeep statt. Es ist lächerlich und tragisch zugleich. Der Mann, der alles kontrollieren wollte, scheitert an einem mechanischen Defekt. Das ist die ultimative Ironie. Die Macht, die auf Angst basiert, verpufft in dem Moment, in dem die Angst verschwindet.
Warum wir diesen Richard heute noch brauchen
Es gibt viele Verfilmungen von Shakespeares Stücken. Manche sind gut, viele sind vergessenswert. Aber diese hier bleibt im Gedächtnis, weil sie mutig war. Sie hat sich getraut, den heiligen Gral der Literatur zu nehmen und ihn in den Schlamm der modernen Politik zu ziehen. Das war kein Sakrileg, sondern eine Rettung. Ohne solche Interpretationen würde Shakespeare in den Lehrplänen der Schulen verrotten.
McKellen hat gezeigt, dass man ein klassisches Monster so spielen kann, dass wir uns selbst in ihm erkennen. Nicht in seinen Taten, hoffentlich, aber in unserer Bereitschaft, uns von Charisma blenden zu lassen. Er hat Richard nicht entschuldigt. Er hat ihn erklärt. Und er hat uns gezeigt, dass das Böse oft sehr gut angezogen ist und einen exzellenten Wortschatz besitzt. Das ist eine Lektion, die man nie oft genug wiederholen kann.
Ein Erbe für das Kino
Der Einfluss dieses Films auf das Genre des Polit-Thrillers ist groß. Serien wie "House of Cards" stehen direkt in der Tradition dieser Inszenierung. Frank Underwood ist im Grunde Richards kleiner Bruder. Das Durchbrechen der vierten Wand, der rücksichtslose Aufstieg, der Zynismus – all das wurde hier perfektioniert. McKellen hat den Standard gesetzt. Jeder, der danach einen charismatischen Bösewicht spielen wollte, musste sich an ihm messen lassen.
Ich erinnere mich, wie ich den Film zum ersten Mal sah. Ich war skeptisch. Shakespeare im Kostüm der 30er? Klingt nach einer bemühten Studentenaufführung. Aber nach fünf Minuten war ich gefesselt. Es war die Energie. Der Film hat ein Tempo, das viele moderne Actionfilme vermissen lassen. Er ist kompakt, bösartig und verdammt unterhaltsam. Er beweist, dass Intelligenz im Kino nicht langweilig sein muss.
Die Bedeutung von Originalität in der Interpretation
Viele Regisseure versuchen, originell zu sein, indem sie einfach nur Dinge ändern. Sie setzen Hamlet in ein Bürogebäude und denken, das sei modern. Das reicht nicht. Man muss verstehen, warum man es tut. Loncraine und McKellen haben das getan. Die Verlegung in die 30er Jahre war kein Gimmick. Sie war eine Analyse der Mechanismen von Faschismus. Sie hat die Motive des Stücks – Verrat, Neid, Machtgier – verstärkt.
Ein Beispiel: Die Szene, in der Richard die Prinzen im Tower "besucht". Im Film ist der Tower ein düsteres Militärgefängnis. Das macht die Bedrohung viel realer als in einer mittelalterlichen Kulisse. Man weiß, dass in solchen Kellern im 20. Jahrhundert schreckliche Dinge passiert sind. Das kollektive Gedächtnis des Publikums wird genutzt, um die Spannung zu erhöhen. Das ist intelligentes Filmemachen.
Zusammenarbeit von Weltklasse
Man darf den Rest der Besetzung nicht vergessen. Kristin Scott Thomas als Lady Anne ist herzzerreißend. Man sieht ihren inneren Kampf, wie sie Richards Abscheulichkeit erkennt, aber seiner manipulativen Kraft nicht entkommen kann. Robert Downey Jr. bringt eine amerikanische Leichtigkeit ein, die wunderbar mit dem steifen britischen Adel kontrastiert. Maggie Smith als Richards Mutter ist eine Naturgewalt. Die Szene, in der sie ihren eigenen Sohn verflucht, ist einer der stärksten Momente des Films. Sie gibt dem politischen Drama eine tiefe, persönliche Tragik.
Musikalische Untermalung
Die Musik von Trevor Jones unterstützt die Atmosphäre perfekt. Sie nutzt Motive der Zeit, Big-Band-Klänge gemischt mit düsteren, orchestralen Passagen. Wenn Richard zum König gekrönt wird, spielt eine triumphale Musik, die aber einen falschen Unterton hat. Es klingt wie ein Sieg, der auf Leichen gebaut ist. Wer sich für Filmkompositionen interessiert, sollte einen Blick auf die Seiten der British Academy of Film and Television Arts werfen, die solche Leistungen regelmäßig würdigt. Die Musik macht den Film zu einem Gesamtkunstwerk, das alle Sinne anspricht.
Praktische Tipps für Shakespeare-Einsteiger
Wenn du jetzt Lust bekommen hast, dich mit dem Thema zu beschäftigen, geh nicht direkt zum dicksten Buch. Fang mit diesem Film an. Er ist der perfekte Einstieg. Hier sind ein paar Schritte, wie du das Beste aus der Erfahrung herausholst:
- Schau dir den Film zuerst ohne Untertitel an. Achte nur auf die Mimik und die Körpersprache von McKellen. Man versteht die Handlung fast allein durch sein Spiel.
- Lies danach eine kurze Zusammenfassung der historischen Rosenkriege. Das hilft, die Namen der verschiedenen Herzöge und Grafen zuzuordnen. Es ist eigentlich eine große Familienschlacht.
- Vergleiche die Darstellung mit anderen Versionen. Es gibt zum Beispiel die Verfilmung mit Laurence Olivier. Sie ist klassischer, fast opernhaft. Der Kontrast zu McKellen zeigt dir, wie viel Freiheit in der Interpretation eines Textes steckt.
- Achte auf die Details in der Ausstattung. Die Art, wie die Büros eingerichtet sind, die Zigarettenmarken, die Autos. Alles wurde mit Bedacht gewählt, um eine ganz bestimmte Welt zu erschaffen.
- Diskutiere den Film mit Freunden. Die Frage nach der Mitschuld des Publikums ist ein hervorragender Gesprächsstoff. Würden wir Richard stoppen oder wären wir fasziniert von seinem Erfolg?
Die Beschäftigung mit solchen Werken schärft den Blick für die Realität. Man lernt, hinter die Masken der Macht zu schauen. Und man lernt, dass große Kunst niemals alt wird, solange sie uns etwas über uns selbst erzählt. Ian McKellen hat mit diesem Projekt einen Meilenstein gesetzt, der auch Jahrzehnte später nichts von seiner Bissigkeit verloren hat. Er bleibt der König der Schurken, und sein Richard ist die Messlatte für alles, was noch kommen mag.
