Wer glaubt, dass volle Kinosäle automatisch für ein gesundes filmisches Ökosystem stehen, der sollte einen genaueren Blick auf die Straßen von Ho-Chi-Minh-Stadt werfen. Dort, wo die Lichter der Multiplexe am hellsten strahlen, spielt sich ein bizarres Phänomen ab. Während Hollywood-Blockbuster weltweit schwächeln, eilt Phim Chiếu Rạp Việt Nam von einem historischen Einnahmerekord zum nächsten. Doch dieser Goldrausch ist eine optische Täuschung. Es handelt sich nicht um die Geburt einer neuen asiatischen Kinomacht nach dem Vorbild Südkoreas, sondern um einen gefährlichen Monokultivismus. Wir beobachten gerade, wie eine Handvoll Influencer und Comedians das Medium Film kapern, um Fernsehinhalte auf die große Leinwand zu zerren. Der Erfolg ist real, die kulturelle Substanz dahinter hingegen dünner als das Reispapier einer Frühlingsrolle. Man muss sich fragen, ob die Massen in die Kinos strömen, weil die Filme so gut sind, oder weil die soziale Distinktion durch Kinobesuche in der aufstrebenden Mittelschicht Vietnams zum Pflichtprogramm gehört.
Die Zahlen lügen scheinbar nicht. Wenn man sieht, dass lokale Produktionen wie Mai oder Nha Ba Nu innerhalb weniger Wochen zweistellige Millionensummen in US-Dollar einspielen, wirkt das wie ein Triumph. Ich habe mit Kinobetreibern gesprochen, die mir erklärten, dass die Auslastung bei heimischen Titeln oft die von Marvel-Produktionen übersteigt. Das ist eine bemerkenswerte Entwicklung für ein Land, dessen Kinosektor vor zwei Jahrzehnten fast klinisch tot war. Aber der Preis für diesen Aufschwung ist die ästhetische Verarmung. Die Filme, die heute die Kassen füllen, folgen einer strengen Formel: familiäre Konflikte, lautstarke Streitereien und ein Humor, der direkt aus den Varieté-Shows des staatlichen Fernsehens importiert wurde. Das Kino verliert seine Sprache und wird zum bloßen Abspielgerät für Inhalte, die eigentlich in das Wohnzimmer gehören. Es findet eine Entwertung des Breitbildformats statt, die wir in Europa so nicht kennen. Hierzulande klagen wir über den Niedergang des Arthouse-Kinos, während man in Südostasien gerade dabei ist, das Kino als Kunstform überhaupt erst durch ein kommerzielles Spektakel zu ersetzen, das keine visuelle Vision mehr besitzt.
Die Illusion der Vielfalt bei Phim Chiếu Rạp Việt Nam
Hinter der glitzernden Fassade der modernen Malls verbirgt sich eine gnadenlose Verdrängung. Wenn ein neuer Blockbuster eines lokalen Megastars startet, belegt er oft achtzig Prozent aller verfügbaren Vorstellungen. Das ist kein Wettbewerb mehr, das ist eine algorithmische Säuberung des Spielplans. Ich nenne das die Diktatur des Massengeschmacks, die durch eine geschickte Allianz zwischen Produktionshäusern und Kinoketten befeuert wird. Wer als junger Regisseur versucht, die Grenzen des Erzählens zu erweitern, findet keinen Platz mehr. Die Geschichte des vietnamesischen Kinos war einst geprägt von poetischen Bildern und einer tiefen Melancholie, die weltweit auf Festivals Anerkennung fand. Davon ist in der aktuellen Ära wenig übrig geblieben. Heute regiert das Geschrei. Je lauter die Protagonisten auf der Leinwand ihre Familienprobleme austragen, desto mehr Tickets werden verkauft. Es ist eine Form von emotionalem Voyeurismus, der als Identifikation getarnt wird.
Skeptiker werden nun einwenden, dass ein florierender lokaler Markt die notwendige Basis für jede Art von Filmkunst darstellt. Sie behaupten, dass das Geld, das mit den lauten Komödien verdient wird, später in anspruchsvollere Projekte fließen kann. Das klingt in der Theorie logisch, doch die Praxis zeigt ein anderes Bild. Investoren in Hanoi und Saigon haben gelernt, dass sich mit minimalem künstlerischem Risiko maximale Gewinne erzielen lassen. Warum sollte jemand in ein komplexes Historiendrama oder einen subtilen Thriller investieren, wenn das Abfilmen von bekannten Comedians eine garantierte Rendite abwirft? Diese Denkweise zementiert einen Zustand, in dem die technische Qualität der Bilder zwar steigt, die intellektuelle Tiefe jedoch stagniert. Wir sehen hochglanzpolierte Produktionen, die inhaltlich auf dem Niveau einer Seifenoper verharren. Es ist eine gläserne Decke, die von innen heraus aufgebaut wurde.
Der Einfluss der sozialen Medien auf das Sehverhalten
Ein wesentlicher Faktor für diesen Wandel ist die Macht von TikTok und Facebook. In Vietnam wird ein Film nicht durch klassische Kritiken zum Erfolg, sondern durch virale Clips. Produzenten schneiden ihre Werke heute schon während des Drehbuchschreibens auf ihre "TikTok-Fähigkeit" zu. Das bedeutet: kurze, prägnante Sätze, übersteigerte Mimik und Momente, die man leicht als Meme verbreiten kann. Der Film ist nicht mehr ein in sich geschlossenes Kunstwerk, sondern eine Sammlung von potenziellen viralen Momenten. Das verändert die Erzählstruktur radikal. Lange Einstellungen, Stille oder visuelle Metaphern stören diesen Verwertungsprozess nur. Wenn du heute im Kino sitzt, bemerkst du, wie die Menschen zum Smartphone greifen, sobald das Tempo auf der Leinwand nachlässt. Die Aufmerksamkeitsspanne des Publikums wurde durch die digitale Dauerberieselung so weit verkürzt, dass das Kino darauf mit einer Art Dauerfeuer an Reizen reagiert.
Dieses Phänomen ist kein rein vietnamesisches Problem, aber dort tritt es in einer Reinheit auf, die erschreckend ist. In einem Markt, der so jung und hungrig ist, gibt es kaum Korrektive. Es fehlen die unabhängigen Kinos, die kleinen Programmkinos, die einen alternativen Kanon pflegen könnten. Alles findet in den großen Ketten statt, die profitorientiert agieren müssen. Wenn man sich die Programme ansieht, erkennt man eine Monotonie, die man als kulturellen Burnout bezeichnen könnte. Die Zuschauer konsumieren das, was ihnen vorgesetzt wird, weil es keine sichtbaren Alternativen gibt. Man kann es ihnen kaum vorwerfen. Wenn die einzige Wahl zwischen einem US-Superheldenfilm und einer lokalen Familienkomödie besteht, entscheiden sich viele für das Heimische. Das wird dann oft als Patriotismus missverstanden, ist aber schlichtweg das Ergebnis eines Marktes ohne echte Auswahlmöglichkeiten.
Die strukturelle Abhängigkeit von den Megastars
Das System stützt sich auf eine Handvoll Namen. Es gibt Schauspieler und Regisseure, deren bloße Anwesenheit einen Erfolg garantiert, völlig ungeachtet der Qualität des Skripts. Diese Personen sind in Vietnam keine reinen Künstler mehr, sie sind Institutionen. Sie kontrollieren den Zugang zum Markt und bestimmen, welche Themen behandelt werden dürfen. Das führt zu einer thematischen Einengung, die fast schon klaustrophobisch wirkt. Immer wieder geht es um den Aufstieg aus der Armut, den Konflikt zwischen Tradition und Moderne in der Familie oder um die Sehnsüchte der neuen Stadtbewohner. Diese Themen sind relevant, keine Frage. Aber die Art der Aufarbeitung bleibt oberflächlich. Es wird getröstet, nicht hinterfragt. Das Kino fungiert als eine Art kollektive Therapieeinheit, die dem Publikum genau das gibt, was es hören will, ohne jemals wehzutun oder echte gesellschaftliche Wunden aufzureißen.
Interessant ist dabei die Rolle der Zensurbehörden. Während man in der Vergangenheit sehr streng auf politische Inhalte achtete, scheint man heute mit dem rein kommerziellen Fokus der Branche recht zufrieden zu sein. Solange die Filme keine unbequemen Fragen zur gesellschaftlichen Ordnung stellen, lässt man den Produzenten freie Hand beim Geldverdienen. Diese implizite Vereinbarung hat dazu geführt, dass das Kino politisch völlig zahnlos geworden ist. Es gibt keine Reibungsflächen mehr. Alles ist glatt, bunt und laut. Wenn wir über Phim Chiếu Rạp Việt Nam sprechen, müssen wir also auch über das Schweigen sprechen, das diese Filme umgibt. Das Schweigen über die echten Spannungen im Land, über die ökologischen Probleme oder die wachsende Kluft zwischen Arm und Reich. All das findet in der glitzernden Kinowelt keinen Platz, außer es lässt sich in eine rührselige Geschichte über ein verlorenes Kind verpacken.
Man könnte meinen, dass der internationale Erfolg einiger vietnamesischer Regisseure in Cannes oder Berlin ein Gegengewicht bildet. Doch die bittere Wahrheit ist, dass diese Filme im eigenen Land kaum wahrgenommen werden. Es existiert eine tiefe Kluft zwischen dem, was die Welt als vietnamesisches Kino feiert, und dem, was die Menschen in Hanoi tatsächlich sehen. Diese Entkoppelung ist tragisch. Es bedeutet, dass die künstlerische Intelligenz des Landes exportiert wird, während das heimische Publikum mit Fast-Food-Unterhaltung abgespeist wird. Es gibt keine Brücke zwischen diesen Welten. Die Arthouse-Filme werden oft als "zu langsam" oder "zu schwierig" abgestempelt, während die Blockbuster von der intellektuellen Elite des Landes ignoriert werden. Es ist eine gespaltene Filmnation, die ihre Mitte verloren hat.
Um die Zukunft dieses Marktes zu verstehen, muss man sich klarmachen, dass der aktuelle Boom auf tönernen Füßen steht. Die Neugier des Publikums auf lokale Inhalte ist ein endliches Gut. Wenn die Formelhaftigkeit zu offensichtlich wird, wenn jeder Film sich anfühlt wie der letzte, wird das Interesse erlahmen. Das haben wir in anderen asiatischen Märkten bereits gesehen. Die Zuschauer sind nicht dumm. Sie spüren, wenn sie nur noch als Melkkühe für bekannte Gesichter dienen sollen. Der technologische Vorsprung, den das Kino gegenüber dem Streaming zu Hause noch hat, schrumpft täglich. Wenn das einzige Argument für den Kinobesuch ein prominenter Name ist, kann man diesen auch auf dem Tablet-Bildschirm konsumieren. Das Kino muss sich wieder auf seine Kernkompetenz besinnen: das Schaffen von Räumen und Erfahrungen, die man nirgendwo anders finden kann.
Es fehlt an Mut. Mut zum Experiment, Mut zur Stille und Mut zum Scheitern. Solange Erfolg nur in Milliarden Dong gemessen wird, bleibt die Entwicklung stecken. Ein gesundes Kino braucht Filme, die nicht jeder mag. Es braucht Werke, die Diskussionen auslösen, die verstören und die noch lange nach dem Abspann im Kopf bleiben. Momentan ist das vietnamesische Kino wie ein hell loderndes Strohfeuer. Es ist beeindruckend anzusehen, es erzeugt viel Hitze, aber es lässt keine dauerhafte Glut zurück. Wenn der Wind sich dreht, bleibt nur Asche übrig. Die Branche muss sich entscheiden, ob sie eine ernstzunehmende Kulturindustrie sein will oder nur ein verlängerter Arm der Unterhaltungsindustrie für soziale Netzwerke.
Was wir brauchen, ist eine neue Generation von Produzenten, die verstehen, dass Vielfalt kein Luxus ist, sondern eine Überlebensstrategie. Es geht nicht darum, den Kommerz zu verteufeln. Ohne Geld gibt es keine Filme. Aber es geht darum, den Gewinn in Qualität zu reinvestieren, anstatt ihn nur in das nächste Marketingbudget für den nächsten Influencer-Film zu stecken. Es braucht staatliche Förderungen, die gezielt Projekte unterstützen, die sich nicht sofort am Markt rentieren müssen. Es braucht eine Ausbildung für Drehbuchautoren, die lernen, wie man Geschichten erzählt, die über das Niveau von Slapstick hinausgehen. Vor allem aber braucht es ein Publikum, das beginnt, mehr einzufordern als nur die immer gleichen Gesichter in den immer gleichen Rollen.
Wenn ich heute durch die klimatisierten Gänge der großen Kinos in Vietnam gehe, sehe ich die Plakate und die lachenden Menschen. Es ist eine Atmosphäre des Aufbruchs, das kann man nicht leugnen. Aber ich sehe auch die Leere in den Augen derer, die gerade aus einer Vorstellung kommen, die sie zwei Stunden lang angeschrien hat, ohne ihnen eine einzige neue Erkenntnis zu liefern. Das Kino ist mehr als nur eine Flucht aus der Hitze und dem Lärm der Straße. Es sollte ein Ort sein, an dem man sich selbst begegnet, nicht nur seinen Vorurteilen. Der aktuelle Erfolg ist kein Ziel, sondern eine Atempause. Wer diese Zeit nicht nutzt, um echte künstlerische Fundamente zu bauen, wird zusehen müssen, wie das Kartenhaus zusammenbricht, sobald die erste große Sättigung eintritt.
Die Entwicklung ist an einem Punkt angekommen, an dem sich die Spreu vom Weizen trennen muss. Wir können nicht ewig so tun, als sei jeder Kassenrekord ein kultureller Sieg. In Wirklichkeit ist jeder stumpfe Blockbuster, der einen kleinen, mutigen Film aus dem Programm drängt, eine Niederlage für die Zukunft der Erzählkunst. Wir müssen aufhören, nur auf die Kurven der Ticketverkäufe zu starren, und anfangen, über die Bilder zu reden, die hängen bleiben. Ein Land mit einer so reichen Geschichte und einer so dynamischen Gegenwart verdient ein Kino, das diese Komplexität widerspiegelt. Es ist Zeit, die Leinwand wieder den Visionären zu überlassen und sie den Händen der reinen Zahlenverwalter zu entreißen.
Der wahre Wert einer nationalen Filmindustrie bemisst sich nicht an der Höhe der Einnahmen, sondern an der Tiefe der Spuren, die sie in der Seele ihrer Zuschauer hinterlässt.
