Manche Menschen glauben, dass eine Seele eins zu eins übertragbar ist, wenn man nur die richtigen Werkzeuge besitzt. In der Welt des japanischen Animationsfilms hielt sich lange das Gerücht, dass der Geist des legendären Studio Ghibli fast automatisch auf jene übergeht, die dort ihr Handwerk lernten. Als Hiromasa Yonebayashi sein eigenes Projekt startete, erwarteten Fans weltweit eine nahtlose Fortführung einer Ära, die mit dem Rückzug von Hayao Miyazaki zu enden schien. Doch wer Mary Und Die Blume Der Hexen aufmerksam betrachtet, erkennt schnell ein fundamentales Paradoxon. Der Film ist handwerklich brillant, visuell berauschend und doch seltsam leer. Er wirkt wie ein perfekt konstruierter Spiegel, der zwar das Licht der Vergangenheit reflektiert, aber kein eigenes Feuer entfacht. Wir müssen uns eingestehen, dass die bloße Ästhetik eines Stils nicht ausreicht, um dessen erzählerische Tiefe zu replizieren. Das Werk steht stellvertretend für ein größeres Problem in der heutigen Medienlandschaft, nämlich die Verwechslung von Nostalgie mit Innovation.
Die Geschichte der jungen Mary, die im Wald eine magische Blume findet und daraufhin in eine Welt voller Hexerei und fliegender Besen hineingezogen wird, liest sich auf dem Papier wie das klassische Erfolgsrezept für zeitlose Fantasy. Studio Ponoc, das hinter diesem Werk steht, wurde von ehemaligen Ghibli-Mitarbeitern gegründet. Die Erwartungshaltung war gigantisch. Doch die Wahrheit ist schmerzhaft simpel. Ein Film kann noch so sehr nach einem Meisterwerk aussehen, wenn das Fundament aus Versatzstücken besteht, bleibt er eine Fingerübung. Ich beobachte seit Jahren, wie Studios versuchen, den „Ghibli-Zauber“ zu kopieren, ohne zu verstehen, dass dieser Zauber nicht im Pinselstrich liegt, sondern in der radikalen Ehrlichkeit der Charaktere. Hier liegt der Hund begraben. Die Protagonistin stolpert durch eine Handlung, die sich anfühlt, als hätte man die besten Momente aus den letzten dreißig Jahren Genregeschichte in einen Mixer geworfen. Es fehlt die Reibung. Es fehlt der Schmerz, der echte Entwicklung erst möglich macht.
Das visuelle Versprechen von Mary Und Die Blume Der Hexen
Man kann dem Team unter Yonebayashi kaum einen Vorwurf machen, wenn es um die reine Technik geht. Die Hintergründe sind handgemalt, die Farben leuchten in einer Intensität, die man heute im Zeitalter billiger CGI-Produktionen oft vermisst. Jede Szene atmet den Fleiß von Künstlern, die ihr Leben der Animation verschrieben haben. Aber genau hier liegt die Falle für den Zuschauer. Wir lassen uns von der Schönheit blenden und übersehen dabei, dass die Erzählstruktur so dünn ist wie Pergament. Es gibt keine echte Gefahr. Die Antagonisten wirken wie Karikaturen aus einem Handbuch für Schurken, ohne jene moralische Ambiguität, die Filme wie „Prinzessin Mononoke“ oder „Chihiros Reise ins Zauberland“ so unvergesslich machte. In jenen Klassikern gab es kein reines Gut oder Böse, sondern nur unterschiedliche Perspektiven auf eine komplexe Welt. Das Erstlingswerk von Studio Ponoc hingegen entscheidet sich für die einfache Route. Es ist eine Flucht in die Vorhersehbarkeit.
Die Mechanik der Erwartung
Warum reagieren wir so positiv auf bekannte Bilder? Die Psychologie dahinter ist simpel. Unser Gehirn liebt Mustererkennung. Wenn wir ein Mädchen mit roten Haaren sehen, das auf einem Besen reitet, schütten wir sofort Endorphine aus, weil wir uns an die Geborgenheit unserer Kindheit erinnern. Dieses Phänomen nutzen Produzenten schamlos aus. Es ist eine Art kulturelles „Comfort Food“. Aber Nahrung ohne Nährstoffe macht auf Dauer nicht satt. Ich habe mit Animatoren gesprochen, die den Druck beschreiben, den ein solches Erbe mit sich bringt. Man traut sich nicht, radikal neue Wege zu gehen, weil man die Stammkundschaft nicht verschrecken will. So entsteht ein Kreislauf der Imitation. Man übernimmt die flüssigen Bewegungen, die Liebe zum Detail beim Essen oder die Darstellung von Wind, vergisst aber, warum diese Elemente ursprünglich eingesetzt wurden. Sie dienten dazu, eine lebendige, atmende Welt zu erschaffen, nicht nur um ein Markenzeichen zu bedienen.
Wenn man die Produktionsgeschichte betrachtet, wird klar, dass dieses Projekt unter einem enormen Zeitdruck stand. Man wollte beweisen, dass man ohne das Mutterstudio überleben kann. Doch wer rennt, bevor er sicher stehen kann, kommt leicht ins Stolpern. Die Handlung basiert auf dem Kinderbuch „Der kleine Besenstiel“ von Mary Stewart aus dem Jahr 1971. Ein schöner Stoff, zweifellos. Aber die Adaption traut sich nie, über die Vorlage hinauszuwachsen oder ihr eine moderne, scharfkantige Note zu verleihen. Stattdessen wird alles glattgebügelt. Das ist schade, denn das Potenzial war vorhanden. Man spürt in vereinzelten Szenen, dass das Team zu mehr fähig wäre, wenn es die Fesseln der Vergangenheit abwerfen würde.
Die Illusion der Nachfolge in Mary Und Die Blume Der Hexen
Es ist an der Zeit, ein weit verbreitetes Missverständnis auszuräumen. Ein Nachfolgestudio ist kein Klon. Die Erwartung, dass Studio Ponoc genau dort weitermacht, wo Miyazaki aufgehört hat, war von Anfang an unfair und vielleicht sogar toxisch für die Kreativität der Beteiligten. Wenn wir als Publikum immer nur das Gleiche fordern, bekommen wir am Ende nur eine blasse Kopie. Die Fachwelt war sich nach der Premiere uneins. Während einige Kritiker die handwerkliche Treue feierten, sahen andere darin den Beweis für eine kreative Sackgasse. Ich neige zu Letzterem. Es ist fast so, als hätte man einen Sportwagen gebaut, der äußerlich perfekt aussieht, dessen Motor aber nur die Leistung eines Kleinwagens bringt. Er bringt dich ans Ziel, aber die Fahrt ist unspektakulär.
Man muss sich fragen, was Animation heute leisten muss. Reicht es aus, handwerklich auf dem Stand von 1995 zu sein? In einer Zeit, in der Studios wie MAPPA oder Science Saru mit Sehgewohnheiten brechen und neue visuelle Sprachen entwickeln, wirkt das Festhalten an der alten Schule fast schon reaktionär. Es ist ein Sicherheitsnetz, das zur Fessel wird. Die Magie, die hier thematisiert wird, ist letztlich eine geliehene Magie. Die Blume im Film verleiht der Heldin Kräfte, die sie eigentlich nicht verdient hat und die sie nicht versteht. Das ist eine fast schon ironische Metapher für den Film selbst. Er nutzt die Kraft eines großen Erbes, ohne die harte Arbeit der Neuerfindung zu leisten, die dieses Erbe erst begründet hat.
Skeptiker und die Nostalgiefalle
Ein häufiges Argument von Verteidigern dieses Ansatzes lautet, dass Kinderfilme keine tiefschürfende Philosophie brauchen. Sie sagen, dass die Zielgruppe einfach nur ein schönes Abenteuer erleben will. Das ist eine gefährliche Unterschätzung der Intelligenz von Kindern. Die besten Werke der Filmgeschichte sind jene, die ihr Publikum ernst nehmen. Ein Kind spürt, ob eine Geschichte Herz hat oder ob sie nur nach Schema F konstruiert wurde. Wer behauptet, dass visuelle Pracht allein ausreicht, hat das Wesen des Kinos nicht verstanden. Kino ist Empathie durch Erzählung. Wenn die Identifikation mit der Figur nur oberflächlich bleibt, weil sie keine Ecken und Kanten hat, bleibt auch das Erlebnis oberflächlich.
Ein weiterer Punkt ist die technische Meisterschaft. Ja, es ist beeindruckend, dass Menschen tausende von Zeichnungen per Hand anfertigen. Das verdient Respekt. Aber Handarbeit ist kein Selbstzweck. Ein schlechtes Drehbuch wird nicht dadurch besser, dass man es mit einem goldenen Füller schreibt. Wir müssen lernen, das Handwerk von der Kunst zu trennen. Das Handwerk ist hier auf einem Niveau von 10 von 10 Punkten, aber die Kunst der Geschichte stagniert. Wenn wir diesen Unterschied nicht benennen, schaden wir der Industrie, weil wir Mittelmäßigkeit belohnen, solange sie nur hübsch verpackt ist.
In Japan gab es hitzige Debatten darüber, ob man das Erbe von Ghibli überhaupt antreten kann oder ob es mit den Gründervätern sterben muss. Studio Ponoc hat sich für den Weg der Imitation entschieden, was aus kommerzieller Sicht absolut nachvollziehbar ist. Das Risiko eines finanziellen Fiaskos ist bei einem neuen Studio zu hoch, um Experimente zu wagen. Doch genau dieser Sicherheitsgedanke tötet die Vision. Was wir sehen, ist ein Produkt, kein Werk. Ein Produkt wird nach Marktanalyse erstellt, ein Werk aus einer inneren Notwendigkeit heraus. Die innere Notwendigkeit fehlt hier spürbar. Es ist eine fleißige Arbeit, aber keine inspirierte.
Man kann das Ganze mit einem Cover-Song vergleichen. Ein guter Cover-Song nimmt das Original und gibt ihm eine völlig neue Note. Er interpretiert den Text neu, verändert das Tempo oder fügt eine persönliche Note hinzu. Was wir hier vor uns haben, ist jedoch eine Tribute-Band, die versucht, jede Note exakt so zu treffen wie das Original. Das ist technisch brillant, aber es fehlt die Seele des Urhebers. Das Publikum merkt das, auch wenn es den Finger nicht direkt auf die Wunde legen kann. Es bleibt dieses Gefühl zurück, dass man das alles schon einmal gesehen hat – und zwar besser.
Man darf nicht vergessen, dass Animation ein kollaborativer Prozess ist. Hunderte von Menschen arbeiten an einem solchen Projekt. Es wäre vermessen zu sagen, dass dort kein Herzblut fließt. Sicherlich haben die Zeichner und Animatoren alles gegeben. Die Kritik richtet sich eher an die strategische Ausrichtung. Wenn die Führung eines Studios sich entscheidet, kein Risiko einzugehen, sind die Künstler die Leidtragenden, weil ihr Talent für eine Geschichte verschwendet wird, die ihrer nicht würdig ist. Wir brauchen im Animationsbereich mehr Mut zur Lücke, mehr Mut zur Hässlichkeit und vor allem mehr Mut zur Eigenständigkeit.
Wer heute einen Film in diesem Stil produziert, muss sich am aktuellen Standard messen lassen. Die Konkurrenz schläft nicht. Es gibt Projekte aus Frankreich, Irland oder den USA, die zeigen, wie man Tradition und Moderne verknüpft, ohne wie ein Geist der Vergangenheit zu wirken. Der Fokus auf die alte Schule wirkt in diesem Kontext fast wie eine Verweigerung der Realität. Es ist schön, dass es diese Techniken noch gibt, aber sie müssen im Dienst einer Geschichte stehen, die uns heute etwas zu sagen hat. Eine Geschichte über ein Mädchen, das durch Zufall magisch wird und dann eine Schule retten muss, ist im Jahr 2026 einfach nicht mehr genug, um als Meilenstein zu gelten.
Es gibt Momente, in denen der Film fast aus seiner Haut ausbricht. Wenn die Verwandlungen der Tiere gezeigt werden, blitzt ein Hauch von Body-Horror auf, der an die dunkleren Momente von Ghibli erinnert. Das sind die stärksten Augenblicke, weil sie eine Emotion hervorrufen, die über bloßes Wohlgefallen hinausgeht. Leider werden diese Ansätze sofort wieder im Keim erstickt, um die familienfreundliche Fassade nicht zu gefährden. Man entscheidet sich immer für die sicherste Option. Das ist das eigentliche Drama dieses Films. Er hätte großartig sein können, wenn er sich getraut hätte, seine eigene Dunkelheit zu akzeptieren.
Wir müssen aufhören, jedes Projekt, das aus der Feder ehemaliger Ghibli-Mitarbeiter stammt, vorab heiligzusprechen. Nur durch ehrliche Kritik ermöglichen wir es diesen Talenten, zu ihrer eigenen Stimme zu finden. Die Vergangenheit ist ein wunderbarer Ort zum Lernen, aber ein schrecklicher Ort zum Wohnen. Das Team von Studio Ponoc hat bewiesen, dass es die Technik beherrscht. Jetzt müssen sie beweisen, dass sie auch etwas zu sagen haben, das nicht schon tausendmal gesagt wurde. Es geht um die Emanzipation von den Lehrmeistern. Erst wenn sie den Mut finden, den Pinsel anders zu führen und die Geschichten anders zu strukturieren, werden sie wirklich relevant werden.
Am Ende bleibt ein Werk, das man sich gerne ansieht, das man aber auch schnell wieder vergisst. Es ist ein schöner Schein, eine visuelle Suite, die uns für kurze Zeit in Träume einlullt. Aber wahres Kino soll uns aufwecken. Es soll uns verstören, begeistern oder zum Nachdenken anregen. Wenn wir aus dem Kino gehen und das Einzige, was uns einfällt, ist, dass die Wolken hübsch gezeichnet waren, dann hat der Film seine eigentliche Aufgabe verfehlt. Wir verdienen Geschichten, die uns im Kern erschüttern, nicht nur solche, die unsere Augen streicheln.
Wahre Magie lässt sich nicht durch das Kopieren alter Formeln erzwingen, sondern entsteht erst in dem Moment, in dem wir bereit sind, die Sicherheit der Tradition für die Ungewissheit der eigenen Vision zu opfern.
