as you like it william shakespeare

Der Geruch von feuchtem Moos und zerstampftem Farn hing in der Luft, während das fahle Licht des Londoner Nachmittags durch die Ritzen der hölzernen Emporen brach. Ein junger Mann, kaum den Kinderschuhen entwachsen, stand auf der Bühne des Globe Theatre und zupfte an den Falten eines schweren, samtenen Kleides, das ihm an den Schultern noch ein wenig zu weit war. Er war ein Junge, der ein Mädchen spielte, das sich als Junge verkleidet hatte, um in der Wildnis zu überleben. In diesem Moment der doppelten Verstellung, irgendwo um das Jahr 1599, wurde die Bühne zu einem Spiegelkabinett der Identitäten. Das Publikum starrte gebannt auf die Bretter, während die Worte von As You Like It William Shakespeare die stickige Luft des Theaters erfüllten und die Zuschauer aus dem schmutzigen, lärmenden Alltag der Stadt in einen utopischen Wald entführten, in dem die Gesetze der Gesellschaft keine Gültigkeit mehr besaßen.

Es ist eine seltsame, fast schwindelerregende Erfahrung, sich heute in diesen fiktiven Wald von Arden zu begeben. Wir leben in einer Welt, die von Eindeutigkeit besessen ist, von Profilen, die wir pflegen, und von Biografien, die lückenlos sein müssen. Doch in der Geschichte von Rosalind und Orlando geht es um das genaue Gegenteil. Es geht um die Freiheit, jemand anderes zu sein, oder besser gesagt, um die Freiheit, herauszufinden, dass das „Selbst“ vielleicht gar kein fester Kern ist, sondern eine Performance, ein Kostüm, das wir jeden Morgen neu anlegen. Als der Herzog aus seinem glitzernden, aber gefährlichen Hof verbannt wurde und Zuflucht unter den alten Eichen suchte, begann ein Experiment, das bis heute nichts von seiner Radikalität verloren hat.

Der Wald ist hier kein Ort der Wildnis im modernen Sinne, kein Naturschutzgebiet mit markierten Wanderwegen. Er ist ein psychologischer Raum. Wer den Wald betritt, lässt seinen Titel, seinen Stand und oft auch sein Geschlecht an der unsichtbaren Grenze zurück. In der Stille zwischen den Bäumen wird das soziale Gefüge, das uns sonst wie ein Korsett zusammenhält, brüchig. Die Menschen, die dort aufeinandertreffen, sind Flüchtlinge vor einer korrupten Ordnung, und in ihrer Verbannung finden sie eine seltsame Form von Glück, die in den palastartigen Räumen der Macht unvorstellbar gewesen wäre.

Die Metamorphose in der Wildnis von As You Like It William Shakespeare

Die Transformation beginnt mit einer Flucht. Rosalind, die Tochter des verbannten Herzogs, muss den Hof verlassen, weil ihre bliere Anwesenheit den neuen Machthaber erzürnt. Sie schneidet sich das Haar, schlüpft in Männerkleidung und nennt sich Ganymed. Begleitet wird sie von ihrer Cousine Celia und dem Narren Touchstone, einer Figur, die als Einzige den Verstand behält, während alle anderen vor Liebe oder Melancholie den Kopf verlieren. Diese Reise ist mehr als eine räumliche Distanzierung; es ist ein Bruch mit der Realität, wie sie bis dahin bekannt war.

In den deutschen Theaterinszenierungen des 20. Jahrhunderts, etwa unter der Regie von Peter Stein oder in den kühnen Interpretationen an den Münchner Kammerspielen, wurde dieser Wald oft als ein Ort der kargen Selbsterkenntnis dargestellt. Manchmal war er eine kahle Bühne, manchmal ein Dickicht aus Metallstangen. Die Botschaft blieb jedoch gleich: Wenn man alles wegnimmt, was einen Menschen ausmacht – seinen Besitz, seinen Ruf, seine Kleidung –, was bleibt dann übrig? Die Antwort, die uns das Stück gibt, ist ebenso verstörend wie befreiend. Es bleibt nichts übrig außer der Sprache und der Fähigkeit, sich selbst neu zu erfinden.

Rosalind, nun als Ganymed getarnt, trifft im Wald auf Orlando, den Mann, in den sie sich bereits am Hof verliebt hatte. Orlando ist ein Getriebener, der Liebesgedichte in die Rinde der Bäume ritzt, als wäre der Wald ein einziges, riesiges Notizbuch. Doch anstatt sich ihm zu offenbaren, nutzt Rosalind ihre Maskerade, um ihn zu prüfen. Sie bietet ihm an, ihn von seiner Liebeskrankheit zu heilen, indem sie vorgibt, die launische Rosalind zu sein. Hier erreicht die Komödie ihre tiefste philosophische Ebene. Ein Mädchen spielt einen Jungen, der vorgibt, ein Mädchen zu sein, um einem Jungen beizubringen, wie man ein Mädchen wirklich liebt. Es ist ein Spiel mit Masken, bei dem die Maske selbst zur Wahrheit wird.

In der Forschung wird oft darauf hingewiesen, dass diese Art der Verkleidung zur Zeit der Tudor-Dynastie eine ganz praktische Komponente hatte, da Frauenrollen ohnehin von Knabenschauspielern übernommen wurden. Doch die emotionale Wucht dieser Szenen geht weit über historische Konventionen hinaus. Es ist die Darstellung einer radikalen Empathie. Indem Rosalind in die Rolle des Mannes schlüpft, lernt sie die Welt aus einer Perspektive kennen, die ihr zuvor verschlossen war. Und indem Orlando mit Ganymed über seine Liebe spricht, offenbart er eine Verletzlichkeit, die er gegenüber der „echten“ Rosalind niemals hätte zeigen können.

Die Natur fungiert dabei als Katalysator. Im Gegensatz zum höfischen Leben, das von strengen Protokollen und der ständigen Angst vor Verrat geprägt ist, erlaubt der Wald eine Form der Kommunikation, die fast schon anarchistisch ist. Hier kann der Narr dem Herzog die Wahrheit sagen, ohne geköpft zu werden, und hier kann eine Frau die Regeln des Werbens selbst in die Hand nehmen. Es ist eine Welt im Ausnahmezustand, ein temporäres Autonomgebiet, in dem die alten Hierarchien zwar noch im Gedächtnis existieren, aber ihre Zwangsgewalt verloren haben.

Der Narr und der Melancholiker

Inmitten dieses bunten Treibens stehen zwei Figuren, die wie dunkle Anker in der Leichtigkeit der Komödie wirken: Touchstone und Jacques. Während die Liebenden im Rausch ihrer Gefühle durch das Unterholz stolpern, beobachten diese beiden das Geschehen mit einer Mischung aus Spott und tiefer Traurigkeit. Jacques, der berühmte Melancholiker, liefert den Text, den fast jeder kennt, auch wenn er das Stück nie gesehen hat. Die Rede von der Welt als Bühne, auf der wir alle nur Spieler sind, ist kein bloßer Kalenderspruch. Sie ist die bittere Erkenntnis eines Mannes, der erkennt, dass jedes Leben in der Bedeutungslosigkeit des Alters und des Vergessens endet.

Jacques weigert sich, am Ende des Stücks an der allgemeinen Fröhlichkeit teilzunehmen. Während alle anderen zur Hochzeit rüsten und sich auf die Rückkehr an den Hof vorbereiten, bleibt er zurück. Er ist der ewige Beobachter, der weiß, dass der Wald von Arden nur eine kurze Pause ist, ein kurzes Luftholen, bevor die Maschinerie der Gesellschaft wieder anläuft. Sein Pessimismus ist das notwendige Gegengewicht zur Euphorie der Verliebten. Er erinnert uns daran, dass der Wald nicht ewig währen kann und dass die Freiheit, die wir dort finden, oft nur geliehen ist.

Touchstone hingegen, der Hofnarr, bringt die Weisheit des Schmutzes und der Realität in die arkadische Idylle. Er verliebt sich nicht in eine ätherische Schönheit, sondern in die Ziegenhirtin Audrey, eine Frau, die mit beiden Beinen fest im Mist steht. Seine Liebe ist nicht von Gedichten an Baumrinden geprägt, sondern von körperlichem Verlangen und der schlichten Notwendigkeit von Gesellschaft. In ihm sehen wir die Demontage der romantischen Ideale. Er erinnert die Zuschauer daran, dass auch im Paradies die Mägen knurren und die Füße vom Wandern weh tun.

Diese beiden Pole – der intellektuelle Weltschmerz des Jacques und der pragmatische Zynismus des Touchstone – rahmen die zentrale Liebesgeschichte ein und bewahren sie davor, in Kitsch abzugleiten. Sie machen das Werk zu einer Studie über die menschliche Natur in all ihrer Widersprüchlichkeit. Wir wollen die große, transzendente Liebe, aber wir sind auch Wesen aus Fleisch und Blut, die sterben werden und deren Rollen auf der Bühne des Lebens oft lächerlich wirken.

Die Rückkehr und die bleibende Verwandlung

Das Ende des Stücks ist eine triumphale Auflösung aller Verwirrungen. Durch einen fast märchenhaften Zufall bekehrt sich der böse Bruder, der rechtmäßige Herzog erhält sein Land zurück, und die Paare finden zueinander. Es ist das klassische Happy End der Komödie, doch es hinterlässt einen seltsamen Nachgeschmack. Denn die Rückkehr an den Hof bedeutet auch die Rückkehr in die alten Rollen. Rosalind legt ihre Männerkleidung ab und wird wieder zur Braut, zur Tochter, zur Untertanin. Die Freiheit des Waldes wird eingetauscht gegen die Sicherheit der Zivilisation.

Doch wer das Stück aufmerksam liest oder sieht, erkennt, dass diese Rückkehr keine einfache Wiederherstellung des Status quo ist. Die Menschen, die aus dem Wald kommen, sind nicht dieselben, die hineingegangen sind. Sie tragen die Erfahrung der Grenzüberschreitung in sich. Sie wissen nun, dass der König auch nur ein Mensch ist, der im Regen nass wird, und dass die Grenzen zwischen Mann und Frau, zwischen Herr und Knecht, weitaus durchlässiger sind, als die Gesetze es wahrhaben wollen.

In einer denkwürdigen Aufführung am Berliner Ensemble vor einigen Jahren wurde dieser Moment der Rückkehr besonders betont. Die Schauspieler standen am Ende in ihren prachtvollen Gewändern da, doch ihre Blicke wanderten immer wieder zurück in die Dunkelheit des Bühnenhintergrunds, dorthin, wo der imaginäre Wald gelegen hatte. Es war eine stille Trauer zu spüren, ein Wissen darum, dass die totale Freiheit nur im Exil möglich ist. In der Zivilisation müssen wir wieder funktionieren, müssen wir wieder die Rollen spielen, die man von uns erwartet.

Das ist die tiefe Relevanz, die as you like it william shakespeare auch heute noch besitzt. Wir leben in einer Zeit der ständigen Selbstoptimierung und der Suche nach Authentizität. Überall wird uns suggeriert, wir müssten unser „wahres Ich“ finden. Doch die Geschichte von Rosalind lehrt uns, dass Authentizität vielleicht gar nicht darin besteht, eine einzige, unveränderliche Wahrheit über sich selbst zu finden, sondern darin, die Vielfalt der Rollen, die wir spielen können, mutig anzunehmen. Wahre Freiheit bedeutet, sich verstellen zu können, um die Wahrheit zu sagen.

Der Wald von Arden ist somit kein geografischer Ort. Er ist ein Zustand des Geistes. Er ist jeder Moment, in dem wir uns erlauben, die Erwartungen anderer beiseite zu schieben und mit unserer Identität zu experimentieren. Er ist das Gespräch in einer Bar um drei Uhr morgens, in dem wir Fremden Dinge gestehen, die wir unseren engsten Freunden nie sagen würden. Er ist der Moment des Reisens, wenn uns in einer fremden Stadt niemand kennt und wir für ein paar Tage jemand völlig anderes sein können.

Wenn der Vorhang fällt, bleibt die Frage im Raum stehen: Wie viel Wald nehmen wir mit in unseren Alltag? Sind wir bereit, die Lektionen der Wildnis in den Palästen unseres Berufs- und Privatlebens anzuwenden? Die Komödie entlässt uns mit einem Lächeln, aber auch mit einer leisen Provokation. Sie lädt uns ein, das Leben nicht als ein starres Schicksal zu begreifen, sondern als ein Spiel, das wir nach unseren eigenen Regeln gestalten können – eben ganz so, wie es uns gefällt.

Am Ende bleibt das Bild von Rosalind, die im Epilog des Stücks direkt zum Publikum spricht. Sie bittet um Applaus, doch sie tut es immer noch in einer Position der Zwischenwelt, weder ganz Figur noch ganz Schauspielerin, weder ganz Frau noch ganz der Junge, der sie auf der Bühne verkörperte. Sie ist die Verkörperung der Ambiguität. In ihren Augen funkelt das Wissen, dass die Welt da draußen zwar ihre Ordnung hat, aber dass wir in unserem Inneren immer ein Stück des wilden, ungezähmten Waldes bewahren können, wenn wir nur den Mut haben, uns ab und zu darin zu verirren.

Der Lärm Londons draußen vor den Mauern des Theaters mag im Jahr 1599 ohrenbetäubend gewesen sein, genau wie der Lärm unserer digitalen Gegenwart heute. Doch für die Dauer einiger Stunden schweigt dieser Lärm. Was bleibt, ist das Flüstern der Blätter und die Erkenntnis, dass wir alle Wanderer sind, die auf der Suche nach einem Ort sind, an dem wir endlich die Masken fallen lassen können – nur um darunter eine neue, vielleicht viel schönere zu entdecken.

Ein Windstoß fegt über die leere Bühne, wirbelt ein paar Blätter auf, die von der Dekoration übrig geblieben sind, und erinnert uns daran, dass der Wald immer da ist, direkt hinter dem Horizont unserer Gewissheiten.