Manche Filme existieren in einer seltsamen Zwischenwelt des kollektiven Gedächtnisses. Sie sind keine gigantischen Blockbuster, die jeder zitiert, aber sie verschwinden auch nicht völlig in der Versenkung. Wenn man heute über die Karriere von Mike Myers spricht, denken die meisten sofort an den grellen Klamauk von Austin Powers oder die grüne Maske von Shrek. Doch wer genau hinsieht, erkennt, dass der eigentliche Wendepunkt seiner künstlerischen Identität und vielleicht sogar das Ende einer ganz bestimmten Ära des Independent-Humors viel früher stattfand. Es war das Jahr 1993, als So I Married An Axe Murderer Movie in den Kinos erschien und kläglich an den Kassen scheiterte. Das Publikum erwartete den nächsten Slapstick-Knaller im Stil von Wayne’s World, bekam aber stattdessen eine melancholische, fast schon neurotische Liebeserklärung an San Francisco, die sich weigerte, eine reine Komödie zu sein.
Ich erinnere mich gut daran, wie dieser Film damals in den Videotheken der Bundesrepublik in den hinteren Regalen verstaubte. Er passte nicht in das Schema der Zeit. Die frühen Neunziger waren geprägt von einer gewissen Plakativität. Humor musste laut sein, er musste grell sein. Doch dieses Werk versuchte etwas anderes. Es mischte Beat-Poetry mit Paranoia und einer zutiefst menschlichen Angst vor Bindung. Es ist die Geschichte eines Mannes, der so viel Angst vor dem Scheitern einer Beziehung hat, dass er sich einredet, seine Freundin sei eine Serienmörderin. Das ist kein billiger Gag. Das ist eine psychologische Studie, verkleidet als Unterhaltungsfilm. Wer heute behauptet, es handele sich dabei nur um eine unbedeutende Fußnote der Filmgeschichte, verkennt die Radikalität, mit der hier das Genre der romantischen Komödie dekonstruiert wurde.
Die unterschätzte Melancholie hinter So I Married An Axe Murderer Movie
Die meisten Menschen sehen in diesem Streifen eine Aneinanderreihung von schrulligen Charakteren. Man lacht über die schottischen Eltern, die natürlich von Myers selbst in einer Art Vorahnung seiner späteren Rollenvielfalt gespielt werden. Aber der Kern der Erzählung liegt woanders. Charlie MacKenzie, der Protagonist, ist ein Mann, der in einer Welt voller Poesie und Cafés lebt, aber unfähig ist, echte Intimität zuzulassen. Seine Angst vor der Axtmörderin ist eine perfekte Metapher für die Bindungsangst der Generation X. Man darf nicht vergessen, dass dies die Ära von Nirvana und der totalen Ironie war. Alles musste mit einer gewissen Distanz betrachtet werden. So I Married An Axe Murderer Movie nahm diese Distanz und machte sie zum eigentlichen Thema des Films.
Es gibt Kritiker, die behaupten, der Film sei tonale Grütze. Er könne sich nicht entscheiden, ob er ein Thriller, eine Satire oder ein Liebesfilm sein wolle. Ich sage: Genau das ist seine Stärke. Das Leben ist nicht in Genres unterteilt. Wenn du jemanden kennenlernst und dich verliebst, fühlst du dich manchmal wie in einem Thriller. Die Unsicherheit, ob der andere wirklich der ist, für den man ihn hält, ist eine universelle Erfahrung. Die Regie von Thomas Schlamme fängt diese Stimmung perfekt ein. Die Kamerafahrten durch das neblige San Francisco erinnern eher an einen Film Noir als an eine Komödie der Neunziger. Es ist diese visuelle Ernsthaftigkeit, die den Film von seinen Zeitgenossen abhebt. Während andere Produktionen auf billige Beleuchtung und flache Kulissen setzten, atmet dieser Film Atmosphäre. Er wirkt teurer und klüger, als er eigentlich sein müsste.
Die Musik spielt dabei eine Rolle, die man kaum überschätzen darf. Der Soundtrack ist ein Kuriosum für sich. Mit Bands wie The La’s oder den Boo Radleys wurde hier ein Sound definiert, der weit über den Film hinausreichte. Es war der Klang der aufkommenden Britpop-Welle, der hier auf amerikanische Neurosen traf. Man spürt in jeder Szene, dass die Macher mehr wollten, als nur Leute zum Lachen zu bringen. Sie wollten ein Lebensgefühl einfangen. Wenn Charlie seine Gedichte in verrauchten Kellern vorträgt, ist das zwar eine Parodie auf die Hipster-Kultur jener Tage, aber es steckt auch eine echte Sehnsucht darin. Es ist die Sehnsucht nach Bedeutung in einer Welt, die immer oberflächlicher wurde.
Der Kampf gegen die Erwartungshaltung des Massengeschmacks
Man muss sich vor Augen führen, in welchem Kontext dieser Film produziert wurde. Mike Myers war nach dem Erfolg von Wayne’s World der Goldjunge von Hollywood. Die Studios wollten mehr davon. Sie wollten „Excellent!“ und „Party on!“. Myers jedoch wollte etwas anderes. Er wollte zeigen, dass er mehr kann als nur Perücken zu tragen und in die Kamera zu starren. Er kämpfte Berichten zufolge am Set massiv um die kreative Kontrolle. Dieser interne Konflikt ist im fertigen Produkt spürbar. Es ist ein zerfurchter Film, einer mit Ecken und Kanten. Skeptiker werfen oft ein, dass genau diese Uneinheitlichkeit das Scheitern an den Kinokassen erklärte. Die Leute wollten einfache Kost. Sie bekamen ein kompliziertes Gericht, das nach Bitterschokolade schmeckte, obwohl sie Milchschokolade bestellt hatten.
Aber ist kommerzieller Misserfolg ein Beleg für mangelnde Qualität? Im Gegenteil. Oft sind es gerade die Filme, die anfangs durchfallen, die später zu Kultklassikern reifen, weil sie ihrer Zeit voraus waren. Dieser Film nahm den Trend zum Meta-Humor vorweg, der erst Jahre später durch Formate wie Arrested Development oder 30 Rock massentauglich wurde. Er verlangte vom Zuschauer, dass er die Anspielungen versteht, ohne dass sie ihm mit dem Vorschlaghammer präsentiert werden. Das ist eine Form von Respekt gegenüber dem Publikum, die man heute in großen Produktionen schmerzlich vermisst. Man traute den Menschen damals zu, die Absurdität eines schottischen Vaters zu genießen, der Verschwörungstheorien über das „The Lads“ Magazin verbreitet, während im Hintergrund eine ernsthafte Romanze abläuft.
Ein weiterer Punkt, der oft übersehen wird, ist die darstellerische Leistung von Nancy Travis. In den meisten Komödien dieser Zeit waren die weiblichen Hauptrollen reine Stichwortgeberinnen. Travis hingegen spielt Harriet mit einer solchen Mischung aus Charme und Bedrohung, dass man als Zuschauer tatsächlich beginnt, an Charlies Verstand zu zweifeln. Ist sie die Mörderin? Oder ist er einfach nur verrückt? Diese Ambivalenz wird bis fast zum Schluss aufrechterhalten. Das erfordert ein Timing, das weit über das bloße Abspulen von Pointen hinausgeht. Es ist ein Tanz auf dem Drahtseil zwischen Romantik und Wahnsinn.
Die kulturelle Erbschaft eines missverstandenen Meisterwerks
Wenn man heute durch San Francisco geht, wirkt vieles von dem, was im Film gezeigt wird, wie eine ferne Erinnerung an ein längst vergangenes Zeitalter. Die Gentrifizierung hat die kleinen Cafés und die rätselhaften Buchläden verdrängt. Aber das Gefühl, das der Film vermittelt, ist geblieben. Es ist dieses Gefühl von Unsicherheit in einer sich ständig verändernden Welt. In Deutschland wurde das Werk oft unter dem Titel „Liebling, hältst du mal die Axt?“ vermarktet, was ein schwerer Fehler war. Dieser Titel suggeriert eine platte Slapstick-Klamotte, was dem Werk in keiner Weise gerecht wird. Es nahm die Ernsthaftigkeit der deutschen Romantik und kreuzte sie mit amerikanischem Neurotizismus.
Man kann argumentieren, dass ohne diesen Film die spätere Karriere von Myers nicht möglich gewesen wäre. Er musste scheitern, um zu erkennen, dass er seine Obsessionen – die schottische Herkunft, die Liebe zum Absurden, die Parodie von Spionage-Elementen – in einem anderen Rahmen präsentieren musste. Aber So I Married An Axe Murderer Movie bleibt das reinere Werk. Es ist nicht so kalkuliert wie die späteren Hits. Es wirkt fast so, als hätten hier ein paar Freunde einen sehr teuren Insider-Witz gedreht, der zufällig auch noch verdammt gut aussieht. Das ist eine Form von Freiheit, die es im heutigen Studiosystem kaum noch gibt. Alles wird heute durch Test-Screenings und Algorithmen geglättet. Damals durfte ein Film noch seltsam sein.
Die Bedeutung dieses Werks liegt nicht in seinen Einspielergebnissen, sondern in seiner Beständigkeit. Er wird immer wieder entdeckt. Jede neue Generation von Filmfans stößt irgendwann auf diesen seltsamen Hybrid und stellt fest: Hey, das ist ja eigentlich ein richtig guter Film. Er bietet eine Tiefe, die man beim ersten Schauen gar nicht voll erfassen kann. Die Dialoge sind so präzise geschrieben, dass sie auch nach dreißig Jahren nichts von ihrer Frische verloren haben. Das liegt daran, dass sie sich nicht auf kurzlebige Moden stützen, sondern auf menschliche Schwächen, die zeitlos sind. Eifersucht, Paranoia, der Wunsch nach Liebe und die gleichzeitige Panik davor – das sind Themen, die niemals alt werden.
Wir müssen aufhören, Qualität mit Massentauglichkeit gleichzusetzen. In einer Welt, in der alles für die Mitte optimiert wird, ist das Sperrige das eigentlich Wertvolle. Dieser Film ist sperrig. Er passt in keine Schublade, und genau deshalb steht er auch heute noch wie ein Fels in der Brandung des seichten Humors. Er erinnert uns daran, dass es okay ist, Angst zu haben. Dass es okay ist, ein bisschen verrückt zu sein. Und dass die Suche nach dem Partner fürs Leben manchmal eben doch ein wenig an einen Horrorfilm erinnert.
Wer den Mut besitzt, sich auf die unkonventionelle Struktur einzulassen, wird mit einer Erfahrung belohnt, die weit über das übliche Popcorn-Kino hinausgeht. Es ist ein Plädoyer für die Akzeptanz der eigenen Macken und der Macken des Partners. Dass dies in einer Zeit geschah, in der das perfekte Image alles war, macht das Ganze nur noch bemerkenswerter. Die eigentliche Axt, die hier geschwungen wird, ist die der Ehrlichkeit gegenüber den eigenen Ängsten. Man kann sich hinter Witzen verstecken, man kann Gedichte schreiben, aber am Ende muss man sich der Realität stellen – egal wie bedrohlich sie wirkt.
Wahre Kunst erkennt man daran, dass sie sich gegen die erste Einordnung wehrt. Dieser Film hat sich drei Jahrzehnte lang dagegen gewehrt, einfach nur als „die andere Komödie mit Mike Myers“ abgestempelt zu werden. Er ist ein Dokument eines Übergangs, ein filmisches Manifest für alle, die sich in einer lauten Welt nach den leisen, schrägen Tönen sehnen. Wir sollten dankbar sein, dass es solche Unfälle der Filmgeschichte gibt, denn sie sind es, die das Medium am Leben erhalten. Am Ende bleibt nicht der Lacher über den dicken Jungen mit dem riesigen Kopf in Erinnerung, sondern das Bild eines Mannes, der im Nebel von San Francisco steht und hofft, dass die Liebe ihn nicht umbringt.
Die wahre Gefahr im Leben ist nicht die Frau mit der Axt, sondern die Unfähigkeit, die Maske der Ironie jemals abzunehmen.
