Manche Filme altern wie ein guter schottischer Single Malt, andere wiederum wie eine offene Tüte Milch in der kalifornischen Sonne. Wenn man heute über die romantische Komödie der frühen Neunziger spricht, fällt oft ein Titel, der in Fan-Foren fast schon religiös verehrt wird. Die Rede ist von So I Married An Ax Murderer, einem Werk, das 1993 kläglich an den Kinokassen scheiterte, nur um Jahre später im Heimkino-Segment eine zweite Auferstehung zu feiern. Doch wer diesen Film heute als visionäres Meisterwerk der Postmoderne verklärt, übersieht die bittere Realität seiner Entstehung und die eigentliche Botschaft, die tief im überdrehten schottischen Akzent von Mike Myers vergraben liegt. Es geht hier nicht um eine charmante Liebesgeschichte mit Krimi-Elementen. Es geht um das Scheitern einer ganzen Generation von Comedians an ihrem eigenen Ego und der Unfähigkeit Hollywoods, die Grenze zwischen Parodie und Belanglosigkeit zu finden.
Die landläufige Meinung besagt, dass dieser Streifen seiner Zeit einfach voraus war. Man behauptet, das Publikum wäre noch nicht bereit gewesen für die Mischung aus Beat-Poesie, Paranoia und schwarzem Humor. Das halte ich für eine bequeme Ausrede. Wenn wir die Fakten betrachten, sehen wir ein Projekt, das unter der Last seiner eigenen Unentschlossenheit zerbrach. Das ursprüngliche Drehbuch von Robbie Fox war wesentlich düsterer, eine echte schwarze Komödie, die das Thema Bindungsangst radikal zu Ende dachte. Was wir am Ende bekamen, war ein verwässertes Vehikel für Myers, der gerade erst den Erfolg von Wayne’s World im Rücken hatte und nun verzweifelt versuchte, als romantischer Hauptdarsteller ernst genommen zu werden, während er gleichzeitig in Slapstick-Rollen flüchtete.
Die missverstandene Architektur von So I Married An Ax Murderer
Wenn man die Struktur dieser Produktion analysiert, erkennt man schnell das fundamentale Problem der Tonalität. Der Film versucht, drei Dinge gleichzeitig zu sein: ein Hitchcock-Thriller, eine romantische Komödie und eine Sketch-Show. In der Filmtheorie nennen wir das oft ein Identitätsproblem. Das Werk von Regisseur Thomas Schlamme leidet darunter, dass die Hauptfigur Charlie Mackenzie eigentlich eine zutiefst unsympathische Person ist. Er ist ein Narzisst, der seine Unfähigkeit zur Intimität hinter schlechten Gedichten und absurden Verschwörungstheorien versteckt. Dass die Zuschauer ihn dennoch ins Herz schlossen, liegt weniger an der Qualität des Skripts als vielmehr an der kollektiven Sehnsucht nach den bunten, unschuldigen Neunzigern.
Ein Blick hinter die Kulissen offenbart die Reibungspunkte, die das Endprodukt prägten. Myers, bekannt für seine obsessiven Arbeitsmethoden, soll das Set dominiert haben. Die Entscheidung, auch den Vater der Hauptfigur zu spielen, war kein Geniestreich der Charakterdarstellung, sondern ein Rückfall in gewohnte Muster. Es entzieht der Geschichte die Erdung. Jedes Mal, wenn die Spannung zwischen Charlie und Harriet – gespielt von einer damals unterforderten Nancy Travis – Fahrt aufnimmt, wird sie durch eine überdrehte Einlage im elterlichen Wohnzimmer unterbrochen. Das zerstört den narrativen Rhythmus. Es ist, als würde man während einer Herzoperation plötzlich anfangen, Witze über die Größe von Kopfhörern zu machen.
Das Paradoxon der Bindungsangst
Die eigentliche Stärke, die Kritiker heute oft loben, ist die Darstellung der Paranoia. Charlie glaubt, seine neue Ehefrau sei eine berüchtigte Mörderin. In einer Zeit, in der das Internet noch in den Kinderschuhen steckte, war diese Form der Informationsbeschaffung und die daraus resultierende Hysterie durchaus interessant. Aber der Film traut sich nicht, die Konsequenzen zu ziehen. Er nutzt die Angst nur als Pointen-Lieferant. Anstatt die psychologischen Abgründe eines Mannes zu beleuchten, der lieber eine Mörderin heiratet, als sich einzugestehen, dass er einfach nur Angst vor dem Alltag hat, flüchtet sich die Erzählung in ein albernes Finale auf einem verregneten Hotel-Dachboden.
Interessanterweise zeigt die Rezeption in Europa, speziell im deutschsprachigen Raum, ein anderes Bild. Während die US-Kritiker den Film gnadenlos zerrissen, entwickelte sich hierzulande eine Art ironische Distanz. Man nahm den Film nicht als Thriller wahr, sondern als Karikatur des amerikanischen Neurotikers. Das ist die einzige Ebene, auf der das Ganze wirklich funktioniert. Wenn wir Charlie als eine Warnung begreifen – als das Mahnmal eines Mannes, der so sehr in seiner eigenen Welt aus Referenzen und Pointen lebt, dass er die Realität nicht mehr von einem B-Movie unterscheiden kann.
Warum So I Married An Ax Murderer heute als Warnung dient
In der Rückschau wird deutlich, dass dieses Projekt den Anfang vom Ende einer bestimmten Ära der Hollywood-Komödie markierte. Es war der Moment, in dem die Stars mächtiger wurden als die Geschichten, die sie erzählten. Man verließ sich auf die Zugkraft eines Gesichts, anstatt auf die Konsistenz der Handlung. Wer heute behauptet, So I Married An Ax Murderer sei ein unterschätztes Juwel, verwechselt Nostalgie mit Qualität. Die Witze über die Größe des Kopfes seines Bruders oder die endlose Wiederholung schottischer Klischees sind heute kaum mehr als Artefakte einer Zeit, in der man glaubte, Lautstärke könne Substanz ersetzen.
Skeptiker werden nun einwenden, dass der Soundtrack von Künstlern wie The La’s oder Spin Doctors den Zeitgeist perfekt eingefangen hat. Das stimmt. Die Musik ist hervorragend. Aber ein guter Soundtrack macht noch keinen guten Film. Er ist oft nur das Parfüm, das den Geruch eines verwesenden Drehbuchs überdecken soll. Wenn man die Musik wegnimmt, bleibt ein zähes Etwas übrig, das zwischen Slapstick und echtem Grauen schwankt, ohne jemals irgendwo anzukommen. Die Branche lernte daraus. In den folgenden Jahren wurden Komödien entweder viel billiger und direkter oder viel ambitionierter und klarer in ihrer Ausrichtung.
Ich erinnere mich an ein Gespräch mit einem Programmkino-Betreiber in Berlin, der mir sagte, dass er den Film nur noch zeigt, weil die Leute die Texte mitsprechen können. Das ist der Status eines Kultfilms: Er wird zum Ritual, bei dem es nicht mehr um den Inhalt geht, sondern um die gemeinsame Erinnerung an eine Zeit, in der alles einfacher schien. Aber als investigativer Beobachter der Popkultur muss ich sagen, dass diese Verklärung gefährlich ist. Sie führt dazu, dass wir Mittelmäßigkeit belohnen, solange sie nur alt genug ist. Wir sollten aufhören, Fehler der Vergangenheit als absichtliche Stilmittel umzudeuten.
Die Mechanismen des Kult-Status
Wie entsteht dieser Status überhaupt? Es ist ein künstlicher Prozess. Wenn ein Film im Kino floppt, gibt es oft eine Gruppe von Menschen, die sich das Werk aneignen, um sich vom Mainstream abzugrenzen. Bei der Geschichte um Charlie und Harriet passierte genau das. Man wollte den Humor verstehen, den der Rest der Welt angeblich ignorierte. Doch wenn man die Schichten der Ironie abträgt, bleibt ein zutiefst unsicherer Film übrig. Die Regiearbeit von Schlamme, der später mit The West Wing Fernsehgeschichte schrieb, wirkt hier fast schon amateurhaft unentschlossen. Er wusste offensichtlich nicht, wie er Mike Myers bändigen sollte.
Die Wahrheit ist oft weniger schmeichelhaft als die Legende. Der Film war ein Experiment, das schiefgegangen ist. Er versuchte, die Coolness von San Francisco mit dem Humor von Saturday Night Live zu kreuzen und scheiterte an den eigenen Ambitionen. Dass wir heute noch darüber reden, liegt an der schieren Präsenz von Myers in der damaligen Zeit, nicht an der Brillanz der Inszenierung. Es ist die Anatomie eines Unfalls, den man sich immer wieder in Zeitlupe ansieht, in der Hoffnung, diesmal etwas anderes zu entdecken als nur zerbrochenes Blech und verpuffte Energie.
Man kann die Brillanz einzelner Szenen nicht leugnen, wie etwa den Auftritt von Phil Hartman als Museumswärter „Vicky“. Aber diese Momente existieren in einem Vakuum. Sie sind wie Perlen, die auf eine Schnur aus nasser Pappe gefädelt wurden. Sobald man versucht, das Ganze als eine Einheit zu betrachten, reißt die Konstruktion. Ein guter Film benötigt eine innere Logik, die über den nächsten Lacher hinausgeht. Hier wird die Logik ständig der nächsten Pointe geopfert, was dazu führt, dass die Bedrohung durch die vermeintliche Axtmörderin nie wirklich greifbar wird. Es bleibt ein Spiel ohne Einsatz.
Man muss den Mut haben, die Dinge beim Namen zu nennen, auch wenn es die Gefühle derer verletzt, die mit diesem Film aufgewachsen sind. Die Qualität eines Kunstwerks bemisst sich nicht an der Anzahl der Memes, die es Jahrzehnte später inspiriert, sondern an seiner Fähigkeit, eine Geschichte wahrhaftig zu erzählen. In diesem Punkt versagt das Werk auf ganzer Linie. Es ist eine Aneinanderreihung von Sketchen, die verzweifelt versuchen, ein Herz zu simulieren, das sie gar nicht haben.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass die Verehrung dieses Films mehr über unsere heutige Sehnsucht nach einer vermeintlich authentischen Vergangenheit aussagt als über den Film selbst. Wir klammern uns an die schrägen Vögel der Neunziger, weil die heutige Comedy-Landschaft oft zu glattgebügelt wirkt. Aber das macht ein unfertiges, widersprüchliches Produkt nicht automatisch zu einem verkannten Klassiker. Wir sollten den Film als das betrachten, was er ist: Eine interessante Fehlkonstruktion, die uns daran erinnert, dass selbst große Talente an ihrer eigenen Eitelkeit scheitern können, wenn niemand da ist, der ihnen die Schere aus der Hand nimmt.
Wahre Qualität braucht keine Entschuldigungen durch den Faktor Zeit, sondern besteht aus der Substanz, die auch ohne die Krücke der Nostalgie aufrecht stehen kann.
