the getaway red hot chili

Wer im Juni 2016 die Nadel auf das Vinyl legte oder den Play-Button drückte, merkte sofort, dass etwas anders war. Kein krachendes Slap-Bass-Gewitter von Flea eröffnete die Platte, sondern ein eher unterkühlter, fast schon schüchterner Groove. Das elfte Studioalbum The Getaway Red Hot Chili Peppers markierte den Moment, in dem die Band aus Los Angeles ihre Komfortzone nicht nur verließ, sondern sie eigenhändig in Brand steckte. Nach über zwei Jahrzehnten der Zusammenarbeit mit dem bärtigen Guru Rick Rubin suchten die Musiker nach einer neuen Identität. Sie fanden sie in der Zusammenarbeit mit Brian Burton, besser bekannt als Danger Mouse.

Ein radikaler Bruch mit der eigenen Tradition

Die Entscheidung, Rubin nach Hits wie Blood Sugar Sex Magik oder Californication den Laufpass zu geben, war ein Schock für die Szene. Rick Rubin lässt Bands meistens einfach das sein, was sie ohnehin sind, nur in einer sehr polierten Version. Danger Mouse hingegen ist ein Produzent, der aktiv in das Songwriting eingreift. Er verlangte von der Band, Songs direkt im Studio zu schreiben, anstatt mit fertigen Demos anzukommen. Das Ergebnis ist ein Klangbild, das viel mehr nach dem modernen Indie-Rock der 2010er Jahre klingt als nach dem Funk-Explosionen der 80er.

Josh Klinghoffer stand bei dieser Produktion im Zentrum des Sturms. Er hatte die undankbare Aufgabe, John Frusciante zu ersetzen, was Fans ihm ohnehin nie ganz verziehen. Auf dieser Platte durfte er jedoch endlich mehr sein als nur ein Platzhalter. Seine Gitarrenarbeit ist hier atmosphärisch, oft mit viel Hall belegt und weniger auf bluesige Solos ausgelegt. Das nervte die Puristen. Wer den typischen Chili-Peppers-Sound der Stadion-Ära suchte, fühlte sich vor den Kopf gestoßen. Wer aber Lust auf Texturen und melancholische Untertöne hatte, bekam hier eines der spannendsten Alben der Bandgeschichte geliefert.

Der Einfluss von Danger Mouse

Brian Burton brachte eine Ästhetik mit, die man eher von den Black Keys oder Gnarls Barkley kannte. Er liebt trockene Drums und orchestrale Synthesizer-Flächen. Anthony Kiedis musste seine Texte oft an die Melodien anpassen, die Burton im Kopf hatte. Das sorgte für eine gewisse Reibung. Man hört dem Album an, dass hier zwei Welten aufeinanderprallen. Einerseits der unbändige Bewegungsdrang von Flea, andererseits die kühle Präzision der Produktion.

Die Rolle von Nigel Godrich

Ein oft übersehener Faktor ist der Mix von Nigel Godrich. Der Mann, der sonst den Sound von Radiohead prägt, gab der Platte den letzten Schliff. Er sorgte dafür, dass die Instrumente nicht einfach nur nebeneinander existieren, sondern ineinanderfließen. Die Bässe sind tief, aber nie matschig. Die Stimme von Kiedis klingt intimer als je zuvor. Man hat das Gefühl, direkt neben dem Mikrofon zu stehen, während er über verflossene Lieben und die Einsamkeit in der Stadt der Engel singt.

Warum The Getaway Red Hot Chili Peppers eine neue Ära einläutete

Man muss die Bedeutung dieses Werks im Kontext der Diskografie verstehen. Es war der Versuch, die Relevanz in einer Zeit zu behaupten, in der Rockmusik im Radio kaum noch eine Rolle spielte. Durch die Integration von elektronischen Elementen und Klavierpassagen zeigten sie, dass sie keine Nostalgie-Band sein wollen. Der Titelsong selbst ist ein perfektes Beispiel für diesen Wandel. Der Rhythmus ist minimalistisch, fast schon mechanisch, bevor der Refrain sich wie eine Blume öffnet.

Ehrlicherweise war es mutig. Bands in dieser Größenordnung neigen dazu, ihre eigene Formel bis zum Erbrechen zu wiederholen. Die Peppers hätten problemlos ein drittes Stadium Arcadium aufnehmen können. Stattdessen entschieden sie sich für Experimente. Songs wie Go Robot klingen fast schon nach Disco der späten 70er Jahre. Das ist meilenweit entfernt von dem Crossover-Sound, der sie in den 90ern groß machte. Aber genau das macht die Platte so wertvoll. Sie ist ein Dokument des Suchens.

Die Texte von Anthony Kiedis

Kiedis war zum Zeitpunkt der Aufnahmen über 50. Die wilden Tage der Socken-Auftritte lagen weit zurück. In Stücken wie Dark Necessities reflektiert er über seine dunklen Seiten, ohne dabei in Klischees zu verfallen. Es geht um die Akzeptanz des eigenen Schattens. Er singt nicht mehr nur über Sex und Kalifornien, sondern über das Altern und die Erkenntnis, dass man manche Fehler immer wieder macht. Diese Verletzlichkeit steht der Band gut zu Gesicht.

Musikalische Highlights und Tiefpunkte

Nicht jeder Schuss auf der Platte sitzt. Ticonderoga wirkt beispielsweise etwas zerfahren und versucht krampfhaft, die alte Aggressivität mit dem neuen Sound zu verheiraten. Das gelingt nur bedingt. Auf der anderen Seite steht The Longest Wave, eine Ballade, die zu den schönsten gehört, die Flea je mitgeschrieben hat. Das Zusammenspiel zwischen Bass und Gitarre ist hier so filigran, dass man die Augen schließen und versinken kann. Chad Smith hält sich bei diesen Songs merklich zurück. Sein Schlagzeugspiel ist songdienlich und verzichtet auf unnötige Fills, was dem Gesamtklang eine enorme Ruhe verleiht.

Die technische Seite der Produktion

Wer sich für die Details hinter den Kulissen interessiert, findet auf der offiziellen Seite der Band oft spannende Einblicke in die Studioarbeit. Die Aufnahmen fanden in den Sound Factory Studios in Los Angeles statt. Dort wurden die analogen Wurzeln der Band mit modernster Digitaltechnik kombiniert. Es ist faszinierend zu sehen, wie sehr sich die Arbeitsweise von den Sessions zu Californication unterscheidet.

Früher probten sie monatelang in einem alten Haus, bis jeder Ton saß. Dieses Mal war alles im Fluss. Danger Mouse fungierte fast wie ein fünftes Bandmitglied. Er spielte oft selbst Keyboard-Parts ein, um die Richtung vorzugeben. Das führte dazu, dass Flea zeitweise frustriert war, weil er seine Rolle als musikalischer Direktor abgeben musste. Letztlich akzeptierte er die Herausforderung jedoch. Er nahm sogar Klavierunterricht, um seinen Horizont zu erweitern. Diese neue Disziplin hört man jedem Takt an.

Sounddesign und Schichtung

Die Songs auf diesem Album bestehen aus vielen Schichten. Es gibt kleine Glockenspiel-Sounds, versteckte Synthesizer und mehrstimmige Gesänge, die man erst beim dritten oder vierten Hören entdeckt. Das ist ein krasser Gegensatz zu der „Plug-and-Play“-Mentalität früherer Tage. Besonders deutlich wird das bei Sick Love, einem Song, an dem sogar Elton John mitgewirkt hat. Das Klavier-Interlude ist klassisch Elton, fügt sich aber so organisch in den Vibe ein, dass es nie wie ein billiger Gastauftritt wirkt.

Die Bedeutung für die Live-Shows

Live funktionierten die neuen Songs überraschend gut. Die Band integrierte Tracks wie Goodbye Angels fest in ihre Setlist. Das Outro dieses Songs ist ein Paradebeispiel für die Energie, die trotz der polierten Produktion immer noch in den Musikern steckt. Wenn Flea dort zum Solo ansetzt, bebt die Arena. Es beweist, dass die Essenz der Gruppe nicht an einen bestimmten Produzenten gebunden ist. Sie können sich verwandeln, ohne ihr Herz zu verlieren.

Man darf nicht vergessen, dass diese Phase auch das Ende der Ära Klinghoffer markierte. Wenige Jahre nach der Tour zum Album kehrte John Frusciante zurück. Das macht das Werk heute zu einer Art Kapsel. Es zeigt eine alternative Realität der Band auf. Eine Realität, in der sie moderner, kühler und vielleicht auch ein Stück weit intellektueller klangen.

Rezeption und Kritik in Deutschland

In Deutschland kam das Album sehr gut an und erreichte direkt Platz eins der Charts. Die hiesigen Kritiker lobten vor allem die klangliche Erneuerung. Das Magazin Rolling Stone hob hervor, dass die Band endlich aufgehört habe, ihre eigene Legende zu kopieren. Es gab jedoch auch Stimmen, denen der Druck fehlte. Viele Fans der ersten Stunde vermissten die rohe Gewalt der Funk-Nummern.

Man muss hier ehrlich sein: Wer nur auf Headbanging aus ist, wird mit dieser Platte nicht glücklich. Sie erfordert Aufmerksamkeit. Man muss sich auf die Melancholie einlassen. In Europa wurde dieser Ansatz oft besser verstanden als in den USA, wo die Fans stärker an den alten Radio-Formeln hängen. Hierzulande schätzt man die künstlerische Weiterentwicklung oft mehr als die bloße Wiederholung von Erfolgskonzepten.

Der kommerzielle Erfolg

Trotz der stilistischen Wende war das Album ein weltweiter Erfolg. Es verkaufte sich millionenfach und sicherte der Band Headliner-Slots auf den größten Festivals der Welt, vom Pinkpop bis zum Rock am Ring. Das zeigt, dass die Marke Red Hot Chili Peppers stark genug ist, um auch radikale Änderungen am Produkt zu überstehen. Die Leute kaufen nicht nur einen Sound, sie kaufen das Lebensgefühl, das diese vier Männer verkörpern. Auch wenn dieses Lebensgefühl 2016 ein bisschen nachdenklicher und weniger testosteron-gesteuert war.

Die Langlebigkeit der Songs

Heute, fast ein Jahrzehnt später, haben viele Songs des Albums den Test der Zeit bestanden. Dark Necessities ist ein moderner Klassiker geworden, der bei Streaming-Diensten astronomische Abrufzahlen erreicht. Es ist einer der wenigen Songs der Klinghoffer-Ära, die auch nach der Rückkehr von Frusciante im kollektiven Gedächtnis geblieben sind. Das spricht für die Qualität des Songwritings. Ein guter Song braucht keinen bestimmten Gitarristen, er braucht eine Seele. Und die hat dieses Album zweifellos.

Was man als Fan heute tun kann

Wenn du das Album lange nicht gehört hast, solltest du es dir noch einmal unter Kopfhörern gönnen. Achte auf die Details im Hintergrund. Es ist kein Album für den Hintergrund beim Kochen. Es ist ein Album für eine Nachtfahrt auf der Autobahn. Die Atmosphäre entfaltet sich am besten, wenn man sich auf die Reise einlässt, die die Musiker damals angetreten sind.

The Getaway Red Hot Chili Peppers bleibt ein faszinierendes Stück Musikgeschichte. Es ist das Porträt einer Band, die keine Angst vor dem Scheitern hatte. Sie wollten nicht die „Greatest Hits“-Band sein, die nur ihre alten Kamellen spielt. Sie wollten relevant bleiben. Und genau das haben sie geschafft. Auch wenn sie danach wieder zu Rubin und Frusciante zurückkehrten, bleibt dieses Werk ein wichtiger Beweis für ihre Wandlungsfähigkeit.

1. Besorg dir die Vinyl-Pressung, wenn du auf Dynamik stehst. Der digitale Mix ist etwas komprimiert, aber auf Platte atmet die Musik deutlich mehr.
2. Schau dir die Musikvideos an, insbesondere das zu Dark Necessities. Es fängt den Vibe der Platte perfekt ein: Skateboarden, Freiheit und eine Prise Melancholie.
3. Vergleiche die Songs mit dem Nachfolger Unlimited Love. Du wirst merken, wie viel Einfluss Danger Mouse wirklich hatte. Die Unterschiede in der Struktur sind gewaltig.
4. Lies die Interviews mit Josh Klinghoffer aus dieser Zeit. Er erklärt dort sehr detailliert, wie er seine Effektpedale eingesetzt hat, um diese speziellen Texturen zu erzeugen.

Man kann von der Produktion halten, was man will, aber eines ist sicher: Langweilig ist dieses Album nie. Es ist ein mutiger Schritt in der Karriere einer der größten Rockbands aller Zeiten. Wer es als bloßen Pop-Ausflug abtut, hat nicht genau hingehört. Es ist ein vielschichtiges, emotionales und klanglich brillantes Werk, das seinen Platz im Regal jedes Musikliebhabers verdient hat. Die Kombination aus kalifornischer Sonne und der kühlen Ästhetik von Danger Mouse ergibt eine Mischung, die es so wohl nie wieder geben wird. Nutze die Gelegenheit, diese Phase der Band neu zu entdecken. Es lohnt sich wirklich, hinter die Fassade der glatten Produktion zu blicken und die musikalische Substanz freizulegen, die in jedem dieser 13 Songs steckt. Letztlich ist Musik immer auch eine Zeitkapsel, und diese hier führt uns zurück in einen Sommer, in dem eine legendäre Band beschloss, alles auf eine Karte zu setzen und sich neu zu erfinden. Das verdient Respekt, egal welchen Gitarristen man am Ende bevorzugt. Es geht um das große Ganze, um die Chemie zwischen vier Menschen, die seit Jahrzehnten zusammenbleiben, obwohl die Welt um sie herum sich ständig dreht. Und das ist das eigentliche Wunder hinter dieser Aufnahme.