Das Radio im Supermarkt spielt einen vertrauten Rhythmus, die Füße wippen mit, und plötzlich erstarrt das Lächeln, wenn die Erkenntnis einsetzt, wer da eigentlich gerade die akustische Hoheit über den Gang mit den Backwaren gepachtet hat. Es herrscht der weitverbreitete Glaube, dass Kunst und Künstler in einer säuberlichen Trennung existieren können oder dass wir durch bloßes Ignorieren die dunklen Flecken der Popgeschichte tilgen. Doch die Realität sieht anders aus, denn Gary Glitter Do You Wanna Touch ist nicht nur ein Relikt der Glam-Rock-Ära, sondern ein Paradebeispiel für das Versagen unserer modernen Filterblasen, wenn es um moralisch kontaminierte Kulturgüter geht. Wir glauben, wir hätten die Kontrolle darüber, was wir konsumieren, dabei sitzen die Hooks der siebziger Jahre tiefer im kollektiven Bewusstsein, als uns lieb ist. Es ist ein Irrtum zu denken, dass ein moralisches Urteil die physikalische Präsenz eines Hits auslöschen kann. Die klangliche Signatur ist da, sie bleibt, und sie zwingt uns zu einer Auseinandersetzung, die weit über das bloße Wegschalten hinausgeht.
Die Illusion der kulturellen Reinigung
Die Geschichte der Popmusik ist voll von Gestalten, die man heute lieber aus den Annalen streichen würde, doch die Architektur unserer Unterhaltungsindustrie macht das nahezu unmöglich. Wenn man sich die mechanische Effizienz anschaut, mit der Hits damals produziert wurden, versteht man das Problem. Es ging um maximale Eingängigkeit, um stampfende Beats, die in jedem Stadion der Welt funktionierten. Ich erinnere mich an Gespräche mit Tontechnikern, die diese Ära miterlebten; sie beschreiben eine Zeit, in der Klang wichtiger war als Charakter. Das System war darauf ausgelegt, Ikonen zu schaffen, die größer als das Leben selbst waren, ohne Rücksicht auf die psychologischen Abgründe hinter der Maske aus Glitzer und Plateauschuhen.
Diese künstlich aufgepumpten Identitäten sind heute unser Problem. Ein Werk wie Gary Glitter Do You Wanna Touch verschwindet nicht einfach, weil wir den Urheber rechtmäßig verachten. Die Lizenzgebühren fließen vielleicht nicht mehr in die Taschen des Täters, aber die Melodie ist in die DNA der Popkultur eingegangen. Sie taucht in Werbespots auf, wird von anderen Bands gecovert, die sich der Last der Geschichte nicht bewusst sind, oder schallt durch Sportarenen, wo die Masse den Refrain mitgrölt, ohne eine Sekunde an die dunkle Seite der Medaille zu denken. Es ist eine unangenehme Wahrheit, dass wir die Ästhetik von der Ethik nicht so leicht scheiden können, wie wir es uns in unseren sozialen Netzwerken gegenseitig versichern.
Der Mechanismus der Entkopplung
Oft hört man das Argument, man müsse das Werk vom Künstler trennen. Das klingt in der Theorie logisch, fast schon akademisch sauber. In der Praxis ist es jedoch eine Schutzbehauptung. Wir wollen den Genuss nicht verlieren. Wenn wir sagen, die Musik sei gut, obwohl der Mensch dahinter monströs ist, erschaffen wir eine moralische Grauzone, die uns erlaubt, weiterhin zum Beat zu nicken. Diese Entkopplung ist jedoch ein Trugschluss. Die Energie, die Aggressivität und die sexuelle Provokation, die in diesen Aufnahmen stecken, waren immer Teil der Persona, die später kollabierte. Es gibt keine neutrale Musik in diesem Kontext. Alles ist Aufladung, alles ist Inszenierung. Wer glaubt, die Musik sei unschuldig, verkennt die manipulative Kraft der Pop-Produktion dieser Jahre.
Gary Glitter Do You Wanna Touch und die Ohnmacht der Zensur
Versuche, bestimmte Lieder komplett aus dem öffentlichen Raum zu verbannen, scheitern meist an der schieren Masse der Verbreitungswege. In Deutschland gab es immer wieder Debatten darüber, welche Inhalte im öffentlich-rechtlichen Rundfunk noch vertretbar sind. Doch im Zeitalter der Streaming-Dienste ist eine zentrale Steuerung unmöglich geworden. Die Algorithmen unterscheiden nicht zwischen Gut und Böse; sie unterscheiden nur zwischen hoher und niedriger Klickrate. Wenn ein Song mathematisch gesehen perfekt konstruiert ist, um die Aufmerksamkeit des Hörers zu halten, wird er ausgespielt. Die Technik ist amoralisch. Das stellt uns vor die Frage, wie wir als Gesellschaft mit diesem akustischen Erbe umgehen, das uns ständig an Dinge erinnert, die wir lieber vergessen würden.
Man kann die Geschichte nicht umschreiben, indem man die Tonbänder verbrennt. Die Wirkung dieser speziellen Ära auf die nachfolgenden Generationen von Musikern war gigantisch. Bands wie Oasis oder die Hard-Rock-Größen der achtziger Jahre saugten diesen Sound auf wie ein Schwamm. Wenn wir also den Ursprung entfernen wollen, müssten wir ganze Zweige der Musikgeschichte kappen. Das ist das Dilemma des investigativen Blicks auf die Branche: Man findet überall Verbindungen, die man lieber nicht sehen würde. Die Reinheit, nach der wir suchen, existiert in der Kunst nicht. Es ist alles ein Schmelztiegel aus Genie und Wahnsinn, aus Brillanz und Verbrechen.
Die Verantwortung des Publikums
Was bleibt also für den Hörer? Die bloße Verweigerung fühlt sich oft richtig an, ändert aber nichts an der Präsenz des Werks. Es braucht eine Form der aktiven Auseinandersetzung. Ich habe beobachtet, wie junge Menschen heute mit diesen Themen umgehen. Sie sind oft viel radikaler in ihrer Ablehnung, aber gleichzeitig viel informierter. Sie wissen genau, wer was getan hat. Das ist ein Fortschritt gegenüber der Ignoranz früherer Jahrzehnte, in denen vieles unter den Teppich gekehrt wurde. Aber Wissen allein schützt nicht vor der Wirkung eines gut produzierten Songs. Die emotionale Reaktion des Körpers auf einen Rhythmus lässt sich nicht durch Intellektualisierung abschalten. Das ist die Macht der Musik, und in diesem Fall ist sie ein Fluch.
Die Kommerzialisierung der Vergangenheitsbewältigung
Ein oft übersehener Aspekt ist die wirtschaftliche Verwertung dieser belasteten Hits. Musikverlage sitzen auf Goldminen, die plötzlich zu Sondermüll geworden sind. Es gab Fälle, in denen Rechtepakete für horrende Summen den Besitzer wechselten, nur um kurz darauf durch Skandale massiv an Wert zu verlieren. Hier zeigt sich die ganze Ironie des Marktes. Die Gier, die diese Industrie erst groß gemacht hat, wird ihr nun zum Verhängnis. Doch anstatt diese Werke stillzulegen, wird oft versucht, sie durch geschicktes Rebranding wieder salonfähig zu machen. Man lässt eine Sängerin mit sauberem Image den Song neu interpretieren, ändert vielleicht ein paar Textzeilen, und schon ist das Produkt wieder marktfähig. Das ist keine Aufarbeitung, das ist kosmetische Chirurgie am kulturellen Gedächtnis.
Wir müssen uns eingestehen, dass wir die Kontrolle über diese Erzählungen verloren haben. Die Popkultur ist kein Museum, in dem wir unliebsame Exponate einfach in den Keller stellen können. Sie ist ein lebendiger, chaotischer Raum, in dem Altes und Neues ständig aufeinanderprallen. Wenn wir versuchen, diesen Raum zu säubern, riskieren wir, die Komplexität unserer eigenen Geschichte zu verlieren. Es ist schmerzhaft, sich einzugestehen, dass ein Teil unserer kulturellen Identität auf so brüchigem und moralisch fragwürdigem Boden steht. Aber dieser Schmerz ist notwendig. Er verhindert, dass wir in eine bequeme Nostalgie verfallen, die alles glattbügelt und die Opfer derer vergisst, die hinter den Kulissen der Glitzerwelt gelitten haben.
Die Vorstellung, man könne Kunstwerke durch reine Willenskraft entgiften, ist die größte Lüge unserer Zeit. Die Melodie bleibt ein Echo der Tat, und jedes Mal, wenn wir sie hören, werden wir nicht nur an den Rhythmus, sondern an unsere eigene Unfähigkeit erinnert, die Vergangenheit jemals ganz hinter uns zu lassen.
Unsere Ohren haben kein moralisches Gewissen, sie empfangen nur Schwingungen, während unser Verstand vergeblich versucht, den Taktstock der Geschichte zu zerbrechen.
