Manche Filme verschwinden in der Versenkung, weil sie schlecht sind. Andere bleiben im kollektiven Gedächtnis, weil sie eine Ära definieren, ohne dass wir es merken. Wenn man heute an den Sommer 2006 denkt, fallen einem sofort Blockbuster wie Fluch der Karibik ein, doch der wahre Wendepunkt für die Mechanik Hollywoods war ein orangefarbener Kater im britischen Exil. Die meisten Kritiker schrieben Garfield Tail Of Two Kitties damals als seelenlose Fortsetzung ab, die lediglich auf den schnellen Profit aus war. Das ist zu kurz gedacht. Ich behaupte, dass dieses Werk das perfekte Beispiel für den Moment war, in dem das Studio-System endgültig beschloss, dass die Marke wichtiger ist als die Geschichte. Es war kein bloßer Kinderfilm, sondern eine Kapitulationserklärung der kreativen Originalität vor dem Altar der globalen Franchise-Logik.
Wer sich die Produktionsgeschichte ansieht, bemerkt schnell eine seltsame Diskrepanz. Während der Vorgänger noch irgendwie versuchte, die Vorstadteidille der Comicstrips von Jim Davis einzufangen, verpflanzte man die Fortsetzung nach London. Warum? Nicht weil die Geschichte es verlangte. Man brauchte eine Kulisse, die international vermarktbar war und gleichzeitig steuerliche Vorteile bot. Der Plot um eine Verwechslung zwischen einem bürgerlichen Kater und einem adligen Erben namens Prince ist so alt wie die Literatur selbst. Mark Twain lieferte mit Prinz und Bettelknabe die Vorlage, doch hier wurde sie skelettiert. Wir sahen zu, wie Bill Murrays Stimme – die er später laut eigener Aussage nur lieh, weil er den Drehbuchautor verwechselte – über ein computeranimiertes Wesen gelegt wurde, das kaum noch Ähnlichkeit mit der handgezeichneten Vorlage hatte. Für eine alternative Perspektive, schauen Sie sich an: diesen verwandten Artikel.
Die Kommerzialisierung der Nostalgie in Garfield Tail Of Two Kitties
Das wahre Problem, das ich hier sehe, ist die Entfremdung vom Kernmaterial. In Deutschland kennen wir die Comic-Strips aus Tageszeitungen als kurze, bissige Kommentare über Montage und Lasagne. Die Leinwandadaption hingegen blähte dieses minimalistische Konzept zu einer Slapstick-Orgie auf. Es geht hier um die Frage, wie viel Substanz man opfern darf, bevor eine Figur ihre Seele verliert. Die Macher setzten darauf, dass Kinder die Farben lieben und Eltern aus Nostalgie ins Kino gehen. Das funktionierte an den Kinokassen leidlich gut, hinterließ aber einen faden Beigeschmack. Es war der Vorbote einer Zeit, in der Filme nicht mehr gedreht wurden, um eine Vision zu teilen, sondern um Spielzeuglizenzen und Fast-Food-Kooperationen zu füttern.
Skeptiker werden nun einwerfen, dass Hollywood schon immer so funktionierte. Man wird mir sagen, dass Filme für Kinder eben einfach gestrickt sein müssen und man keine tiefschürfende Gesellschaftskritik von einem fresssüchtigen Kater erwarten kann. Das lasse ich nicht gelten. Wenn wir uns Produktionen von Pixar aus derselben Zeit ansehen, etwa Ratatouille, das nur ein Jahr später erschien, sehen wir, dass kommerzieller Erfolg und künstlerischer Anspruch sich nicht ausschließen. Die Fortsetzung des Katers hingegen verweigerte sich jeglicher Tiefe. Sie war ein rein funktionales Produkt. Man kann das Ganze als effizientes Handwerk bezeichnen, aber am Ende bleibt es eine kalkulierte Leere. Die Behauptung, dass das Publikum nicht mehr verdient hätte, ist eine Beleidigung für die Zuschauer. Ergänzende Einblicke zu diesem Thema wurden von Kino.de veröffentlicht.
Der Tod des handgemachten Humors
In den frühen Jahren der Computeranimation gab es noch ein Staunen über die Technik. In diesem spezifischen Fall sahen wir jedoch eine Art visuelle Müdigkeit. Die Interaktion zwischen den realen Schauspielern und dem animierten Hauptdarsteller wirkte hölzern. Jennifer Love Hewitt und Breckin Meyer agierten in einem Vakuum, das man im fertigen Film spüren konnte. Das ist nun mal so, wenn die Technik das Storytelling überholt. Die Animation war nicht dazu da, die Mimik der Figur zu verbessern, sondern um sie in immer absurdere Situationen zu werfen, die physisch unmöglich waren. Der trockene Humor des Originals wurde durch lauten, schrillen Klamauk ersetzt.
Ich erinnere mich an Gespräche mit Kinobetreibern aus jener Zeit, die berichteten, dass die Säle zwar voll waren, aber niemand den Film ein zweites Mal sehen wollte. Es gab keine Mundpropaganda, nur eine massive Marketingmaschinerie. Das ist der entscheidende Punkt. Ein Film, der nur durch Druck in den Markt gepresst wird, hinterlässt keine kulturellen Spuren. Er ist wie eine Einwegverpackung. Wir konsumieren ihn und werfen ihn weg. Das System hat gelernt, dass man mit dieser Methode kurzfristig Gewinne maximieren kann, ohne in langfristige Qualität investieren zu müssen.
Das Erbe der Beliebigkeit
Man könnte meinen, dass ein einzelner Film über ein Haustier keine großen Wellen schlägt. Doch wenn man die Entwicklung der letzten zwanzig Jahre betrachtet, sieht man das Muster. Die Struktur von Garfield Tail Of Two Kitties findet sich heute in fast jedem großen Franchise wieder. Man nimmt eine bekannte Figur, setzt sie in eine fremde Umgebung, fügt eine Verwechslungskomödie hinzu und garniert das Ganze mit Gastauftritten bekannter britischer Charakterdarsteller. Billy Connolly gab sich hier die Ehre, wahrscheinlich für einen Scheck, der groß genug war, um seine künstlerischen Bedenken zu zerstreuen. Es ist traurig zu sehen, wie talentierte Menschen in einem Getriebe landen, das nur darauf ausgerichtet ist, den kleinsten gemeinsamen Nenner zu bedienen.
Wenn wir über Filmgeschichte sprechen, reden wir oft über die großen Meisterwerke. Aber wir müssen auch über die Momente reden, in denen das Handwerk zur Fließbandarbeit verkam. Dieser Film markiert den Punkt, an dem die Industrie merkte, dass man den Namen eines Protagonisten nur oft genug auf ein Plakat drucken muss, damit die Leute kommen. Es spielte keine Rolle, ob die Witze zündeten oder ob die Handlung Sinn ergab. Man hatte die Marke, und die Marke war unbesiegbar. Das ist die harte Wahrheit, der wir uns stellen müssen. Wir als Zuschauer haben diese Entwicklung mit unseren Eintrittskarten legitimiert.
Die Illusion der Wahlfreiheit
Oft wird argumentiert, dass der Markt regelt, was produziert wird. Wenn die Leute diese Art von Unterhaltung wollen, dann bekommen sie sie eben. Aber gibt es wirklich eine Wahl, wenn die großen Studios die Verleihwege dominieren? In den Multiplex-Kinos der Mitte der 2000er Jahre gab es kaum Platz für Alternativen. Man wurde förmlich in diese Fortsetzungen gedrängt. Die Marketingbudgets waren so gewaltig, dass sie jede Form von Kritik einfach übertönten. Wer gegen den Strom schwimmen wollte, musste tief graben. Das ist ein Mechanismus, der heute durch Algorithmen und Streaming-Plattformen nur noch verschärft wurde.
Die Ironie bei der Sache ist, dass die Titelfigur selbst für Trägheit und Zynismus steht. In gewisser Weise ist der Film also das ehrlichste Produkt seiner Zeit. Er ist so faul wie sein Protagonist, aber ohne dessen Charme. Er verkörpert die Attitüde einer Industrie, die sich auf ihren Lorbeeren ausruht. Man hat das Gefühl, dass die Verantwortlichen im Schneideraum saßen und dachten, dass es schon gut genug sein wird. Und genau dieses "gut genug" ist das Gift, das die Filmkunst langsam zersetzt. Wenn wir aufhören, Exzellenz zu fordern, werden wir mit Mittelmäßigkeit überflutet.
Ein Symptom für den globalen Einheitsbrei
Es ist bezeichnend, dass die Handlung nach England verlegt wurde, um eine Art "Euro-Flair" zu erzeugen, der in Wahrheit nur aus Postkarten-Klischees bestand. Doppeldeckerbusse, die Themse, Schlösser – es war eine touristische Sicht auf ein Land, die mit der Realität nichts zu tun hatte. Dieses Phänomen nennt man heute oft Global Content. Es ist Material, das überall auf der Welt funktioniert, weil es nirgendwo wirklich verwurzelt ist. Es ist geschmacksneutral, wie das Essen in einer Flugzeugkabine. Man kann es in Peking genauso zeigen wie in Berlin oder New York, ohne dass jemand irritiert ist, weil es keine Ecken und Kanten hat.
Dieses Feld der Unterhaltung hat sich seitdem kaum verändert. Wenn wir uns die heutigen Remakes und Reboots ansehen, ist die DNA dieses speziellen Films überall zu finden. Die Frage ist nicht mehr, was wir erzählen wollen, sondern welche Zielgruppe wir noch nicht erreicht haben. Ich habe oft mit Drehbuchautoren gesprochen, die verzweifelt versuchen, originelle Ideen durchzubringen, nur um dann zu hören, dass das Risiko zu groß sei. Man wolle lieber etwas, das bereits bewährt ist. Etwas, das einen Namen hat, den man schon mal gehört hat. Das führt zu einer kulturellen Stagnation, die wir gerade erst in ihrem vollen Ausmaß begreifen.
Der Preis der Sicherheit
Sicherheit ist in der Wirtschaft ein hohes Gut, aber in der Kunst ist sie tödlich. Wer kein Risiko eingeht, kann nichts Neues schaffen. Hollywood hat sich in eine Ecke manövriert, in der nur noch das Gigantische zählt. Kleine, feine Geschichten haben es schwer, weil sie nicht das Potenzial für eine weltweite Verwertung inklusive Merchandising-Lawine haben. Das Beispiel des britischen Abenteuers des Katers zeigt uns, wie früh dieser Prozess begann. Es war ein Testballon für die totale Kommerzialisierung. Und der Test war erfolgreich, zumindest aus Sicht der Buchhalter.
Man kann den Film heute als Kuriosität betrachten, als ein Relikt einer Zeit, in der CGI noch wie ein Fremdkörper wirkte. Aber man sollte ihn nicht ignorieren. Er ist eine Warnung. Er zeigt uns, was passiert, wenn die Marketingabteilung den Regiestuhl übernimmt. Wir sehen einen Film, der sich selbst nicht ernst nimmt, und erwarten dann vom Publikum, dass es ihn wertschätzt. Das ist eine Rechnung, die auf Dauer nicht aufgehen kann. Das Vertrauen des Zuschauers ist ein kostbares Gut, und mit jeder lieblosen Fortsetzung wird ein Stück davon verspielt.
Die wahre Erkenntnis aus der Betrachtung dieses Werks ist bitterer als eine verbrannte Lasagne. Wir haben es hier mit dem Moment zu tun, in dem das Kino aufhörte, ein Fenster zur Welt zu sein, und stattdessen zu einem Spiegel für unsere eigene Bequemlichkeit wurde. Wir wollten das Vertraute, und wir bekamen es in seiner reinsten, banalsten Form serviert. Es war nicht der schlechteste Film aller Zeiten, aber er war vielleicht einer der folgenreichsten in seiner konsequenten Anspruchslosigkeit. Er lehrte die Studios, dass die Seele einer Figur verhandelbar ist, solange das Logo auf dem Plakat groß genug erstrahlt.
Wer heute über die Qualität des Mainstream-Kinos jammert, muss verstehen, dass die Fundamente dafür schon vor zwei Jahrzehnten gelegt wurden. Es gab keinen plötzlichen Verfall, sondern eine schleichende Gewöhnung an das Mittelmaß. Wir haben gelernt, uns mit Filmen zufrieden zu geben, die lediglich Zeit totschlagen, anstatt uns zu bewegen. Die Geschichte des verwechselten Katers ist somit kein unbedeutendes Kapitel der Popkultur, sondern der Beweis für eine strategische Neuausrichtung einer ganzen Industrie. Es ist die Dokumentation eines schleichenden Abschieds von der Idee, dass Unterhaltung auch immer ein bisschen Wagnis sein muss.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass der Erfolg einer Marke oft der größte Feind der Qualität ist, weil er die Notwendigkeit zur Anstrengung schlichtweg abschafft.
