Es gibt eine hartnäckige Legende in der Kinogeschichte, die besagt, dass die offizielle Zeitrechnung des britischen Geheimagenten 007 ausschließlich durch die Tore von Eon Productions führt. Wer sich ernsthaft mit der Materie befasst, erkennt jedoch schnell, dass die wahre Essenz der Figur oft gerade dort zum Vorschein kommt, wo das starre Korsett der Franchise-Vorgaben aufgebrochen wurde. Im Jahr 1983 geschah etwas, das die Branche für unmöglich hielt: Sean Connery kehrte in Film James Bond Never Say Never Again in die Rolle zurück, die ihn weltberühmt gemacht hatte, obwohl er Jahre zuvor geschworen hatte, nie wieder in diesen Smoking zu schlüpfen. Während Puristen dieses Werk oft als bloßes Kuriosum oder rechtliches Nebenprodukt abtun, verbirgt sich hinter der Produktion ein radikalerer Ansatz als hinter den meisten glattgebügelten Blockbustern jener Ära. Es war kein gewöhnlicher Beitrag zur Serie, sondern ein Akt der Rebellion gegen ein Imperium, geführt von dem Produzenten Kevin McClory, der jahrzehntelang um die Rechte an der Geschichte von Thunderball gekämpft hatte. Dieser Film ist das Ergebnis eines juristischen Grabenkriegs, der die Seele des Agenten freigelegt hat.
Die Rückkehr des verlorenen Sohnes in Film James Bond Never Say Never Again
Als Connery Anfang der Achtzigerjahre zusagte, die Rolle erneut zu übernehmen, war er bereits über fünfzig Jahre alt. Das war kein Zufall und auch kein peinlicher Versuch, die Jugend festzuhalten. Es war der Kern des Konzepts. Während Roger Moore zur gleichen Zeit in Octopussy versuchte, durch Stunts und Slapstick seine körperlichen Grenzen zu kaschieren, setzte die Konkurrenzproduktion auf eine fast schon schmerzhafte Ehrlichkeit. Man sieht einem gealterten Agenten dabei zu, wie er von seinen Vorgesetzten als Relikt abgestempelt wird. Er muss in eine Kurklinik, er muss Tee trinken statt Martini, und er wird mit der eigenen Sterblichkeit konfrontiert. Das Publikum im Jahr 1983 begriff vielleicht noch nicht ganz, dass hier die Dekonstruktion eines Mythos stattfand, lange bevor Daniel Craig Jahrzehnte später für denselben Ansatz gefeiert wurde. Film James Bond Never Say Never Again wagte es, den unbesiegbaren Helden als einen Mann zu zeigen, der aus der Zeit gefallen ist.
Die Handlung orientiert sich zwangsläufig an der vertrauten Struktur von Feuerball, doch die Nuancen machen den Unterschied. Irvin Kershner, der Regisseur, der zuvor mit Das Imperium schlägt zurück bewiesen hatte, dass er Fortsetzungen mehr Tiefe verleihen kann als ihre Originale, brachte eine europäische Sensibilität in das Projekt ein. Er interessierte sich weniger für die Gadgets, die ohnehin oft eher albern als nützlich wirkten. Ihn faszinierte die Psychologie eines Mannes, der nichts anderes gelernt hat als zu töten und nun feststellt, dass die Welt ihn nicht mehr braucht. Die Atmosphäre ist weniger steril als in den zeitgenössischen Eon-Produktionen. Es gibt eine gewisse Rauheit, eine fast schon greifbare Textur in den Bildern, die den Glamour der Bahamas mit einer melancholischen Note unterlegt.
Ein Schurke mit menschlichen Abgründen
Ein wesentlicher Faktor für die Überlegenheit dieses unterschätzten Werks ist die Besetzung des Antagonisten. Klaus Maria Brandauer lieferte als Maximilian Largo eine Leistung ab, die jeden anderen Bösewicht der achtziger Jahre in den Schatten stellte. Brandauer spielte Largo nicht als größenwahnsinnigen Karikatur-Schurken, der in einem Vulkan haust. Er spielte ihn als einen gefährlich charmanten, neurotischen und zutiefst eifersüchtigen Mann. Die Rivalität zwischen ihm und dem Protagonisten fühlt sich persönlich an. Das legendäre Computerspiel-Duell um die Weltherrschaft in einem Casino ist keine bloße Demonstration von Spezialeffekten, sondern ein psychologisches Kräftemessen. Man spürt die Verachtung und den gegenseitigen Respekt. Es geht um Ego, nicht nur um Atombomben.
Kritiker werfen dem Projekt oft vor, dass es technisch nicht mit den Multimillionen-Dollar-Spektakeln der Konkurrenz mithalten konnte. Das mag bei einigen Rückprojektionen und Unterwasseraufnahmen stimmen. Doch wer sich an technischen Details aufhängt, übersieht die schauspielerische Brillanz. Barbara Carrera als Fatima Blush ist bis heute eine der denkwürdigsten Gegenspielerinnen der gesamten Kinogeschichte. Sie ist wahnsinnig, exzessiv und nimmt sich genau den Raum, den eine solche Figur braucht, um im Gedächtnis zu bleiben. Sie ist das perfekte Gegenstück zum unterkühlten, fast schon resignierten Agenten. Diese Dynamik findet man in den formelhaften Werken jener Zeit nur selten.
Warum das Fehlen der ikonischen Musik ein Segen war
Ein Punkt, der oft als Schwäche ausgelegt wird, ist das Fehlen der berühmten Titelmelodie von Monty Norman und John Barry. Aus rechtlichen Gründen durfte das bekannte Thema nicht verwendet werden. Michel Legrand übernahm stattdessen den Soundtrack. Für viele Fans war das ein Schock. Aber betrachten wir es einmal ohne die rosarote Brille der Nostalgie. Durch den Verzicht auf die bekannten musikalischen Motive wurde der Zuschauer gezwungen, den Film als eigenständiges Werk zu betrachten. Er konnte sich nicht in der wohligen Sicherheit des Vertrauten zurücklehnen. Die Musik von Legrand ist jazziger, leichter und manchmal fast schon experimentell. Sie unterstreicht den Charakter eines unkonventionellen Abenteuers, das sich weigert, nach den Regeln eines etablierten Franchise zu spielen.
Ich erinnere mich an Gespräche mit Kinoliebhabern, die behaupteten, ohne den klassischen Vorspann mit dem Pistolenlauf sei es kein echtes Erlebnis. Das ist eine oberflächliche Sichtweise. Ein Charakter wird nicht durch eine Grafik definiert, sondern durch seine Handlungen und seine Ausstrahlung. Connery bewies hier, dass er die Rolle besaß, nicht umgekehrt. Er brauchte keine Gunbarrel-Sequenz, um dem Publikum klarzumachen, wer er war. Seine Präsenz war in jeder Einstellung spürbar. Er wirkte befreit von den Erwartungen der Produzenten Cubby Broccoli und Harry Saltzman. In diesem inoffiziellen Rahmen konnte er eine Nuance von Selbstironie zeigen, die seinen früheren Darstellungen oft fehlte.
Der Film ist auch ein Zeugnis für den Mut zum Risiko. Kevin McClory riskierte alles, um seine Version der Geschichte auf die Leinwand zu bringen. Er musste sich gegen eine Phalanx von Anwälten und die feindselige Berichterstattung der Presse wehren. Man nannte es den Krieg der Bonds. Am Ende profitierte das Publikum. Der Wettbewerb belebte das Geschäft. Ohne diesen Druck von außen hätte sich die offizielle Reihe vielleicht noch viel länger auf ihren Lorbeeren ausgeruht. Es war ein Weckruf, der zeigte, dass niemand ein Monopol auf eine kulturelle Ikone hat.
Skeptiker führen oft an, dass die Produktionsgeschichte hinter den Kulissen chaotisch war. Es gab Berichte über Streitigkeiten am Set, finanzielle Engpässe und Drehbuchänderungen in letzter Minute. Das ist jedoch kein Beleg für mangelnde Qualität, sondern oft der Geburtshelfer für echte Kunst. Viele Meisterwerke der Filmgeschichte entstanden unter extremem Druck. Die Spannung, die während der Dreharbeiten herrschte, überträgt sich auf die Leinwand. Nichts an dieser Produktion wirkt routiniert. Jeder Beteiligte wusste, dass man unter scharfer Beobachtung stand. Man wollte beweisen, dass man es besser konnte als das Original-Team. Dieser Ehrgeiz ist in jeder Szene greifbar.
Ein weiterer oft unterschätzter Aspekt ist die Rolle von Bernie Casey als Felix Leiter. Er war der erste schwarze Schauspieler in dieser Rolle. Damit war die Produktion ihrer Zeit weit voraus, ohne daraus ein großes politisches Statement zu machen. Es war einfach eine gute Besetzung. Die Freundschaft zwischen Leiter und dem britischen Gaststar wirkt hier natürlicher und gleichberechtigter als in vielen anderen Teilen der Saga. Es gibt keine herablassenden Kommentare, kein paternalistisches Gehabe. Sie sind Kollegen, die gemeinsam ein Problem lösen. Das ist moderner Journalismus im Gewand eines Actionfilms: Man schaut hinter die Fassaden und entdeckt Fortschritt, wo man ihn nicht erwartet hätte.
Die Entscheidung, die Geschichte in die damals aktuelle Zeit zu verlegen, gab dem Ganzen eine zusätzliche Relevanz. Es ging nicht mehr nur um böse Organisationen mit Katzen auf dem Schoß. Es ging um die Angst vor dem technologischen Kontrollverlust. Largo ist ein moderner Schurke, der den Kapitalismus als Waffe nutzt. Er ist ein Philanthrop und Geschäftsmann, dessen wahre Absichten hinter einer glänzenden Fassade verborgen bleiben. Das ist ein Motiv, das heute aktueller ist denn je. Wir leben in einer Welt der Milliardäre, die ihre eigenen Weltraumprogramme und privaten Armeen unterhalten. In gewisser Weise hat dieser Film die Zukunft der globalen Bedrohungsszenarien besser vorhergesehen als seine Zeitgenossen.
Man muss sich auch die physische Komponente ansehen. Connery trainierte hart für die Rolle. Er wollte zeigen, dass ein Mann in seinen Fünfzigern noch immer eine glaubwürdige Bedrohung darstellen kann. Seine Kämpfe sind weniger choreografiert als vielmehr improvisiert und brutal. Wenn er in der Kurklinik gegen den riesigen Attentäter kämpft, nutzt er alles, was ihm in die Hände fällt – sogar seine eigenen medizinischen Proben. Das ist eine Form von Realismus, die dem Genre gut tut. Es bricht mit der Vorstellung des unantastbaren Helden, der nach einer Schlägerei nicht einmal seine Krawatte richten muss. Hier wird geschwitzt, geblutet und gelitten.
Wenn wir heute auf das Jahr 1983 zurückblicken, sehen wir ein interessantes Phänomen. Die Geschichte hat dem vermeintlichen Außenseiter recht gegeben. Während viele Moore-Filme heute wie veraltete Relikte einer albernen Ära wirken, hat dieses Werk eine zeitlose Qualität bewahrt. Das liegt vor allem an der Ernsthaftigkeit, mit der die Hauptfigur behandelt wurde. Man nahm den gealterten Agenten ernst. Man gab ihm eine Vergangenheit und eine ungewisse Zukunft. Er war kein Comic-Held mehr, sondern ein Mensch aus Fleisch und Blut.
Es ist an der Zeit, die Vorurteile abzulegen, die durch jahrzehntelange Marketingkampagnen der offiziellen Rechteinhaber gestreut wurden. Wahre Fans erkennen, dass die Vielfalt der Interpretationen eine Figur erst lebendig hält. Ein Monopol führt unweigerlich zu Stagnation. Konkurrenz hingegen führt zu Innovation. Dieser Film war das Beste, was dem Genre passieren konnte. Er forderte den Status quo heraus und zwang alle Beteiligten, ihr Bestes zu geben. Er ist ein Denkmal für die Idee, dass man niemals nie sagen sollte – vor allem dann nicht, wenn es darum geht, sich selbst neu zu erfinden.
Wahre Größe zeigt sich nicht darin, eine Formel perfekt zu wiederholen, sondern darin, sie zu zerstören, um etwas Ehrlicheres zu erschaffen.
