Manche Menschen betrachten diesen Film als eine Art Entschuldigung für die psychologischen Qualen der neunziger Jahre. Es kursiert die Meinung, dass die Neuinterpretation der legendären Serie einen optimistischeren Pfad einschlägt, weg von der Depression, hin zu einer Form von heroischer Katharsis. Doch wer das glaubt, ist Hideaki Anno und seinem Team gnadenlos auf den Leim gegangen. In Wahrheit ist Evangelion 2.22 You Can Not Advance kein Versprechen auf Besserung, sondern eine perfekt inszenierte Falle, die den Zuschauer in einer falschen Sicherheit wiegt, nur um das emotionale Fundament am Ende noch grausamer einzureißen. Ich habe über die Jahre viele Fans beobachtet, die jubelten, als Shinji Ikari endlich Rückgrat bewies. Sie sahen darin einen Fortschritt, eine Heilung des traumatisierten Jungen, den wir alle aus dem Original kannten. Aber dieser vermeintliche Triumph ist das gefährlichste Element der gesamten Erzählung.
Der trügerische Glanz von Evangelion 2.22 You Can Not Advance
Die Struktur der Geschichte spielt mit unseren Erwartungen an ein klassisches Remake. Wir sehen vertraute Engel, vertraute Kämpfe, aber plötzlich greift eine unsichtbare Hand in das Getriebe ein und verändert die Parameter. Es wirkt alles ein wenig heller, die Farben sind gesättigter, die Charaktere scheinen fast schon menschliche Wärme zuzulassen. Wenn wir über die Einführung von Mari Illustrious Makinami sprechen, begegnen wir einem Element, das in der ursprünglichen Serie keinen Platz gehabt hätte. Sie ist purer Eskapismus, eine Figur, die das Kämpfen genießt und den Schwermut der anderen Piloten ignoriert. Viele Kritiker warfen der Produktion vor, sie sei zu einem oberflächlichen Action-Spektakel verkommen. Das ist eine Fehleinschätzung der Absichten der Macher. Dieser Film nutzt die Ästhetik des modernen Blockbusters, um uns zu korrumpieren. Er gibt uns genau das, was wir uns nach dem verstörenden Ende der ursprünglichen Serie gewünscht haben: Helden, die sich wehren, und eine Welt, die gerettet werden will.
Ich erinnere mich an die Premiere, bei der das Publikum im Kino förmlich den Atem anhielt, als die vertraute Handlung der Episode 19 der TV-Serie radikal umschwenkte. Im Original war Shinjis Verweigerung ein Akt der totalen Ohnmacht und der moralischen Zerstörung. Hier jedoch wird er zum handelnden Subjekt. Er schreit, er fordert, er bricht Regeln. Die visuelle Wucht der Animation unterstützt dieses Gefühl der Ermächtigung. Aber hier liegt der Hund begraben. Anno, der Regisseur, ist bekannt für seine ambivalenten Gefühle gegenüber der Otaku-Kultur. Er weiß, dass wir den Sieg wollen. Er gibt ihn uns, aber er vergiftet ihn. Der Preis für Shinjis plötzliches Selbstbewusstsein ist die Vernichtung der Welt. Das ist kein Fortschritt. Das ist die ultimative Form des Egoismus, maskiert als Liebe.
Die Dekonstruktion des Heldenmythos
Wenn man die Mechanismen der Handlung analysiert, erkennt man schnell, dass die emotionale Befriedigung des Zuschauers auf Kosten der Logik der Welt erkauft wird. In der klassischen Serie war die Organisation NERV ein Ort der Kälte, ein bürokratischer Albtraum, in dem Kinder als Werkzeuge benutzt wurden. In der neuen Fassung scheint es Momente der Gemeinschaft zu geben. Misato Katsuragi übernimmt fast schon eine mütterliche Rolle, die über das bloße Pflichtgefühl hinausgeht. Rei Ayanami beginnt zu kochen, sie möchte Menschen zusammenbringen. Das ist die Köder-Taktik. Wir sollen glauben, dass Heilung möglich ist, damit der spätere Fall tiefer geht. Es ist eine psychologische Manipulation des Publikums, die weit über das hinausgeht, was normales Storytelling verlangt.
Skeptiker könnten einwenden, dass die Änderung der Tonalität lediglich eine Anpassung an den zeitgeistigen Geschmack des Kinos der 2000er Jahre war. Man wollte Geld verdienen, man wollte die Marke massentauglich machen. Das ist das stärkste Argument derer, die den Film als reinen Kommerz abtun. Doch wer die Geschichte von Khara, dem Studio hinter den Filmen, verfolgt, sieht ein anderes Bild. Anno finanzierte dieses Projekt selbst, um die volle kreative Kontrolle zu behalten. Er hätte einfach eine getreue Kopie mit besserer Grafik abliefern können. Stattdessen entschied er sich für einen Weg, der die Zuschauer erst mit Wärme umhüllt, bevor er sie in die totale Isolation stürzt. Der Film suggeriert, dass Shinji aus seinen Fehlern lernt, aber in Wirklichkeit wiederholt er das katastrophale Verhaltensmuster seines Vaters. Er opfert alles für einen einzigen Wunsch.
Warum wir das Scheitern als Erfolg missverstehen
Das Problem liegt in unserer Wahrnehmung von Stärke. Wir sind darauf konditioniert, einen Protagonisten zu bejubeln, der sagt, dass ihm die Konsequenzen egal sind, solange er das Mädchen rettet. In fast jedem anderen Anime wäre das der Moment der glorreichen Heldenreise. Hier jedoch wird dieser Moment von einer Musik untermalt, die eher an ein Kinderlied erinnert als an eine heroische Hymne. Das ist kein Zufall. Die Diskrepanz zwischen der Zerstörung auf dem Bildschirm und der sanften Melodie im Hintergrund ist ein deutlicher Hinweis darauf, dass hier etwas gewaltig schief läuft. Wir sehen keinen Jungen, der erwachsen wird. Wir sehen ein Kind, das einen Wutanfall bekommt und dabei die Welt in Brand steckt.
Die Experten für japanische Animationsgeschichte weisen oft darauf hin, dass Evangelion 2.22 You Can Not Advance den Bruch mit der Vergangenheit markiert. Das ist faktisch korrekt, aber die Richtung des Bruchs wird meist falsch gedeutet. Es geht nicht darum, die alten Traumata hinter sich zu lassen. Es geht darum zu zeigen, dass selbst der Versuch, es besser zu machen, in einer Katastrophe enden kann, wenn er aus den falschen Motiven geschieht. Shinji handelt nicht aus Altruismus. Er handelt aus einem Mangel heraus, aus einer Verzweiflung, die so groß ist, dass ihm die Existenz der restlichen Menschheit gleichgültig wird. Das ist die dunkle Kehrseite des Individualismus, die in der westlichen Rezeption oft übersehen wird. Wir feiern den Einzelnen, der sich gegen das System stellt, aber wir ignorieren die Trümmer, die er hinterlässt.
Die Architektur des Untergangs
Betrachten wir die technischen Aspekte der Produktion. Die Integration von computergenerierten Bildern in die traditionelle Zell-Animation dient dazu, die Engel fremdartiger und bedrohlicher wirken zu lassen. Aber auch die Architektur von Tokyo-3 hat sich verändert. Sie wirkt wie eine Festung der Ordnung in einer chaotischen Welt. Diese Ordnung ist jedoch nur oberflächlich. Unter der Stadt verbergen sich die gleichen alten Geheimnisse, die gleichen apokalyptischen Pläne. Die visuelle Pracht blendet uns. Wir achten auf die glänzenden Oberflächen der Evas und übersehen die mechanischen Monstrositäten, die sie eigentlich sind. Es gibt eine Szene, in der Eva-01 fast schon organisch wird, in der er die Grenzen der Maschine sprengt. Das wird oft als Erwachen gefeiert, als Erreichen eines neuen Levels an Macht. In Wahrheit ist es der Verlust der Kontrolle.
Man kann die Entwicklung der Serie nicht isoliert von der persönlichen Geschichte ihres Schöpfers betrachten. Anno befand sich während der Produktion der originalen Serie in einer tiefen Depression. Als er Jahre später zu diesem Stoff zurückkehrte, war er in einer anderen Verfassung, aber das bedeutet nicht, dass sein Werk harmloser wurde. Es wurde präziser. Die Grausamkeit ist nicht mehr so offensichtlich wie früher; sie ist jetzt in Schönheit gehüllt. Das macht sie weitaus effektiver. Wer behauptet, dieser Film sei eine leichtere Kost für ein breiteres Publikum, hat die bittere Ironie der Erzählung nicht verstanden. Es ist das Äquivalent zu einem süßen Getränk, das mit einem schleichenden Gift versetzt wurde.
Die Fans in Foren und sozialen Netzwerken streiten sich seit Jahren über die Bedeutung des Near Third Impact. War es Shinjis Schuld? Hätte er anders handeln können? Diese Fragen führen am eigentlichen Punkt vorbei. Das System, in dem er sich befindet, lässt keine gute Lösung zu. Der Titel der Filmreihe spricht von einem Neubeginn, aber der Untertitel dieses spezifischen Teils warnt uns bereits. Wir können nicht vorankommen, wenn wir die gleichen Fehler in einem neuen Gewand wiederholen. Das ist die bittere Pille, die wir schlucken müssen. Die Hoffnung, die uns in den ersten zwei Dritteln des Films verkauft wird, ist eine Illusion, eine Droge, die uns ruhigstellen soll, während die Katastrophe ihren Lauf nimmt.
Es gibt eine interessante Parallele zur griechischen Tragödie. Der Held versucht seinem Schicksal zu entkommen und erfüllt es gerade durch diesen Fluchtversuch. Shinji will kein Werkzeug seines Vaters mehr sein. Er will aus eigenem Antrieb handeln. Und doch spielt er Gendo Ikari genau in die Hände. Sein Aufstand ist einkalkuliert. Seine Emotionen sind Teil des Plans. Das ist die ultimative Demütigung für einen Charakter, der glaubt, er hätte endlich seinen eigenen Willen gefunden. Die vermeintliche Freiheit ist nur eine längere Leine.
Wenn wir heute auf dieses Werk blicken, müssen wir uns fragen, warum wir so bereitwillig an die Rettung geglaubt haben. Vielleicht liegt es daran, dass wir in einer Kultur leben, die keine ungelösten Enden mag. Wir wollen, dass die Anstrengung belohnt wird. Wir wollen, dass das Trauma einen Sinn hat. Dieser Film zeigt uns jedoch, dass Anstrengung ohne Selbstreflexion nur zu einer größeren Zerstörung führt. Die visuelle Meisterschaft täuscht über die moralische Leere hinweg, in die die Charaktere steuern. Es gibt keinen leichten Ausweg aus der menschlichen Isolation, auch wenn die Farben noch so hell leuchten und die Action noch so mitreißend ist.
Die wahre Leistung der Erzählung besteht darin, den Zuschauer zum Komplizen zu machen. Wir feuern Shinji an, während er das Siegel zur Hölle aufbricht. Wir wollen den Sieg genauso sehr wie er. Damit stehen wir am Ende genauso fassungslos vor den Trümmern wie die überlebenden Charaktere. Wir haben uns von der Ästhetik blenden lassen und die Warnzeichen ignoriert, die überall im Film verstreut waren. Das ist keine einfache Unterhaltung. Das ist ein Spiegel, der uns vorhält, wie leicht wir uns durch ein bisschen Pathos und ein paar spektakuläre Bilder manipulieren lassen, unsere moralischen Kompasse über Bord zu werfen.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass der Film uns nicht die Hand reicht, um uns aus dem Sumpf der Depression zu ziehen, sondern uns lediglich zeigt, wie bequem man es sich in der Selbsttäuschung einrichten kann, bevor die Realität mit voller Wucht zurückschlägt. Wir sind nicht einen Schritt weitergekommen; wir haben uns nur im Kreis gedreht, während das Orchester lauter spielte.
Wahre Reife beginnt erst dort, wo wir akzeptieren, dass ein lauter Schrei nach Liebe die Welt nicht rettet, sondern sie oft erst recht in den Abgrund reißt.
