erste allgemeine verunsicherung geld oder leben

In einem stickigen Kellerstudio in Wien, weit weg von den glitzernden Palästen der Popmusik, saßen fünf Männer und starrten auf eine Welt, die gerade dabei war, sich schwindelig zu drehen. Es war die Mitte der achtziger Jahre, ein Jahrzehnt, das nach Haarspray roch und in dem der kalte Beton der Berliner Mauer noch immer die Geografie der Seelen bestimmte. Klaus Eberhartinger, der Mann mit der Stimme wie ein Reibeisen, das in Honig getaucht wurde, wusste, dass sie etwas anderes brauchten als den üblichen Schlagerkitsch oder die kühle Distanz der Neuen Deutschen Welle. Sie suchten nach einem Spiegel, den sie den Leuten vors Gesicht halten konnten, ohne dass diese sofort vor Schreck wegliefen. Inmitten dieser kreativen Spannung entstand Erste Allgemeine Verunsicherung Geld Oder Leben, ein Werk, das nicht nur die Charts stürmen, sondern das Lebensgefühl einer ganzen Generation zwischen Konsumrausch und existenziellem Abgrund einfangen sollte. Es war der Moment, in dem aus albernen Kostümen politische Satire wurde, verpackt in Melodien, die man am nächsten Morgen unter der Dusche pfiff, während man versuchte, die Leere im Portemonnaie und im Herzen zu ignorieren.

Die achtziger Jahre in Österreich und Deutschland waren eine seltsame Zeit der Gleichzeitigkeit. Während im Fernsehen die „Schwarzwaldklinik“ eine heile Welt vorgaukelte, brodelte unter der Oberfläche eine tiefe Unsicherheit. Die Angst vor dem Atomtod war so real wie der Wunsch nach dem neuesten Videorekorder. In den Vorstädten schossen die Einkaufszentren aus dem Boden, Kathedralen des Plastiks, in denen das Glück in Raten gezahlt werden konnte. Die Band, die sich hinter dem sperrigen Namen EAV verborg, verstand das besser als jeder Soziologe. Sie sahen den Menschen nicht als statistische Größe, sondern als Getriebenen, als jemanden, der zwischen dem Wunsch nach Sicherheit und der Gier nach mehr zerrieben wurde.

Thomas Spitzer, der Kopf hinter den Texten, zeichnete Bilder von einer Gesellschaft, die sich im Kreis drehte. Er nutzte die Sprache wie ein Skalpell. Wenn er über die Mächtigen schrieb, dann tat er das mit einer Mischung aus Abscheu und Mitleid. Seine Zeilen waren keine trockenen Analysen, sondern lebendige Vignetten des Scheiterns. Man konnte den Schweiß des kleinen Bankangestellten förmlich riechen, der versucht, sich durch krumme Geschäfte ein Stück vom großen Kuchen abzuschneiden, nur um am Ende festzustellen, dass das Messer stumpf ist. Diese Geschichten waren so nah an der Realität, dass sie fast wehtaten, wäre da nicht dieser beißende Humor gewesen, der wie ein Schutzschild fungierte.

Die bittere Süße in Erste Allgemeine Verunsicherung Geld Oder Leben

Es gab diesen einen Refrain, der sich in das kollektive Gedächtnis einbrannte. Ein Lied über einen Banküberfall, der so tollpatschig und menschlich war, dass man fast Mitleid mit dem Täter haben musste. Es war die Karikatur einer Straftat, eine Slapstick-Einlage, die eigentlich von der puren Verzweiflung erzählte. Wenn man die Platte auflegte, hörte man das Knistern des Vinyls und das Lachen im Hintergrund, das immer ein wenig zu laut war, um echt zu sein. Es war die perfekte Inszenierung des Scheiterns in einer Welt, die nur noch Gewinner kennen wollte. Das Album traf einen Nerv, weil es die Absurdität des Alltags auf die Spitze trieb.

In den Diskotheken von München bis Wien tanzten die Menschen zu Texten, die eigentlich zum Nachdenken hätten anregen müssen. Das war der geniale Schachzug der Gruppe. Sie infiltrierten den Mainstream mit subversiven Botschaften. Während die Leute „Ba-Ba-Banküberfall“ grölten, sangen sie gleichzeitig über die Sinnlosigkeit des materiellen Strebens. Es war eine Art trojanisches Pferd der Popkultur. Man kaufte die Fröhlichkeit und bekam die Kritik gratis dazu. Die Musik war eingängig, fast schon penetrant fröhlich, was in krassem Gegensatz zu den oft düsteren oder zumindest zynischen Inhalten stand. Diese Reibung erzeugte eine Hitze, die weit über den Sommer 1985 hinausreichte.

Die visuelle Komponente war dabei ebenso entscheidend wie die akustische. Wer die Gruppe damals im Fernsehen sah, erlebte ein Panoptikum des Skurrilen. Da standen Männer in bunten Anzügen, mit Masken und Requisiten, die direkt aus einem Albtraum von Salvador Dalí hätten stammen können. Sie waren keine Popstars im herkömmlichen Sinne. Sie waren Clowns, aber von der Sorte, vor der man sich ein bisschen fürchtet, weil sie die Wahrheit sagen. Sie verkörperten die Zerrissenheit einer Gesellschaft, die sich hinter grellen Farben versteckte, um die graue Realität des Kalten Krieges und der aufkommenden Arbeitslosigkeit zu vergessen.

Das Echo der Gier in den Vorstädten

Man muss sich die Situation in den Wohnzimmern jener Jahre vorstellen. Der Teppichboden war meist in einem fragwürdigen Braun gehalten, die Schrankwand aus Eiche rustikal dominierte den Raum. Auf dem Plattenspieler rotierte die Scheibe, und während die Eltern über die nächste Gehaltserhöhung oder die Inflation debattierten, hörten die Kinder die Geschichten von Märchenprinzen, die keine waren, und von Onkel Toms, die in der Konsumhölle schmorten. Die Musik bot einen Fluchtweg, der gleichzeitig eine Sackgasse war. Sie thematisierte das Geld nicht als abstraktes Gut der Nationalökonomie, sondern als eine Macht, die Freundschaften zerstört und Charaktere verbiegt.

Wissenschaftler wie der Soziologe Gerhard Schulze sprachen später von der „Erlebnisgesellschaft“, in der das Individuum ständig nach neuen Kicks sucht, um der inneren Leere zu entkommen. Die Künstler aus der Steiermark hatten dies bereits vorweggenommen. Sie beschrieben den Drang, immer das Neueste besitzen zu müssen, als eine Form von Wahnsinn. In ihren Liedern wurde das Auto zum Ersatzgott und das Eigenheim zum Gefängnis. Es war eine Zeit, in der das „Haben“ endgültig über das „Sein“ siegte, und die Musik lieferte den passenden Soundtrack zu diesem Sieg, der sich im Rückblick wie eine Niederlage anfühlt.

Die Texte von Thomas Spitzer waren oft wie kleine Theaterstücke aufgebaut. Es gab Rollen, Dialoge und dramatische Wendungen. Man konnte sich die Szenen bildlich vorstellen: die verrauchte Kneipe, in der die Pläne geschmiedet werden, oder das sterile Büro, in dem die Träume sterben. Diese Bildhaftigkeit machte die Lieder so langlebig. Sie funktionierten wie Comics für die Ohren. Man sah die Schweißtropfen auf der Stirn des Protagonisten, wenn er versuchte, die Welt zu erklären, und dabei kläglich scheiterte. Es war die Ästhetik des Hässlichen, die so wunderbar in die glatte Welt des Pops passte.

Der bleibende Schatten von Erste Allgemeine Verunsicherung Geld Oder Leben

Wenn man heute, Jahrzehnte später, auf dieses Werk blickt, erkennt man eine prophetische Kraft, die damals kaum jemand in diesem Ausmaß wahrgenommen haben dürfte. Die Welt hat sich technologisch verändert, die Währungen haben andere Namen, aber die grundlegende Gier und die damit einhergehende Verunsicherung sind geblieben. Die Gruppe hat damals eine Frage gestellt, die wir uns heute mehr denn je stellen müssen: Was bleibt übrig, wenn der Rausch des Kaufens verflogen ist? Die Antwort, die sie gaben, war nicht trostlos, aber sie war ehrlich. Sie lag irgendwo zwischen dem nächsten Lacher und dem nächsten Seufzer.

Der Erfolg war gigantisch, doch er hatte seinen Preis. Die Band wurde oft als reine Klamauk-Truppe missverstanden. Viele hörten nur die lustigen Geräusche und die eingängigen Melodien, überhörten aber den Giftzahn, der in fast jedem Vers steckte. Es ist das Schicksal der Satiriker, dass sie an der Oberfläche geliebt werden, während ihr Kern ignoriert wird. Doch genau das machte sie auch unangreifbar. Man konnte sie nicht verbieten oder zensieren, weil sie sich hinter der Maske des Narren versteckten. Sie durften die Wahrheit sagen, solange sie dabei ein buntes Kostüm trugen.

In der österreichischen Kulturgeschichte nimmt dieses Album einen besonderen Platz ein. Es steht in der Tradition des Wiener Volkstheaters, von Nestroy und Raimund, die ebenfalls das Lachen nutzten, um gesellschaftliche Missstände anzuprangern. Es ist eine sehr spezifische Form von Humor, die aus einer Mischung von Melancholie und Boshaftigkeit besteht. Man lacht über den Abgrund, weil man weiß, dass man ohnehin hineinfällt. Es ist ein Galgenhumor, der in einer Welt des ungebremsten Kapitalismus zur Überlebensstrategie wird.

Die Produktion des Albums selbst war für damalige Verhältnisse innovativ. Man experimentierte mit Samples, mit elektronischen Klängen und unkonventionellen Strukturen. Es war kein klassischer Rock oder Pop, sondern ein Hybrid, der sich aus allen Genres bediente, die gerade zur Verfügung standen. Diese musikalische Rastlosigkeit spiegelte die thematische Unruhe wider. Nichts war stabil, alles war im Fluss, und die Musik war das Floß, auf dem man versuchte, nicht unterzugehen. Die Detailverliebtheit in den Arrangements sorgte dafür, dass man auch nach dem zehnten Hören noch neue Kleinigkeiten entdeckte – ein verstecktes Geräusch hier, eine sarkastische Bemerkung da.

Heute wirken die Lieder wie Zeitkapseln. Wenn man sie hört, ist man sofort wieder in diesem Jahrzehnt der großen Gesten und der kleinen Ängste. Man erinnert sich an die Schulhöfe, auf denen die Kassetten getauscht wurden, und an die ersten Versuche, die Welt zu verstehen, während im Radio ein Lied über einen dicken Mann sang, der im Restaurant alles aufisst, nur um am Ende festzustellen, dass er immer noch Hunger hat. Es ist eine Parabel auf unsere gesamte Existenzweise. Wir fressen uns durch die Ressourcen des Planeten und wundern uns, dass wir uns innerlich leer fühlen.

Es ist diese menschliche Dimension, die das Werk über seine Zeit hinaushebt. Es geht nicht um die achtziger Jahre an sich, sondern um das, was uns als Menschen antreibt. Es geht um die Angst, nicht genug zu haben, und um die noch größere Angst, nicht genug zu sein. Die Band hat diese Ängste in bunte Kostüme gesteckt und sie tanzen lassen. Sie haben uns gezeigt, dass man die Welt nur ertragen kann, wenn man über sie lacht – und über sich selbst am allermeisten. Das ist das wahre Vermächtnis dieser fünf Männer aus dem Kellerstudio in Wien.

Die letzte Note des Albums verhallt, und was bleibt, ist eine seltsame Stille. Man schaltet den Player aus und schaut sich im Raum um. Die Dinge, die uns umgeben, die Möbel, die Geräte, das Licht – alles scheint für einen kurzen Moment seine Wichtigkeit zu verlieren. Man erinnert sich an den Mann mit der Maske, der uns zunickt, bevor er hinter dem Vorhang verschwindet. Er hat uns nicht die Welt erklärt, aber er hat uns gezeigt, wie wir in ihr überleben können, ohne den Verstand zu verlieren.

Vielleicht ist das der Grund, warum wir diese Lieder immer noch brauchen. Sie erinnern uns daran, dass hinter jeder Fassade ein Mensch steckt, der versucht, seinen Weg zu finden, meist stolpernd, oft falsch abbiegend, aber immer mit der Hoffnung, dass am Ende des Tages das Licht noch brennt. Die Ironie ist unser einziger Schutzraum in einer Realität, die oft viel zu ernst ist, um sie ohne ein Grinsen zu betrachten. Und so bleibt die Melodie im Kopf, ein leises Pfeifen gegen die Dunkelheit, ein rhythmisches Klopfen an die Tür der Vernunft.

Wenn man heute durch die gläsernen Hallen der modernen Welt geht, durch die digitalen Marktplätze und die glitzernden Metropolen, hört man immer noch dieses ferne Echo. Es ist das Lachen derer, die wissen, dass der ganze Prunk nur eine Kulisse ist. Die Geschichte ist nicht zu Ende, sie hat nur ihr Kostüm gewechselt. Die Verunsicherung ist heute digitaler, globaler und vielleicht sogar noch tiefergehend, doch die Mittel, ihr zu begegnen, sind dieselben geblieben. Ein scharfer Verstand, ein weiches Herz und die Fähigkeit, über den Wahnsinn des Alltags eine Strophe zu dichten, die uns für einen Moment vergessen lässt, dass wir alle nur Gastrollen in einem Stück spielen, dessen Ende wir noch nicht kennen.

Der Vorhang fällt, die Lichter im Saal gehen an, und draußen wartet die Welt mit all ihren Verlockungen und Drohungen, während man unbewusst prüft, ob man noch genug Kleingeld für den Heimweg in der Tasche hat.