Manche Menschen betrachten den Film von 2013 lediglich als eine Ansammlung von infantilen Witzen und exzessivem Drogenkonsum, doch wer hinter die Fassade blickt, erkennt eine radikale Dekonstruktion des modernen Starkults. Es ist ein weit verbreiteter Irrtum, dass dieser Streifen nur ein Egotrip von Hollywood-Freunden sei, die sich auf Kosten der Zuschauer amüsieren wollten. Tatsächlich markierte This Is The End Comedy den Moment, in dem die Grenze zwischen öffentlicher Persona und privatem Versagen vollständig kollabierte. Seth Rogen und Evan Goldberg schufen kein klassisches Lustspiel, sondern ein psychologisches Kammerspiel unter dem Deckmantel einer Apokalypse. Wer glaubt, hier nur Schauspielern beim Herumalbern zuzusehen, übersieht die schmerzhafte Ehrlichkeit, mit der diese Männer ihre eigenen Karrieren und Freundschaften sezieren. Es geht nicht um den Weltuntergang durch Dämonen, sondern um das Ende der Eitelkeit in einer Branche, die von nichts anderem lebt.
Die bittere Wahrheit hinter This Is The End Comedy
In der Filmtheorie spricht man oft von der Meta-Ebene, aber selten wurde sie so konsequent genutzt wie hier. Die Darsteller spielen sich selbst, oder besser gesagt, sie spielen die schlimmste Karikatur dessen, was die Öffentlichkeit von ihnen erwartet. James Franco tritt als prätentiöser Kunstsammler auf, Jonah Hill als passiv-aggressiver Heuchler und Danny McBride als personifizierte toxische Männlichkeit. Das ist kein Zufall. Es ist ein kalkulierter Angriff auf das Image, das diese Stars jahrelang sorgfältig gepflegt hatten. Ich beobachtete damals bei der Premiere, wie das Publikum fast schon schockiert reagierte, als Michael Cera als kokainabhängiger Unsympath porträtiert wurde. Es war ein Befreiungsschlag. Die Branche nimmt sich oft viel zu ernst, doch hier wurde das System von innen heraus verspottet. Diese Form der Selbstgeißelung ist im modernen Kino selten geworden. Meistens versuchen Schauspieler, ihre Fehltritte zu kaschieren oder durch geschicktes Marketing zu glätten. Hier hingegen hielten sie sich den Spiegel vor und lachten über das hässliche Gesicht, das sie darin sahen.
Man könnte einwenden, dass diese Art von Humor elitär sei, weil sie Insiderwissen über die Dynamiken in Los Angeles voraussetzt. Skeptiker behaupten oft, der Film funktioniere nur für Leute, die wissen, wer diese Personen im echten Leben sind. Doch das ist zu kurz gegriffen. Die Dynamik der Gruppe spiegelt universelle Ängste wider: die Furcht vor Ausgrenzung, der Verrat unter Freunden und die bittere Erkenntnis, dass materieller Erfolg im Angesicht echter Krisen völlig wertlos ist. Es ist die radikale Absage an den Materialismus. Wenn James Francos Villa, ein Symbol für Luxus und Exklusivität, zum Gefängnis wird, verliert der Glamour seine Strahlkraft. Das ist die eigentliche Botschaft, die oft unter den dicken Schichten aus Spezialeffekten und Fäkalhumor begraben wird. Die Zerstörung der Welt ist nur die Kulisse für die Zerstörung des Egos.
Die Anatomie des Scheiterns
Was diesen Ansatz so effektiv macht, ist die technische Umsetzung der Unbehaglichkeit. Die Kameraarbeit weicht oft von den glatten Standards großer Studioproduktionen ab. Sie wirkt manchmal fast dokumentarisch, was das Gefühl verstärkt, wir würden heimlich Zeuge eines echten Nervenzusammenbruchs. Es gibt keine Helden in dieser Geschichte. Das bricht mit der traditionellen Struktur von Katastrophenfilmen, in denen meist eine moralisch integre Figur die Führung übernimmt. Hier sind alle feige, egoistisch und unfähig. Das ist eine mutige Entscheidung für eine Produktion, die Millionen gekostet hat. Die Studios verlangen normalerweise nach Sympathieträgern. Rogen und Goldberg lieferten stattdessen eine Truppe von Narzissten.
Interessanterweise funktioniert die Komik gerade deshalb, weil sie so wehtut. Wenn Jonah Hill darum bittet, dass Gott ihn rettet, während er gleichzeitig seinen Freund Seth Rogen verflucht, zeigt das die ganze Absurdität religiöser Heuchelei in Krisenzeiten. Es gibt eine Szene, in der um ein einziges Milky-Way-Stück gestritten wird. In dieser Absurdität liegt mehr Wahrheit über die menschliche Natur als in vielen ernsthaften Dramen. Es zeigt, wie dünn die Schale der Zivilisation ist, besonders wenn sie auf dem Fundament von Ruhm und Reichtum gebaut wurde. Der Film zwingt uns dazu, uns zu fragen, wie wir uns verhalten würden, wenn der rote Teppich plötzlich unter unseren Füßen weggezogen wird. Wahrscheinlich wären wir genauso erbärmlich.
Das Ende der klassischen Buddy Movie Struktur
Lange Zeit folgte das Genre festen Regeln. Zwei gegensätzliche Charaktere raufen sich zusammen, erleben ein Abenteuer und gehen am Ende gestärkt daraus hervor. This Is The End Comedy bricht diese Struktur radikal auf. Hier gibt es keine echte Läuterung, die nicht von absurden Bedingungen begleitet wird. Die Erlösung ist in dieser Welt fast schon ein technischer Fehler im System. Wer gut genug ist, wird in den Himmel gezogen, aber der Weg dorthin ist mit Peinlichkeiten gepflastert. Das verändert die Art und Weise, wie wir über Männlichkeit im Film nachdenken. Es gibt keinen heroischen Opfertod, der nicht sofort durch einen dummen Kommentar entwertet wird. Das ist keine Schwäche des Drehbuchs, sondern eine bewusste Entscheidung gegen die Pathos-Maschinerie Hollywoods.
Ein häufiges Gegenargument ist die Behauptung, der Film sei frauenfeindlich, da fast nur Männer die Handlung tragen. Doch wer genau hinsieht, erkennt, dass die Abwesenheit von Frauen – mit der glorreichen Ausnahme von Emma Watson, die den Männern ihre Grenzen aufzeigt – den Tunnelblick dieser Männergruppe unterstreicht. Sie sind so sehr in ihrer eigenen Blase gefangen, dass sie die Außenwelt gar nicht mehr wahrnehmen können. Emma Watsons Auftritt ist der Moment der Wahrheit. Sie ist die Einzige, die rational handelt, während die Männer in Panik verfallen und sich in alberne Machtkämpfe verstricken. Ihr Charakter fungiert als moralischer Kompass, der zeigt, wie verloren die anderen tatsächlich sind. Sie brauchen keine Rettung von außen, sie müssten sich selbst retten, wozu sie schlichtweg nicht in der Lage sind.
Warum wir über den Abgrund lachen müssen
Humor ist oft ein Verteidigungsmechanismus. Wenn die Welt untergeht, bleibt nur noch das Lachen, um nicht wahnsinnig zu werden. In Deutschland gibt es eine lange Tradition des Kabaretts, das politische Missstände aufs Korn nimmt. Dieser Film macht etwas Ähnliches auf kultureller Ebene. Er nimmt den Starkult als Religion wahr und führt ihn ad absurdum. In einer Zeit, in der Influencer und Prominente als moderne Heilige verehrt werden, ist eine solche Dekonstruktion bitter nötig. Wir sehen hier das Scheitern von Ikonen. Das ist befreiend. Es nimmt dem Glamour die Macht. Es zeigt uns, dass am Ende des Tages alle vor den gleichen existenziellen Fragen stehen, egal wie viele Villen sie besitzen.
Die Produktion zeigt auch, wie sich die Zusammenarbeit in der Branche gewandelt hat. Weg von den großen, unpersönlichen Apparaten hin zu Projekten, die fast schon wie Heimvideos von Profis wirken. Das gibt dem Ganzen eine Authentizität, die man nicht künstlich erzeugen kann. Man spürt die echte Geschichte hinter den Rollen. Man ahnt, welche Konflikte es am Set wirklich gab und welche Witze auf tatsächlichen Begebenheiten basieren. Diese Unmittelbarkeit ist es, die das Werk von der Masse der austauschbaren Blockbuster abhebt. Es ist ein Experiment, das glücklicherweise nicht geglättet wurde, um jedem zu gefallen.
Die Art und Weise, wie hier mit religiösen Motiven umgegangen wird, zeugt zudem von einem tiefen Verständnis für die Ängste der modernen Gesellschaft. Die Offenbarung des Johannes wird als bunte, fast schon comicartige Show inszeniert, was den Schrecken nicht mindert, sondern ihn greifbarer macht. Es ist die Angst, nicht gut genug zu sein, die hier thematisiert wird. Wer wird gewählt? Wer bleibt zurück? Diese Fragen sind so alt wie die Menschheit selbst. Der Film kleidet sie lediglich in das Gewand einer zeitgenössischen Satire. Es ist ein Spiel mit dem Feuer, das am Ende aufgeht, weil es den Mut hat, bis zum Äußersten zu gehen.
Dass diese Herangehensweise polarisiert, liegt in der Natur der Sache. Ein Film, der alle anspricht, sagt oft gar nichts aus. Hier wurde bewusst in Kauf genommen, dass ein Teil des Publikums abgeschreckt wird. Doch genau das macht gute Kunst aus. Sie muss stören. Sie muss irritieren. Sie muss uns dazu bringen, unsere eigenen Vorurteile über ein Genre zu überdenken. Was als einfacher Klamauk getarnt daherkommt, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als eine scharfsinnige Analyse einer Gesellschaft, die ihren Kompass verloren hat. Der Weltuntergang ist hier kein tragisches Ereignis, sondern die logische Konsequenz aus jahrelanger Selbstbezogenheit.
Wer den Film heute sieht, wird feststellen, dass er erstaunlich gut gealtert ist. Die Witze über die Vergänglichkeit von Ruhm sind aktueller denn je. In einer Welt, in der Karrieren innerhalb von Sekunden in den sozialen Medien zerstört werden können, wirkt die physische Zerstörung Hollywoods fast schon prophetisch. Es ist die Erkenntnis, dass nichts von Dauer ist, am wenigsten der Applaus der Massen. Das ist die harte Lektion, die die Charaktere lernen müssen, und wir lernen sie mit ihnen. Es gibt kein Entkommen vor der eigenen Bedeutungslosigkeit, außer man akzeptiert sie und fängt an, darüber zu lachen.
Ruhm ist die ultimative Isolation, und nur durch den totalen Verlust von Status finden die Protagonisten zu einer Form von Ehrlichkeit zurück, die ihnen im Blitzlichtgewitter verwehrt blieb.
