Michael Ende saß im Kino, sah sich die Verfilmung seines Lebenswerkes an und verließ den Saal als gebrochener Mann. Er nannte das Ergebnis ein gigantisches Melodram aus Kitsch, Kommerz, Plüsch und Plastik. Was Millionen von Kindern in den Achtzigerjahren als den ultimativen Triumph der Vorstellungskraft feierten, war für den Schöpfer der Vorlage der absolute Verrat an seinem philosophischen Kern. Wenn wir heute über Die Unendliche Geschichte Teil 1 sprechen, verklärt die Nostalgie oft den Blick auf eine bittere Wahrheit. Der Film markiert nämlich nicht den Beginn einer Ära des fantastischen Kinos in Deutschland, sondern den Moment, in dem die Tiefe der europäischen Erzählkunst zugunsten einer glatten, Hollywood-tauglichen Ästhetik geopfert wurde. Es ist ein Werk, das den Namen des Buches trägt, aber dessen Seele an der Kinokasse gegen Spezialeffekte eintauschte.
Der Erfolg des Films unter der Regie von Wolfgang Petersen wird meist an seinen für damalige Verhältnisse bahnbrechenden Effekten gemessen. Doch genau hier liegt der Hund begraben. Während das Buch ein meta-fiktionales Labyrinth ist, das den Leser direkt in die Verantwortung nimmt, reduziert der Film die Reise des Jungen Bastian Balthasar Bux auf eine klassische Heldenreise nach dem Baukastenprinzip. Wer das Buch kennt, weiß, dass die Geschichte eigentlich erst dort richtig beginnt, wo der erste Film endet. Indem die Produktion sich dazu entschied, nur die erste Hälfte des Romans zu verarbeiten und das Ende zu einem oberflächlichen Rache-Märchen umzuschreiben, zerstörte sie die fundamentale Warnung des Autors. In der Vorlage ist Phantásien kein Ort, den man einfach mit einem fliegenden Glücksdrachen rettet, um danach die Schulhof-Bullys zu erschrecken. Es ist ein fragiles Spiegelbild der menschlichen Psyche, das durch maßloses Wünschen und den Verlust der Erinnerung zerstört werden kann.
Die visuelle Falle von Die Unendliche Geschichte Teil 1
Man muss sich vor Augen führen, was dieser Film für die deutsche Filmindustrie bedeutete. Mit einem Budget von über sechzig Millionen Mark war es die teuerste Produktion, die das Land bis dahin gesehen hatte. Die Bavaria Studios in München wurden zum Schauplatz einer Materialschlacht, die den Vergleich mit den USA suchte. Doch diese Fixierung auf das Visuelle sorgte dafür, dass die philosophische Schwere, die Endes Werk so einzigartig machte, auf der Strecke blieb. Der Fuchur im Film sieht aus wie ein riesiger, fliegender Golden Retriever. Das mag niedlich sein und verkaufte sich hervorragend als Stofftier, aber es nimmt dem Wesen seine ursprüngliche, orientalisch angehauchte Drachengestalt, die weit mehr war als ein kuscheliger Begleiter. Diese Vermarktung des Fantastischen war der erste Schritt in Richtung einer Unterhaltungsindustrie, die das Bild über den Gedanken stellt.
Die Kritik der damaligen Zeit war gespalten. Während internationale Kritiker die handwerkliche Leistung lobten, erkannten Kenner der Literatur die Entkernung des Inhalts. Es ging nicht mehr um die existenzielle Krise eines Jungen, der durch das Lesen die Welt rettet, sondern um ein Spektakel, das den Zuschauer zum passiven Konsumenten degradiert. Das ist der große Widerspruch dieses Werkes. Es thematisiert das Sterben der Fantasie durch das "Nichts", während es gleichzeitig als Produkt genau dieses Nichts fungiert, indem es dem Zuschauer das eigene Vorstellungsvermögen durch vordefinierte Gummimasken abnimmt. Ich habe oft mit Menschen diskutiert, die den Film als ihr liebstes Kindheitserlebnis bezeichnen. Sie erinnern sich an die traurige Szene im Sumpf der Traurigkeit mit dem Pferd Artax, aber sie können kaum erklären, worum es bei der Kindlichen Kaiserin eigentlich ging. Sie wurde zur hübschen Statistin degradiert, deren einziger Zweck es war, gerettet zu werden.
Der Sumpf der oberflächlichen Emotionen
Die berühmte Szene mit Artax im Sumpf illustriert das Problem perfekt. Im Film versinkt das Pferd, weil es traurig ist, und Bastian schreit verzweifelt. Es ist eine Szene, die ganze Generationen traumatisiert hat. Doch im Buch ist dieser Moment weit weniger melodramatisch und dafür weitaus unheimlicher. Die Traurigkeit ist dort kein Sumpf, in dem man physisch ertrinkt, sondern ein schleichender Prozess des Aufgebens. Der Film braucht den Schockeffekt, das laute Drama. Er traut seinem Publikum nicht zu, die stille Gefahr des Nihilismus zu verstehen, ohne dass dabei ein Tier im Schlamm versinkt. Das ist manipulatives Kino in Reinform. Es ist effizient, ja, aber es ist auch eine Vereinfachung, die dem komplexen Thema der Depression und der Hoffnungslosigkeit nicht gerecht wird.
Ein weiterer Punkt ist die Darstellung von Atreju. In der literarischen Vorlage ist er ein Junge mit grüner Haut, ein Jäger aus dem Volk der Grashäute. Im Film wurde er zu einem hübschen, sonnengebräunten Jungen, der eher in eine kalifornische Surferschule als in die Weiten von Phantásien passt. Warum wurde diese Entscheidung getroffen? Die Antwort ist simpel und enttäuschend zugleich: Man wollte ein Gesicht, das auf Postern funktioniert. Die Fremdartigkeit Phantásiens wurde geglättet, um sie für den globalen Markt konsumierbar zu machen. Jede Kante, die das Publikum hätte irritieren können, wurde abgeschliffen. Das Ergebnis ist eine Welt, die zwar schön aussieht, aber keine wirklichen Geheimnisse mehr birgt.
Die unendliche Geschichte Teil 1 als Wendepunkt der Erzählkultur
Man kann den Einfluss dieses Films auf das Genre gar nicht hoch genug einschätzen, aber man sollte ihn kritisch bewerten. Er legte den Grundstein für eine Art von Fantasy, die sich mehr für das Design von Kreaturen interessiert als für die innere Logik ihrer Welten. Wenn man sich heutige Blockbuster ansieht, erkennt man das Erbe dieser Herangehensweise. Es geht um den Moment, um das Bild, um den Effekt. Die tiefere Bedeutung wird oft nur noch als Alibi mitgeliefert. Michael Ende versuchte sogar, seinen Namen aus dem Abspann streichen zu lassen, weil er sah, dass seine Metapher über die Heilkraft des Geschichtenerzählens in eine hohle Abenteuergeschichte verwandelt worden war. Er verlor den Prozess, aber er behielt recht mit seiner Einschätzung, dass hier eine große Chance vertan wurde.
Man könnte einwenden, dass ein Film niemals die Komplexität eines Romans erreichen kann. Das ist ein valider Punkt. Aber es gibt Beispiele von Verfilmungen, die den Geist des Originals bewahren, auch wenn sie die Handlung straffen. Hier geschah das Gegenteil. Die Handlung wurde gestrafft, und der Geist wurde dabei zerquetscht. Die Entscheidung, den Film mit dem Flug auf Fuchur durch die reale Welt enden zu lassen, ist der ultimative Beweis für dieses Missverständnis. In der Vorlage ist das Eindringen Phantásiens in die Menschenwelt ein Zeichen von Krankheit und Verfall. Im Film wird es als triumphales Happy End inszeniert. Bastian benutzt seine neue Macht, um sich an seinen Peinigern zu rächen. Das steht im direkten Widerspruch zur gesamten Botschaft des Buches, in dem es darum geht, dass wahre Macht Verantwortung bedeutet und Rache nur in die Selbstzerstörung führt.
Das Missverständnis der kindlichen Kaiserin
Ein oft übersehenes Detail ist die Rolle der Kindlichen Kaiserin. Im Film ist sie eine zerbrechliche Puppe, die um Hilfe fleht. Im Buch ist sie eine neutrale Urkraft, die weder gut noch böse ist. Sie urteilt nicht, sie herrscht nicht, sie existiert einfach nur und lässt alles in Phantásien geschehen, egal wie schrecklich es ist. Diese philosophische Nuance ist entscheidend, um zu verstehen, warum das Nichts überhaupt existieren kann. Doch für ein Massenpublikum scheint diese Amoralität einer Gottheit zu kompliziert gewesen zu sein. Also machte man aus ihr eine Prinzessin in Not. Das nimmt der Geschichte ihre Reife und macht sie zu einem gewöhnlichen Kindermärchen. Die Chance, Kindern zuzutrauen, dass sie komplexe moralische Grauzonen verstehen, wurde hier bewusst ausgeschlagen.
Es ist interessant zu beobachten, wie sich die Rezeption über die Jahrzehnte gewandelt hat. Wer den Film heute zum ersten Mal als Erwachsener sieht, ohne den Schleier der Kindheitserinnerung, wird oft von der Langsamkeit und der teilweise hölzernen Schauspielerei überrascht. Der Film lebt fast ausschließlich von seiner Atmosphäre und der Musik von Klaus Doldinger und Giorgio Moroder. Das Titelthema von Limahl ist ein Ohrwurm, keine Frage, aber es ist auch das akustische Äquivalent zu Zuckerwatte. Es ist süß, es klebt, und es hat keinen Nährwert. Es passt perfekt zu einer Produktion, die sich mehr um die Charts und das Merchandising sorgte als um die literarische Tiefe.
Wir müssen uns fragen, was wir heute von solchen Großproduktionen erwarten. Ist es genug, wenn ein Film uns für zwei Stunden in eine andere Welt entführt, oder sollte er uns auch etwas über unsere eigene Welt mitteilen? Dieses Werk hat sich für die erste Option entschieden. Es hat die Tür zu einer Welt geöffnet, die wunderschön anzusehen ist, aber deren Wände aus Pappmaschee bestehen. Wenn man hinter die Fassade blickt, findet man wenig von dem, was den Roman zu einem zeitlosen Klassiker macht. Es ist die Ironie der Geschichte, dass ausgerechnet ein Buch, das vor der Zerstörung der Fantasie warnt, zur Vorlage für einen Film wurde, der die Fantasie in ein enges Korsett aus Marktforschung und Spezialeffekten zwängte.
Die wahre Tragik liegt darin, dass viele Menschen glauben, sie kennen die Geschichte, weil sie den Film gesehen haben. Sie kennen aber nur das Skelett. Die Muskeln, die Haut und das Herz der Erzählung fehlen. Das Buch fordert den Leser auf, selbst ein Schöpfer zu sein, eigene Bilder im Kopf zu entwerfen und sich den dunklen Seiten des eigenen Ichs zu stellen. Der Film hingegen sagt: Lehn dich zurück, wir zeigen dir, wie ein Glücksdrache aussieht, und du musst gar nichts tun. Das ist das genaue Gegenteil von dem, was Michael Ende erreichen wollte. Er wollte die Menschen aktivieren, der Film hat sie eingelullt.
Skeptiker werden sagen, dass der Film trotzdem einen kulturellen Wert hat, weil er die Menschen überhaupt erst zum Buch geführt hat. Das mag stimmen. Aber wie viele sind beim Lesen enttäuscht, weil das Buch so viel düsterer, langwieriger und anspruchsvoller ist als der bunte Streifen aus dem Kino? Die Erwartungshaltung, die durch das Medium Film geschaffen wurde, steht dem eigentlichen Kunstwerk oft im Weg. Man hat den Menschen eine Diät aus Fast Food verkauft und sie dann mit einem Fünf-Gänge-Menü konfrontiert, das sie nicht mehr verdauen konnten.
Wenn wir Die Unendliche Geschichte Teil 1 heute betrachten, sollten wir das mit einer gewissen Distanz tun. Wir können die handwerkliche Leistung der Puppenbauer und Kulissengestalter bewundern. Wir können die nostalgischen Gefühle genießen, wenn die ersten Synthesizer-Klänge ertönen. Aber wir sollten aufhören, diesen Film als die ultimative Adaption des Stoffes zu feiern. Er war ein Experiment, wie man europäische Tiefgründigkeit für den Weltmarkt glattbügeln kann. Ein Experiment, das finanziell glänzend funktionierte, aber künstlerisch auf ganzer Linie scheiterte.
Es ist an der Zeit, die Geschichte neu zu bewerten. Wir leben in einer Zeit, in der visuelle Effekte alles dominieren und die Erzählstruktur oft nur noch das Gerüst für den nächsten CGI-Moment ist. In dieser Hinsicht war der Film seiner Zeit weit voraus. Er war der Vorbote einer Entwicklung, die das Kino zu einem Jahrmarkt der Attraktionen machte, auf dem für echte Philosophie kein Platz mehr ist. Wir haben die bunten Bilder gewonnen, aber wir haben die unendliche Weite der eigenen Vorstellungskraft verloren, die uns das Buch geschenkt hat.
Wahre Fantasie braucht keine Spezialeffekte, sie braucht den Mut zur Lücke, den dieser Film konsequent geschlossen hat.
