Wer heute an die goldene Ära des Hardrock denkt, landet sofort bei den legendären Alben der Mark-II-Besetzung. Jeder kennt die alles überragenden Hymnen von Machine Head oder die rohe Gewalt von In Rock. Doch oft wird dabei ein Werk übersehen, das unter extremem Druck und internen Zerwürfnissen entstand: Deep Purple Who Do We Think We Are Album. Es war das letzte gemeinsame Statement von Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Roger Glover, Jon Lord und Ian Paice, bevor das Kartenhaus der klassischen Formation vorerst in sich zusammenfiel. Wenn man die Nadel heute auf das Vinyl senkt, hört man nicht nur Musik. Man hört das Knistern von fünf Egos, die sich gegenseitig aufreiben, und genau das macht die Platte so verdammt spannend.
Die Suchintention hinter diesem Thema ist klar: Fans und Sammler wollen wissen, ob dieses Werk wirklich der „schwache Nachfolger“ ist, als der es oft abgestempelt wird, oder ob es versteckte Qualen und Qualitäten birgt. Ich sage dir: Es ist zweiteres. Wer verstehen will, warum Bands am Gipfel ihres Erfolgs zerbrechen, muss sich mit dieser Produktion beschäftigen. Es geht hier nicht um einen müden Abklatsch, sondern um ein Dokument purer Erschöpfung, das trotzdem Momente absoluter Brillanz liefert.
Die Entstehung von Deep Purple Who Do We Think We Are Album unter Hochdruck
Die Band war 1972 am Ende ihrer Kräfte. Sie tourten ununterbrochen, nahmen zwischendurch auf und hatten kaum Zeit zum Atmen. Der Erfolg von Machine Head hatte sie zu Weltstars gemacht, aber der Preis dafür war hoch. Die Spannungen zwischen dem charismatischen Sänger Ian Gillan und dem exzentrischen Gitarristen Ritchie Blackmore waren nicht mehr zu leugnen. Man mied sich, wo es nur ging.
Erste Sessions in Rom
Die ersten Versuche, neues Material aufzunehmen, fanden in Italien statt. Das Klima war heiß, die Stimmung frostig. Hier entstanden die ersten Spuren von Woman from Tokyo, einem der bekanntesten Songs der Gruppe. Man merkt dem Track eine gewisse Sehnsucht nach Fernost an, was kein Wunder war, da die Musiker gerade erst von einer triumphalen Japan-Tournee zurückgekehrt waren. Diese Reise hatte einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Trotz der Hitze in Rom kam der kreative Fluss nur schleppend in Gang. Die Bandmitglieder verbrachten mehr Zeit damit, sich aus dem Weg zu gehen, als gemeinsam im Studio zu sitzen.
Der Umzug nach Frankfurt
Weil es in Rom nicht voranging, zog die Karawane weiter nach Deutschland. In der Nähe von Frankfurt mietete man ein Haus, um die Aufnahmen abzuschließen. Hier herrschte eine fast schon gespenstische Atmosphäre. Es gibt Berichte darüber, dass die Musiker zu unterschiedlichen Zeiten aufnahmen, um sich nicht im Korridor zu begegnen. Blackmore war oft isoliert, während Gillan seine Texte im Alleingang verfasste. Dennoch schafften sie es, einen Sound zu kreieren, der erdiger und bluesiger war als alles zuvor. Es fehlte vielleicht die Aggressivität der Vorgänger, aber dafür gewann die Musik an Tiefe und Textur.
Musikalische Highlights auf Deep Purple Who Do We Think We Are Album
Obwohl die Chemie innerhalb der Gruppe vergiftet war, lieferten sie technisch auf höchstem Niveau ab. Man muss sich das mal vorstellen: Diese Leute konnten im Schlaf besser spielen als die meisten Newcomer-Bands nach drei Wochen Probe.
Woman from Tokyo als Aushängeschild
Dieser Song ist der perfekte Opener. Das Riff ist simpel, aber effektiv. Ian Paice trommelt mit einer Leichtigkeit, die man heute kaum noch findet. Der Mittelteil ist fast schon progressiv und verträumt. Er bildet einen krassen Kontrast zum treibenden Rhythmus des restlichen Stücks. Viele Kritiker warfen der Band damals vor, sie würden sich wiederholen. Ich sehe das anders. Dieser Titel zeigt eine Band, die ihren Sound perfektioniert hat und beginnt, mit Dynamik zu spielen.
Mary Long und die soziale Kritik
In Mary Long rechnete Ian Gillan mit der Moralapostel-Kultur der damaligen Zeit ab. Der Text zielt direkt auf Mary Whitehouse und Lord Longford ab, zwei prominente Figuren in Großbritannien, die für Zensur und konservative Werte standen. Es ist ein bissiger, wütender Song. Die Orgel von Jon Lord knurrt hier besonders dreckig. Es zeigt, dass die Band eben nicht nur über Rock 'n' Roll-Klischees sang, sondern auch eine Meinung zum Zeitgeschehen hatte.
Rat Bat Blue und das Gitarrenspiel
Wer wissen will, warum Ritchie Blackmore als Gott an der Stratocaster gilt, muss Rat Bat Blue hören. Das Hauptriff ist vertrackt und funky. Es ist kein typisches Hardrock-Riff, sondern hat diesen speziellen Swing, den nur diese Besetzung hinbekam. Das Solo ist eine Demonstration von Technik und Gefühl. Man hört förmlich, wie Blackmore seine Wut in die Saiten kanalisiert. Roger Glover liefert dazu einen Basslauf, der wie ein Uhrwerk pumpt.
Die technische Seite der Produktion
Die Platte wurde mit dem berühmten Rolling Stones Mobile Studio aufgenommen. Das war damals der Goldstandard für Aufnahmen außerhalb klassischer Tonstudios. Man wollte Flexibilität. Martin Birch, der legendäre Produzent, der später auch Iron Maiden zu Weltruhm verhalf, saß an den Reglern. Er hatte die undankbare Aufgabe, aus den zersplitterten Fragmenten ein kohärentes Ganzes zu formen.
Birch verstand es meisterhaft, die Dynamik der Gruppe einzufangen. Der Sound ist warm und organisch. Es gibt keine digitalen Tricks, kein Autotune, keine künstlichen Hallräume. Was man hört, ist der echte Klang der Verstärker im Raum. Wenn man die LP heute auf einer guten Anlage hört, merkt man, wie viel Luft zwischen den Instrumenten ist. Das ist hohe Kunst der Tontechnik. Ein Blick in die Diskografie bei Deep Purple Official zeigt, wie wichtig dieser Abschnitt für die Evolution der Band war.
Der Kontext des Jahres 1973
Man darf nicht vergessen, in welcher Gesellschaft diese Musik entstand. 1973 war ein Jahr des Umbruchs. Die Ölkrise zeichnete sich ab, der Vietnamkrieg neigte sich dem Ende zu und die Rockmusik wurde immer komplexer. Pink Floyd veröffentlichten Dark Side of the Moon, Led Zeppelin brachten Houses of the Holy heraus. In diesem Umfeld wirkte das siebte Studioalbum der Hardrock-Pioniere fast schon konservativ. Doch gerade diese Beständigkeit sicherte ihnen den Erfolg.
In Deutschland war die Band riesig. Die Bravo widmete ihnen regelmäßig Poster und Berichte. Das Album erreichte in vielen Ländern die Top 10, in den USA reichte es für Goldstatus. Doch der kommerzielle Erfolg konnte die Risse im Gefüge nicht mehr kitten. Kurz nach der Veröffentlichung wurde bekannt, dass Gillan und Glover die Band verlassen würden. Es war das Ende einer Ära.
Warum das Album heute noch relevant ist
Oft fragen mich Leute, warum sie sich dieses Werk heute noch anhören sollten, wenn es doch Machine Head gibt. Die Antwort ist einfach: Weil es menschlich ist. Es ist kein perfektes Produkt einer Marketingmaschine. Es ist das Produkt von fünf Genies, die sich nicht mehr ausstehen konnten, aber durch ihr Handwerk verbunden waren.
Man spürt die Müdigkeit in Gillans Stimme bei Songs wie Super Trouper, aber genau das verleiht dem Ganzen eine Melancholie, die dem Hardrock sonst oft fehlt. Es ist eine ehrliche Platte. Sie tut nicht so, als wäre alles in Ordnung. Wer sich für die Geschichte der Rockmusik interessiert, kommt an diesem Meilenstein nicht vorbei. Er markiert den Übergang von der puristischen Hardrock-Phase hin zu den bluesigeren Experimenten der späteren Mark-III-Besetzung mit David Coverdale und Glenn Hughes.
Der Einfluss auf spätere Generationen
Viele Musiker der New Wave of British Heavy Metal berufen sich auf den Sound dieses Albums. Bands wie Saxon oder Def Leppard nahmen sich die trockene Produktion zum Vorbild. Es geht nicht um Bombast, sondern um Riffs und Groove. Auch in der modernen Retro-Rock-Welle findet man viele Anleihen. Wenn eine Band wie Greta Van Fleet oder Rival Sons heute einen Song schreibt, dann steckt in der DNA oft ein Stückchen von dem Spirit, den die fünf Engländer 1973 im Frankfurter Umland eingefangen haben.
Sammlerwert und Editionen
Für Vinyl-Liebhaber ist die Erstpressung ein Muss. Das Cover mit den Gesichtern der Musiker in Sprechblasen (oder vielmehr „Gedankenblasen“) ist ikonisch. Es gibt mittlerweile zahlreiche Remastered-Versionen und Jubiläums-Editionen. Die 25th Anniversary Edition bietet beispielsweise interessante Einblicke durch Bonustracks und alternative Mixe. Man hört dort die Rohdiamanten, bevor sie poliert wurden. Auch auf Plattformen wie Discogs kann man sehen, dass die Preise für gut erhaltene Originale stetig steigen. Das zeigt: Das Interesse ist ungebrochen.
Häufige Irrtümer über die Platte
Es hält sich hartnäckig das Gerücht, die Band hätte das Album nur wegen vertraglicher Verpflichtungen „hingeklatscht“. Das ist Quatsch. Wenn man sich Stücke wie Smooth Dancer anhört, merkt man, wie viel Energie da drinsteckt. Ja, sie waren fertig mit der Welt. Aber sie waren Profis. Sie haben bis zum letzten Tag abgeliefert.
Ein weiterer Fehler ist die Annahme, Ritchie Blackmore hätte sich bereits komplett zurückgezogen. Seine Soli auf diesem Werk gehören zu seinen flüssigsten und inspiriertesten Momenten. Er experimentierte mit neuen Effekten und Sounds, die er später bei Rainbow perfektionierte. Es war also eher eine Phase der Neuerfindung als eine Phase der Stagnation.
Ein Blick auf die einzelnen Songs
Gehen wir mal tiefer in die Trackliste. Nach dem starken Einstieg folgt Super Trouper. Nein, das hat nichts mit ABBA zu tun. Es ist ein düsterer, fast schon schleppender Song mit einem großartigen Refrain. Dann kommt Mary Long, gefolgt von Smooth Dancer. Letzterer ist ein schneller Rocker, der fast schon an Speed Metal erinnert – lange bevor das Genre überhaupt einen Namen hatte.
Die B-Seite der ursprünglichen LP beginnt mit Rat Bat Blue. Danach folgt Place in Line. Das ist ein langsamer Blues-Track, der zeigt, wie sehr die Band in den Wurzeln der schwarzen Musik verankert war. Jon Lord spielt hier ein Solo, das einem die Tränen in die Augen treiben kann. Den Abschluss bildet Our Lady. Ein untypischer Song für die Band, sehr hymnisch, fast schon sakral durch die Hammond-Orgel. Es war ein würdiger Abschied für diese Besetzung.
Die Rolle von Jon Lord
Jon Lord wird oft unterschätzt, wenn es um die Härte von Deep Purple geht. Auf diesem Album beweist er, dass eine Orgel genauso gefährlich klingen kann wie eine verzerrte Gitarre. Er füllt die Lücken, die Blackmore lässt, und gibt dem Sound das nötige Fundament. Ohne seine klassisch geschulten Einflüsse wäre die Band nur eine von vielen Hardrock-Combos gewesen. Hier zeigt er noch einmal seine ganze Klasse, bevor sich der Fokus der Band in den kommenden Jahren verschob.
Der Bass von Roger Glover
Roger Glover ist der heimliche Held. Er hielt den Laden zusammen, während sich die anderen stritten. Sein Bassspiel ist unaufgeregt, aber extrem effektiv. Er sorgt dafür, dass die Songs nicht auseinanderfallen, wenn Blackmore mal wieder in seine eigenen Sphären abdriftet. Dass er nach diesem Album gehen musste, war aus musikalischer Sicht ein schwerer Schlag, den die Band nur mühsam verkraftete.
Was du jetzt tun solltest
Wenn du dieses Album seit Jahren nicht mehr gehört hast, ist jetzt der richtige Zeitpunkt. Hier sind meine Tipps für das optimale Erlebnis:
- Besorg dir eine analoge Kopie. Der warme Klang des Vinyls passt perfekt zur erdigen Produktion.
- Hör die Platte am Stück. Es ist kein Album für die Playlist im Hintergrund. Es braucht Aufmerksamkeit.
- Lies die Texte mit. Ian Gillan war auf seinem lyrischen Höhepunkt und verarbeitete viel Frust und Gesellschaftskritik.
- Achte auf das Zusammenspiel von Orgel und Gitarre. Diese telepathische Verbindung war einmalig.
- Vergleiche es mit Machine Head. Du wirst merken, dass es nicht schlechter ist, sondern einfach nur anders – erwachsener, vielleicht sogar ein bisschen bitterer.
Dieses Werk ist ein lebendiges Beispiel dafür, dass großartige Kunst oft aus Schmerz und Konflikten entsteht. Es ist das Dokument einer Band am Scheideweg. Wer Rockmusik in ihrer reinsten, ungeschönten Form erleben will, muss diese Scheibe besitzen. Es gibt keine Ausreden. Geh in den nächsten Plattenladen oder such online nach einer gut erhaltenen Kopie. Du wirst es nicht bereuen.
In der Retrospektive ist es faszinierend zu sehen, wie die Bandmitglieder heute über diese Zeit sprechen. In Interviews geben sie oft zu, dass sie damals einfach eine Pause gebraucht hätten. Doch das Management und die Gier der Industrie ließen das nicht zu. Dass unter diesen Umständen so ein qualitativ hochwertiges Produkt herauskam, grenzt an ein Wunder. Es zeigt die immense Professionalität dieser fünf Ausnahmeerscheinungen.
Letztlich bleibt die Erkenntnis, dass Musikgeschichte nicht nur aus den glänzenden Momenten besteht. Die Schattenseiten, die Krisen und das Scheitern gehören dazu. Sie geben den großen Erfolgen erst ihre Bedeutung. Dieses Album ist der Schatten, der das Licht der Mark-II-Ära erst so richtig strahlen lässt. Es ist ein Muss für jeden, der behauptet, etwas von Hardrock zu verstehen. Wer es ignoriert, verpasst einen entscheidenden Teil der Geschichte. Also, leg die Platte auf, dreh die Lautstärke auf 11 und lass dich von der Urgewalt dieser Band wegblasen. Es ist dreckig, es ist laut und es ist verdammt ehrlich. Genau so muss Rock 'n' Roll sein. Kein Schnickschnack, nur echtes Handwerk von Leuten, die wussten, was sie taten – auch wenn sie sich dabei gegenseitig an die Gurgel wollten. Das ist die wahre Magie hinter diesem oft unterschätzten Klassiker. Es war der Knall, mit dem eine Ära endete, und dieser Knall hallt bis heute nach. Wer Ohren hat zu hören, der höre. Und wer ein Herz für echte Musik hat, der wird dieses Werk lieben lernen, so wie ich es über die Jahrzehnte getan habe. Es gibt immer wieder neue Details zu entdecken, kleine Nuancen im Mix, die einem vorher nie aufgefallen sind. Das ist das Zeichen eines zeitlosen Klassikers. Es altert nicht, es reift. Und wir haben das Privileg, daran teilhaben zu dürfen. Jedes Mal, wenn die Nadel die Rille berührt. Jedes Mal, wenn der erste Akkord von Woman from Tokyo durch den Raum peitscht. Das ist Freiheit. Das ist Rock. Das ist Deep Purple. Und daran wird sich niemals etwas ändern, egal wie viele Jahre noch vergehen oder welche Trends gerade durch das Dorf getrieben werden. Qualität setzt sich am Ende immer durch. Und diese Qualität ist hier in jeder Sekunde spürbar. Amen.
