deep purple who do we think we are

Manchmal ist der Moment des größten Erfolgs gleichzeitig der Beginn des Zerfalls. Deep Purple standen 1972 am Gipfel der Rockwelt, getragen von einer Erfolgswelle, die kaum ein anderes Kollektiv dieser Ära erreichte. Doch während die Welt noch die Riffs von Machine Head feierte, brodelte es intern gewaltig. Inmitten dieser Spannung entstand ein Werk, das oft zu Unrecht im Schatten seiner Vorgänger steht. Das Album Deep Purple Who Do We Think We Are markiert den Schlusspunkt der legendären Mark II Besetzung vor ihrem ersten großen Bruch. Wer heute diese Platte auflegt, hört nicht nur Musik, sondern das klangliche Protokoll einer Band, die sich buchstäblich auseinanderlebte. Ian Gillan und Ritchie Blackmore konnten kaum noch im selben Raum sein. Trotzdem lieferten sie ab.

Die Atmosphäre im Studio von Rom bis Frankfurt

Es war heiß, es war stickig und die Stimmung war im Keller. Die Band versuchte zunächst in Italien aufzunehmen, was gründlich schiefging. Es fehlte an Fokus. Später zogen sie in die Nähe von Frankfurt um, in die Walldorf-Halle. Hier passierte etwas Merkwürdiges. Obwohl die Kommunikation zwischen den Musikern fast nur noch über Dritte oder durch die Instrumente stattfand, entstand ein Sound, der erdiger und bluesiger war als alles zuvor. Gillan schrieb Texte, die oft kryptisch wirkten, aber tiefe Frustration offenbarten.

Die Arbeit im Rolling Stones Mobile Studio war damals der Standard für Bands, die sich den Luxus leisten konnten, abseits starrer Studiozeiten zu kreieren. Man wollte die rohe Energie einfangen. Wenn man heute die Aufnahmen hört, merkt man sofort, dass die Virtuosität von Jon Lord und das punktgenaue Schlagzeugspiel von Ian Paice das Fundament bildeten, das alles zusammenhielt. Ohne dieses rhythmische Gerüst wäre das Projekt vermutlich implodiert. Roger Glover, der damals schon als Produzent mitdachte, versuchte die Scherben zu kitten, während Blackmore sich immer mehr in seine eigene Welt zurückzog.

Deep Purple Who Do We Think We Are und die Dynamik der Erschöpfung

Der Titel des Albums war eine direkte Reaktion auf die Kritik und die Briefe von Fans. Man warf den Musikern Arroganz vor. Gillan fand das amüsant und gleichzeitig beleidigend. Er griff die Frage auf und machte sie zum Motto. Es war eine Trotzreaktion. Wer glauben wir eigentlich, wer wir sind? Wir sind die Band, die den Hardrock definiert hat, und wir schulden niemandem eine Erklärung. Diese Haltung zieht sich durch die sieben Tracks der ursprünglichen Veröffentlichung.

Ein Blick auf die Chartplatzierungen jener Zeit zeigt, dass das Publikum die Qualität erkannte, auch wenn die Kritiker teilweise monierten, es fehle der eine große Überflieger wie Smoke on the Water. In Deutschland erreichte das Album Platz drei der Charts. In den USA und Großbritannien war es ebenfalls ein kommerzieller Erfolg. Man darf nicht vergessen, dass Deep Purple zu diesem Zeitpunkt die meistverkaufte Band der Welt war. Der Druck, diesen Status zu halten, war immens.

Mary Long und die soziale Scharfzüngigkeit

Ein herausragendes Beispiel für die lyrische Schärfe dieser Phase ist der Song Mary Long. Hier rechneten Gillan und Glover mit der moralischen Doppelmoral der britischen Gesellschaft ab. Der Name ist eine Kombination aus Mary Whitehouse und Lord Longford, zwei bekannten Vertretern der damaligen Zensurwünsche und Sittenwächterei.

• Die Texte kritisierten die Einmischung in die persönliche Freiheit.
• Musikalisch dominiert ein schleppender, fast schon arroganter Groove.
• Die Hammond-Orgel von Jon Lord setzt Akzente, die fast wie ein hämisches Lachen klingen.

Es ist dieser Mut zur Lücke, der das Album heute so hörenswert macht. Es gibt keine polierte Oberfläche. Alles wirkt etwas dreckiger, etwas müder, aber dadurch auch menschlicher als die technische Perfektion der Vorgängerwerke.

Der Blues-Faktor in Place in Line

Wer behauptet, Hardrock müsse immer nur schnell und laut sein, hat Place in Line nicht verstanden. Dieser Song ist eine monumentale Blues-Nummer, die zeigt, wie tief die Wurzeln der Musiker in der Tradition stecken. Ritchie Blackmore spielt hier Soli, die weit weniger klassisch beeinflusst sind als seine späteren Arbeiten bei Rainbow. Es ist pure, emotionale Entladung.

Ich habe oft mit Sammlern gesprochen, die genau diesen Song als den heimlichen Höhepunkt der Platte bezeichnen. Er bricht mit der Erwartungshaltung des typischen Purple-Fans. Er fordert Geduld. Die Band nimmt sich Zeit, den Song aufzubauen. Das ist kein Radio-Futter. Das ist Musik für Leute, die sich mit Kopfhörern in einen dunklen Raum setzen und die Nuancen der Verstärkerverzerrung genießen wollen.

Die technische Brillanz hinter den Kulissen

Man muss die Produktion loben. Obwohl die Bandmitglieder sich mieden, ist der Mix klar und druckvoll. Ian Paice beweist hier einmal mehr, warum er für mich der beste Rock-Drummer seiner Generation ist. Sein Swing ist unnachahmlich. Er spielt nicht einfach nur einen Takt; er atmet mit der Musik. Das hört man besonders bei Rat Bat Blue. Dieses Riff ist eines der unterschätztesten der Rockgeschichte.

Die Rolle des Rolling Stones Mobile Studio

Dieses Studio auf Rädern war eine Revolution. Es ermöglichte Bands, an Orten aufzunehmen, die eine besondere Akustik oder Atmosphäre boten. Für dieses siebte Studioalbum der Briten war es die einzige Möglichkeit, die Spannungen produktiv zu nutzen. Wenn Blackmore keine Lust auf Gillan hatte, kam er eben zu anderen Zeiten ins Mobilstudio.

Die Technik war damals natürlich rein analog. Man nutzte 16-Spur-Maschinen. Das bedeutete, man musste Entscheidungen treffen. Man konnte nicht unendlich viele Spuren übereinanderlegen, wie es heute am Laptop möglich ist. Diese Limitierung zwang die Band zu einer gewissen Disziplin, auch wenn das interne Klima das Gegenteil vermuten ließ. Wer die Geschichte der Rockmusik verstehen will, sollte sich die Dokumentationen über das Rolling Stones Mobile Studio ansehen, das heute im National Music Centre in Kanada steht. Es ist ein heiliger Gral der Aufnahmetechnik.

Smooth Dancer und das Tempo

Ein Song wie Smooth Dancer zeigt die aggressive Seite der Band. Es ist ein schnelles, fast schon punkiges Stück, das Gillans Stimme bis an die Grenzen fordert. Es ist kein Geheimnis, dass der Text eine Abrechnung mit Blackmore ist. „Black suede don't make you a man" – deutlicher konnte Gillan seine Abneigung gegen die Allüren des Gitarristen kaum ausdrücken. Es ist faszinierend, wie diese Feindseligkeit in kreative Energie umgemünzt wurde.

Warum das Album heute noch relevant ist

In einer Zeit, in der Musik oft glattgebügelt und durch Autotune gejagt wird, wirkt diese Veröffentlichung wie ein Fels in der Brandung. Es ist ehrlich. Es ist fehlerbehaftet. Und genau das macht es gut. Die Musiker waren am Ende ihrer Kräfte, physisch wie psychisch. Tourneen durch die ganze Welt, ständiger Druck vom Management und die Erwartung der Fans forderten ihren Tribut.

Der Abschied von Ian Gillan und Roger Glover

Nach der Tour zum Album war Schluss. Gillan reichte seinen Abschied ein, und Glover wurde mehr oder weniger gedrängt zu gehen. Es war das Ende einer Ära. Die Mark III Besetzung mit David Coverdale und Glenn Hughes brachte später eine funkigere Note ein, aber die rohe Wut der Mark II Besetzung ging verloren.

Wenn man Deep Purple Who Do We Think We Are hört, wird einem bewusst, dass man hier den Schwanengesang einer der einflussreichsten Formationen der Musikgeschichte vor sich hat. Es ist ein Album für Kenner. Es braucht zwei oder drei Durchläufe, bis es seine volle Wirkung entfaltet. Es gibt keine offensichtlichen Hits, die man sofort mitsingen kann, aber es gibt eine Tiefe, die man auf Machine Head vergeblich sucht.

Die Bedeutung von Woman from Tokyo

Man kann diesen Text nicht schreiben, ohne Woman from Tokyo zu erwähnen. Es ist der bekannteste Song der Platte. Inspiriert von ihrer ersten Japan-Tour, die auch das legendäre Live-Album Made in Japan hervorbrachte, fängt der Song die Faszination für das Unbekannte ein. Das Riff ist klassisch Blackmore. Der Mittelteil ist fast schon psychedelisch und erinnert an die frühen Tage der Band.

• Der Song war ein riesiger Erfolg im Radio.
• Er bildet den perfekten Kontrast zu den düstereren Momenten der Platte.
• Die Dynamik zwischen leisem Piano und donnernden Gitarren ist meisterhaft.

Es ist fast ironisch, dass dieser Song, der so viel Lebensfreude ausstrahlt, in einer Zeit tiefster Depression innerhalb der Gruppe entstand. Aber das ist oft das Geheimnis großer Kunst.

Praktische Tipps für Sammler und Hörer

Wer sich heute dieses Meisterwerk zulegen möchte, steht vor einer großen Auswahl. Es gibt unzählige Pressungen. Die Originale auf dem Purple Records Label sind natürlich bei Sammlern besonders begehrt. Aber auch die neueren Remaster-Versionen haben ihre Daseinsberechtigung.

1. Sucht nach der 25th Anniversary Edition. Sie enthält Bonus-Tracks und Remixe von Roger Glover, die den Sound noch einmal deutlich aufwerten. Besonders der Remix von Rat Bat Blue ist eine Offenbarung.
2. Achtet bei Vinyl-Käufen auf den Zustand des Covers. Die Originalhülle mit dem Collagen-Design ist anfällig für Abnutzungen an den Kanten.
3. Hört euch die Texte genau an. Besorgt euch die Lyrics und lest mit. Viele Anspielungen auf die damalige Zeit werden erst dann klar.

Die Band selbst hat sich über die Jahrzehnte immer wieder neu erfunden. Wer mehr über die aktuelle Besetzung und Tourdaten erfahren möchte, sollte die offizielle Webseite von Deep Purple besuchen. Dort sieht man, dass der Geist dieser Ära auch heute noch weiterlebt, auch wenn die Besetzung eine andere ist.

Der Einfluss auf nachfolgende Generationen

Viele Bands des Heavy Metal und Hard Rock der 80er Jahre nannten genau diese Phase von Deep Purple als ihren Haupteinfluss. Die Kombination aus technischem Können und purer Aggression war wegweisend. Man hört Spuren dieses Sounds bei Metallica, Iron Maiden und sogar im modernen Progressive Metal.

Ehrlich gesagt ist es erstaunlich, wie frisch die Aufnahmen auch nach über 50 Jahren noch klingen. Die Produktion ist zeitlos. Es gibt keine peinlichen Synthesizer-Experimente, die die Zeit schlecht gealtert hätten. Es ist eine reine Rock-Produktion. Gitarre, Bass, Schlagzeug, Orgel, Gesang. Mehr braucht es nicht.

Die Legende von Rat Bat Blue

Dieser Song verdient eine eigene Betrachtung. Das Riff ist technisch anspruchsvoll, weil es einen ungewöhnlichen Rhythmus hat. Jon Lord spielt hier eines seiner besten Soli. Er nutzt Verzerrung auf seiner Orgel, die fast wie eine Gitarre klingt. Das war sein Markenzeichen. Er hat die Hammond-Orgel in den Hardrock integriert, indem er sie über Marshall-Verstärker spielte. Das gab dem Sound diese unverwechselbare Schwere.

Wenn du heute als Musiker versuchst, diesen Sound nachzubauen, merkst du schnell, wie schwierig das ist. Es geht nicht nur um das Equipment. Es geht um das Zusammenspiel. Diese fünf Leute hatten eine Chemie, die man nicht künstlich erzeugen kann. Sie haben sich vielleicht gehasst, aber musikalisch waren sie eine Einheit.

Die historische Einordnung

Im Kontext der Diskografie wird dieses Werk oft als Übergangsalbum bezeichnet. Ich halte das für falsch. Es ist ein eigenständiges Statement. Es zeigt eine Band, die erwachsen geworden ist und sich weigert, die alten Erfolgsrezepte einfach nur zu wiederholen. Es ist mutiger als man denkt.

Die Verkaufszahlen waren damals beeindruckend, aber der wahre Wert zeigt sich erst in der Rückschau. Es ist das letzte Puzzleteil einer Ära, die den Rock für immer verändert hat. Wer die Geschichte von Deep Purple verstehen will, muss sich intensiv mit diesen Aufnahmen beschäftigen. Es ist die Brücke zwischen dem harten Rock von In Rock und den experimentelleren Wegen, die die einzelnen Mitglieder später einschlugen.

Der Weg nach vorn für dich

Wenn du jetzt Lust bekommen hast, die Platte zu hören, dann mach es richtig. Leg das Handy weg, schenk dir ein Getränk ein und hör das Album von Anfang bis Ende durch. Achte auf die kleinen Details. Das Lachen im Hintergrund, das Knistern der Verstärker, die kleinen Variationen im Schlagzeugspiel.

• Besorge dir eine hochwertige Kopie des Albums.
• Lies Biografien über die Band, um den Kontext der Aufnahmen besser zu verstehen.
• Vergleiche die Studioversionen mit den Live-Aufnahmen aus dieser Zeit, etwa auf Live in Denmark 1972.

Die Reise durch die Diskografie dieser Band ist eine der lohnendsten Erfahrungen für jeden Musikfan. Man lernt viel über Durchhaltevermögen, Kreativität unter Druck und die Tatsache, dass Reibung oft die schönste Energie erzeugt. Deep Purple haben mit diesem Werk bewiesen, dass sie genau wussten, wer sie waren: Die unangefochtenen Könige des harten Sounds, die sich selbst treu blieben, auch wenn es weh tat.

Nimm dir die Zeit, diese Ära neu zu entdecken. Es lohnt sich. Die Musik ist ein Zeugnis einer Zeit, in der Giganten die Erde durchstreiften und der Rock 'n' Roll noch keine festen Regeln hatte. Dieses Album ist das perfekte Beispiel für die unbändige Kraft, die entsteht, wenn Ausnahmetalente aufeinandertreffen – selbst wenn sie sich dabei gegenseitig fast zerstören.