Wer heute in einem Plattenladen oder auf einem Flohmarkt die Bruce Springsteen CD Born In The USA in die Hand nimmt, sieht meist nur das Offensichtliche. Da ist dieses Cover mit der Jeans, der roten Kappe in der Gesäßtasche und der überlebensgroßen US-Flagge im Hintergrund. Für die meisten Menschen ist dieses Objekt das ultimative Symbol für einen ungebrochenen amerikanischen Patriotismus der achtziger Jahre. Es gilt als der Soundtrack zu Ronald Reagans „Morning in America“, als eine Hymne auf die Vormachtstellung einer Supermacht. Doch wer genau hinhört und die Geschichte hinter der glänzenden Oberfläche betrachtet, erkennt schnell, dass dieses Album in Wahrheit eines der bittersten und verzweifeltsten Werke der Rockmusik ist. Es ist kein Jubelgesang, sondern eine Anklageschrift, die durch ihre eigene Popularität mundtot gemacht wurde. Die glänzende Silberscheibe markiert den Moment, in dem die Botschaft eines Künstlers unter dem Gewicht einer massentauglichen Produktion zerbrach.
Ich erinnere mich gut an die Gespräche mit Sammlern, die behaupten, dieses Werk sei der Inbegriff des Stadionrocks. Sie liegen falsch. Man muss sich klarmachen, dass der Titelsong ursprünglich als karger, düsterer Akustik-Track für das Vorgängeralbum Nebraska geplant war. In dieser Urform gab es keinen Zweifel an der Intention: Es ging um einen traumatisierten Vietnam-Veteranen, der in eine Heimat zurückkehrt, die ihn nicht mehr will. Dass ausgerechnet dieses Lamento durch den Einsatz von treibenden Synthesizern und Max Weinbergs donnerndem Schlagzeug zu einer Faust-hoch-Hymne mutierte, ist die größte Ironie der Musikgeschichte. Das Publikum hörte nur den Refrain, schrie ihn mit und ignorierte die Strophen über die Hoffnungslosigkeit in den Industriebrachen der USA. Die Bruce Springsteen CD Born In The USA wurde so zum Trojanischen Pferd, das eine zutiefst linke, systemkritische Erzählung in die Wohnzimmer konservativer Amerikaner schmuggelte, wo sie jedoch ungeöffnet im Regal verstaubte. Für eine alternative Sichtweise, schauen Sie sich an: diesen verwandten Artikel.
Die optische Täuschung der Bruce Springsteen CD Born In The USA
Es ist ein weit verbreiteter Irrtum, dass Erfolg zwangsläufig mit Verständnis einhergeht. Die Verkaufszahlen dieses Albums sind astronomisch, doch die Fehlinterpretation ist es auch. Das Coverfoto von Annie Leibovitz trug maßgeblich dazu bei. Viele sahen darin eine Verbeugung vor der Flagge, während Springsteen selbst später betonte, dass er einfach nur seinen Hintern fotografieren ließ, weil dieser besser aussah als sein Gesicht. Diese Banalität der Entstehung steht im krassen Gegensatz zur politischen Vereinnahmung, die kurz darauf folgte. Als Ronald Reagan während seiner Wahlkampftour 1948 in New Jersey auftrat und Springsteens Namen nannte, um Hoffnung und amerikanische Werte zu beschwören, war das Debakel perfekt. Springsteen reagierte zwar mit einer öffentlichen Distanzierung, aber der Geist war bereits aus der Flasche. Die Musik war zu laut, zu eingängig und zu perfekt produziert, um als Protest wahrgenommen zu werden.
Der Klang der Industrie und die Falle des Mainstreams
Wer die Produktion des Albums analysiert, stößt auf das Wirken von Bob Clearmountain. Er war der Mann, der dem rauen Sound der E Street Band einen modernen, fast schon klinischen Glanz verlieh. Das war kein Zufall, sondern Kalkül. Man wollte die Radiostationen erobern. Das Problem dabei ist, dass die klangliche Ästhetik der achtziger Jahre – dieser massive Hall auf der Snare Drum und die schneidenden Keyboards – jegliche Subtilität im Keim erstickte. Wenn du heute Downbound Train hörst, ein Lied über einen Mann, der alles verliert und am Ende in einer Holzhandlung arbeitet, während er von seiner Ex-Frau träumt, dann spürst du die Diskrepanz. Die Musik klingt nach Sieg, der Text schreit nach Niederlage. Zusätzliche Informationen in dieser Sache wurden von Kino.de veröffentlicht.
Es gibt Kritiker, die behaupten, Springsteen hätte genau gewusst, was er tat. Sie unterstellen ihm, er hätte die politische Botschaft absichtlich hinter einem Wall of Sound versteckt, um den größtmöglichen kommerziellen Erfolg zu erzielen. Ich halte das für eine zu zynische Sichtweise. Es ist vielmehr die Tragik eines Künstlers, der versucht hat, die Massen zu erreichen, ohne zu merken, dass die Massen nur das konsumieren, was ihnen schmeckt. In den USA der Reagan-Ära war kein Platz für die Melancholie eines gescheiterten Traums. Man wollte Helden, und Springsteen sah in seiner Lederjacke und den Jeans nun mal wie einer aus. Dass er über sterbende Städte und zerbrochene Familien sang, wurde als notwendiges Hintergrundrauschen abgetan.
Das technologische Symbol einer Ära
Die Einführung der Compact Disc Mitte der achtziger Jahre spielte eine wesentliche Rolle bei der Zementierung dieses Missverständnisses. Die Bruce Springsteen CD Born In The USA war eine der ersten großen Produktionen, die massenhaft auf diesem neuen Medium gepresst wurden. In Japan, im Werk von Columbia Records, war es sogar die allererste CD, die überhaupt für den US-Markt produziert wurde. Die Reinheit des digitalen Klangs eliminierte das Knistern und die Wärme des Vinyls, was die ohnehin schon künstliche Produktion noch weiter hervorhob. Das Album klang auf CD wie eine perfekt geschmierte Maschine. Es passte ideal in die Zeit des technologischen Optimismus, obwohl der Inhalt vor den Ruinen eben jener Maschinen warnte, die Amerika einst groß gemacht hatten.
Man kann die Bedeutung dieses physischen Objekts nicht unterschätzen. Es war ein Statussymbol. Wer einen CD-Player besaß, kaufte dieses Album, um die Dynamik seiner Anlage zu testen. Man drückte auf Play, hörte den brachialen Einsatz des Titelsongs und fühlte sich mächtig. Niemand skippte zu den leiseren Momenten wie My Hometown, um über die sozioökonomische Erosion der Vorstädte nachzudenken. Das Medium veränderte die Art des Hörens. Die CD ermöglichte einen schnellen Zugriff auf die Hits, und das förderte eine selektive Wahrnehmung, die dem Gesamtwerk nicht gerecht wurde.
Die verdrängte Realität hinter den Hits
Betrachten wir Tracks wie Working on the Highway. Oberflächlich betrachtet ist es ein lockerer Rock-and-Roll-Song mit einem Rhythmus, der zum Mitwippen einlädt. Doch wer den Text liest, findet die Geschichte eines Mannes, der im Straßenbau arbeitet und schließlich im Gefängnis landet, weil er mit einer Minderjährigen durchgebrannt ist. Es ist eine düstere Erzählung, verpackt in ein buntes Geschenkpapier. Diese Methode zieht sich durch das gesamte Album. Dancing in the Dark, der größte Hit des Albums, ist kein fröhlicher Tanzsong. Es ist ein Schrei nach Hilfe von jemandem, der sich innerlich tot fühlt und verzweifelt nach einem Funken Inspiration sucht. Die Tatsache, dass Millionen von Menschen dazu in Diskotheken tanzten, ist der endgültige Beweis für die totale Entkoppelung von Inhalt und Form.
Skeptiker werden nun einwerfen, dass es die Aufgabe von Popmusik sei, zu unterhalten, und dass die Ambivalenz gerade den Reiz ausmache. Das mag in der Theorie stimmen. Aber im Fall von Bruce Springsteen führte diese Ambivalenz dazu, dass er jahrelang als Posterboy einer Bewegung galt, die er eigentlich zutiefst verabscheute. Er wurde zum unfreiwilligen Gesicht eines ungezügelten Kapitalismus, der genau die Menschen zerstörte, über die er schrieb. Das ist kein Erfolg, das ist ein kommunikatives Desaster. Wenn ein Künstler so gründlich missverstanden wird, dass sein Protest als Bestätigung des Status Quo wahrgenommen wird, hat die Kunstform versagt oder wurde vom System assimiliert.
Es ist nun mal so, dass wir uns gerne von der Energie anstecken lassen. Wir wollen die Kraft spüren, die von der E Street Band ausgeht. Das ist menschlich. Aber wir machen es uns zu einfach, wenn wir den Boss nur als den Mann für die großen Stadien sehen. Die wahre Stärke dieses Albums liegt nicht in der Lautstärke, sondern in der schmerzhaften Ehrlichkeit, die unter dem produktionstechnischen Firnis vergraben liegt. Wer sich die Mühe macht, die Schichten abzutragen, findet einen Künstler, der am Rande der Erschöpfung steht und versucht, seiner Heimat den Spiegel vorzuhalten, während die Heimat den Spiegel nutzt, um sich selbst darin zu bewundern.
Man kann das Ganze als eine Art kollektive Verdrängung bezeichnen. Wir wollten in den achtziger Jahren nicht hören, dass der amerikanische Traum Risse hat. Wir wollten die glänzende Oberfläche der neuen Digitaltechnik und die pumpenden Beats. Das Album lieferte beides, und so wurde die Kritik am System zum Treibstoff des Systems selbst. Es ist ein Paradoxon, das bis heute nachwirkt. Wenn Politiker heute versuchen, Rockmusik für ihre Zwecke einzuspannen, folgen sie dem Drehbuch, das 1984 unfreiwillig geschrieben wurde.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass Popularität oft der Feind der Präzision ist. Ein Werk, das jeden erreicht, wird oft von niemandem in seiner Tiefe verstanden. Wir feiern die Oberfläche und ignorieren den Abgrund, der sich direkt darunter auftut. Das Album ist kein Monument des Triumphs, sondern das glänzendste Denkmal für die Unfähigkeit einer Gesellschaft, ihren eigenen Kritikern zuzuhören.
Die wahre Tragik liegt darin, dass Bruce Springsteen die Welt anschreien wollte und sie stattdessen einfach nur lauter tanzte.
