James Gunn saß an einem Schreibtisch, der sich vermutlich viel zu groß anfühlte für die Last, die er in jenem Moment trug. Es war das Jahr 2018, und der Regisseur, der gerade noch als der Architekt des modernen Popcorn-Kinos galt, befand sich im Exil. Ein digitaler Mob hatte alte, geschmacklose Witze aus der Versenkung gegraben, und Disney hatte ihn kurzerhand vor die Tür gesetzt. In dieser Stille, in der die Karriere eines Mannes normalerweise zu Staub zerfällt, geschah etwas Seltsames. Die Konkurrenz von Warner Bros. rief nicht etwa an, um ihm ein glattes, sicheres Heldenepos anzubieten. Sie boten ihm die Außenseiter an, die Kaputten, die Vergessenen. Sie gaben ihm die Besetzung von The Suicide Squad und sagten ihm im Grunde: Such dir aus, wer sterben soll. Es war die Geburtsstunde eines Films, der weniger wie eine Comicverfilmung und mehr wie ein trotziger Liebesbrief an die Unvollkommenheit wirkt.
Die Magie dieses Projekts lag von Anfang an nicht in der schieren Starpower, sondern in der bewussten Entscheidung, das Scheinwerferlicht auf die Ränder der Gesellschaft zu richten. Wer sich mit der Materie befasst, erkennt schnell, dass es hier nicht um die strahlenden Götter der Gerechtigkeit geht. Es geht um Rattenfänger, um Männer, die bunte Punkte werfen, und um eine Frau, die mit Haifischen spricht. In einer Branche, die zunehmend auf Algorithmen und Marktforschung setzt, fühlte sich diese Zusammenstellung wie ein anarchistisches Experiment an. Es war ein Ensemble, das aus der Asche einer persönlichen Krise des Regisseurs entstand und genau deshalb eine Seele besaß, die vielen Blockbustern heute fehlt.
Man kann die Wirkung dieser Gruppe nicht verstehen, ohne die Dynamik am Set zu betrachten. Während die meisten Großproduktionen wie klinische Fabriken operieren, glich die Arbeit an diesem Werk eher einer Theatergruppe auf Ecstasy. Margot Robbie, die bereits zum zweiten Mal in die Rolle der Harley Quinn schlüpfte, brachte eine Nuancierung mit, die weit über das Klischee der wahnsinnigen Ex-Freundin hinausging. Sie war der Anker, das emotionale Zentrum, um das sich die chaotischen Fragmente der anderen Figuren drehten. In jeder ihrer Bewegungen spürte man den Willen, eine Figur zu erschaffen, die trotz ihrer Gewaltbereitschaft eine tiefe, fast kindliche Verletzlichkeit ausstrahlt.
Eine Anatomie der Besetzung von The Suicide Squad
Hinter den Masken und dem CGI-Blut verbargen sich Biografien, die so unterschiedlich waren wie die Charaktere selbst. Idris Elba, ein Schauspieler von fast schon gravitätischer Präsenz, musste einen Mann spielen, der Angst vor Ratten hat. Diese Entscheidung war kein Zufall. Gunn wusste, dass die Fallhöhe eines Mannes wie Elba, der normalerweise Könige oder unbesiegbare Detektive verkörpert, den Humor und die Tragik des Films erst möglich machte. Sein Bloodsport war nicht einfach nur ein Söldner; er war ein Vater, der an seiner eigenen Unfähigkeit scheiterte, Liebe zu zeigen. Diese menschliche Komponente wurde zum Treibstoff für eine Geschichte, die eigentlich von explodierenden Köpfen und gigantischen Seesternen handelt.
In den Pausen zwischen den Aufnahmen in den Pinewood Studios in Atlanta bildete sich eine Gemeinschaft, die das Konzept der Wahlfamilie lebte. Daniela Melchior, eine bis dahin fast unbekannte portugiesische Schauspielerin, fand sich plötzlich neben Schwergewichten der Branche wieder. Als Ratcatcher II wurde sie zum heimlichen Herzschlag der Erzählung. Es gibt eine Szene im Bus, in der sie einfach nur schläft, während ihr kleiner Rattenfreund Sebastian auf ihrer Schulter wacht. Es ist ein stiller Moment in einem ansonsten ohrenbetäubenden Film. In diesem Augenblick wird klar, dass die Kraft dieser Erzählung aus der Ruhe kommt, aus dem gegenseitigen Vertrauen der Darsteller, die sich darauf einließen, lächerlich zu sein.
Der Kontrast zu den üblichen Superhelden-Klischees könnte nicht größer sein. Während ein Captain America oder ein Superman für Ideale stehen, die für den Durchschnittsbürger unerreichbar sind, stehen diese Antihelden für unsere eigenen Unzulänglichkeiten. David Dastmalchian, der Polka-Dot Man spielt, verkörperte ein tief sitzendes Trauma. Seine Superkraft ist gleichzeitig seine Krankheit, eine Metapher für Depression und soziale Angst, die so offensichtlich und doch so schmerzhaft präzise ist, dass man die Absurdität seines Kostüms sofort vergisst. Er spielt diesen Charakter mit einer Ernsthaftigkeit, die fast wehtut, und erinnert uns daran, dass wir alle unsere Flecken mit uns herumtragen.
Das Echo des Absurden
Es gibt eine dokumentierte Anekdote vom Set, in der John Cena, der den Peace-Maker spielt, in seinem vollständigen Kostüm nach Hause gehen wollte. Er wollte den Charakter spüren, ihn atmen, bis er zur zweiten Haut wurde. Cena, der aus der Welt des professionellen Wrestlings kommt, brachte eine physische Komödie ein, die fast an die Stummfilm-Ära erinnerte. Seine Figur ist die personifizierte Satire auf den blinden Patriotismus, ein Mann, der so sehr an den Frieden glaubt, dass er jeden dafür umbringen würde. Diese Ambivalenz ist es, die den Zuschauer verunsichert und gleichzeitig fesselt. Man weiß nie, ob man über ihn lachen oder sich vor ihm fürchten soll.
Die Produktion war eine logistische Herkulesaufgabe. Riesige praktische Sets wurden gebaut, anstatt alles vor einem Greenscreen zu simulieren. Die Schauspieler wateten durch echtes Wasser, rannten durch künstlichen Regen und spürten den Staub der Kulissen auf ihrer Haut. Diese Haptik übertrug sich auf die Leinwand. Wenn die Gruppe durch den dichten Dschungel von Corto Maltese stapft, sieht man den Schweiß und die Erschöpfung. Es ist kein glänzendes Abenteuer, es ist eine schmutzige, gefährliche Mission, bei der das Überleben eher ein Zufallsprodukt als eine Gewissheit ist.
Die Kunst der kollektiven Empathie
In Deutschland haben wir eine besondere Beziehung zu Außenseitergeschichten. Vielleicht liegt es an unserer eigenen komplexen Geschichte, dass wir Helden misstrauen, die keine Kratzer haben. Die Besetzung von The Suicide Squad resoniert hierzulande auf eine Weise, die über das rein Visuelle hinausgeht. Es ist die Anerkennung des Kollektivs über das Individuum. In einer Welt, die immer mehr auf Selbstoptimierung und den perfekten Schein setzt, wirkt diese Truppe von Verlierern wie ein dringend benötigtes Gegengift. Sie gewinnen nicht, weil sie die Besten sind, sondern weil sie keine andere Wahl haben, als zusammenzuhalten.
Man denke an King Shark, eine computergenerierte Kreatur, der Sylvester Stallone seine Stimme lieh. In den Händen eines weniger begabten Teams wäre dies ein bloßer Gag geblieben. Doch durch die Interaktion mit den realen Schauspielern entstand ein Wesen, das nach Zugehörigkeit hungert. Wenn dieser riesige Hai-Mensch auf ein Aquarium starrt und versucht, Freunde zu finden, dann ist das keine reine Komödie mehr. Es ist eine Reflexion über Einsamkeit. Die Schauspieler mussten oft gegen eine leere Stelle oder einen Mann in einem blauen Anzug spielen, doch ihre Reaktionen waren so aufrichtig, dass die Illusion nie brach.
Das Erbe einer unmöglichen Mission
Was bleibt von einem solchen Werk, wenn der Abspann läuft und das Popcorn leer ist? Es ist das Gefühl, dass niemand zu kaputt ist, um eine Bedeutung zu finden. Die Geschichte dieses Films ist untrennbar mit der Rehabilitation seines Schöpfers verbunden, aber sie gehört letztlich den Menschen, die vor der Kamera standen. Sie haben eine Welt erschaffen, in der es okay ist, Angst zu haben, Fehler zu machen und am Ende trotzdem aufzustehen – selbst wenn man weiß, dass man wahrscheinlich wieder fallen wird.
Die chemische Verbindung zwischen den Darstellern war kein Produkt des Zufalls, sondern harter Arbeit und gegenseitiger Wertschätzung. Idris Elba und John Cena lieferten sich ein verbales Duell nach dem anderen, ein improvisierter Wettbewerb der Männlichkeit, der ständig ins Lächerliche gezogen wurde. Doch in den Momenten, in denen es zählte, wenn die Mission zu scheitern drohte, sah man in ihren Augen eine Solidarität, die über das Drehbuch hinausging. Es war eine echte Kameradschaft, die in den langen Nächten der Dreharbeiten in Panama gewachsen war.
Interessanterweise verzichtete der Film fast vollständig auf die klassischen Tropen des Genres. Es gab keinen großen Strahl im Himmel, kein Portal in eine andere Dimension, das nur durch eine magische Geste geschlossen werden konnte. Stattdessen gab es politische Intrigen, schmutzige Geheimnisse von Regierungen und eine Gruppe von Menschen, die als entbehrlich galten. Diese Erdung in einer fast schon zynischen Realität machte den Heroismus, den sie schließlich zeigten, nur noch wertvoller. Es war ein Heroismus aus Trotz, nicht aus Pflichtgefühl.
Die Resonanz beim Publikum und bei den Kritikern bestätigte diesen unkonventionellen Weg. In einer Zeit der Franchise-Müdigkeit wirkte dieses Werk wie ein Stromschlag. Es erinnerte uns daran, dass das Kino immer noch ein Ort für Visionäre sein kann, wenn man ihnen die richtigen Werkzeuge – und die richtigen Leute – gibt. Die Dynamik des Ensembles wurde zum Maßstab für alles, was danach kam. Es war der Beweis, dass man kein Vorwissen aus zwanzig anderen Filmen braucht, um mitzufühlen. Man braucht nur ein Verständnis für den menschlichen Schmerz und die Fähigkeit, darüber zu lachen.
Wenn man heute auf die Entstehung zurückblickt, erkennt man eine tiefe Ironie. Ein Film über eine Selbstmordmission wurde zur Lebensversicherung für eine ganze Art des Filmemachens. Er zeigte, dass Risiko belohnt wird und dass das Publikum klüger ist, als die Studios oft annehmen. Die Zuschauer wollten keine perfekten Soldaten; sie wollten die Rattenfänger und die Punktewerfer. Sie wollten sich selbst in all ihrer Unbeholfenheit auf der großen Leinwand sehen.
Es gibt eine kleine Geste am Ende des Films, einen Blick zwischen zwei Charakteren, der mehr sagt als jede Explosion zuvor. Es ist die stumme Übereinkunft, dass sie überlebt haben, nicht weil sie die stärksten waren, sondern weil sie einander nicht im Stich gelassen haben. In diesem flüchtigen Moment löst sich die gesamte Gewalt und Absurdität der vorangegangenen zwei Stunden auf und lässt etwas Reines zurück. Es ist das Wissen, dass selbst im tiefsten Schlamm einer korrupten Welt eine Blume der Menschlichkeit wachsen kann, solange es jemanden gibt, der sie gießt.
Gunn steht heute an der Spitze eines ganzen Universums, doch dieser eine Moment der Krise und der anschließenden Befreiung bleibt sein ehrlichstes Werk. Er hat uns gezeigt, dass die Besetzung von The Suicide Squad nicht nur ein Cast war, sondern eine Erinnerung daran, dass wir alle ein bisschen kaputt sind – und dass genau darin unsere größte Stärke liegt.
Am Ende bleibt ein Bild im Gedächtnis: Ein einsamer Rattenfänger steht in einem Trümmerfeld, umgeben von Millionen kleiner Kreaturen, die im Licht der Morgensonne tanzen.
