Manche behaupten, dieser Film sei der Moment gewesen, in dem die Ära der schlagkräftigen Duos endgültig zerbrach, doch wer genauer hinsieht, erkennt in der Besetzung von Plattfuß - Ein Cop in Neapel eine meisterhafte Neuausrichtung des italienischen Kinos der siebziger Jahre. Es war 1973, und die Welt kannte Carlo Pedersoli, besser bekannt als Bud Spencer, fast nur als den grummeligen Part an der Seite von Terence Hill. Als Steno, der bürgerlich Stefano Vanzina hieß, sich entschied, das Projekt um den Kommissar Rizzo anzugehen, hielten viele Kritiker das für ein riskantes Unterfangen ohne den blauäugigen Partner. Doch genau hier liegt der Denkfehler, der sich bis heute in den Köpfen vieler Nostalgiker hält. Der Film funktionierte nicht trotz des Fehlens von Hill, sondern gerade weil er eine völlig neue Dynamik innerhalb des Ensembles etablierte, die weit über das bloße Verteilen von Backpfeifen hinausging. Man sah hier nicht nur einen Actionstar, sondern das Herzstück eines sozialen Gefüges, das Neapel in einer Rohheit darstellte, die man dem Genre damals kaum zutraute.
Das Genie hinter der Besetzung von Plattfuß - Ein Cop in Neapel
Wenn man die Namen auf der Besetzungsliste liest, stolpert man unweigerlich über Enzo Cannavale. Er spielte den Assistenten Caputo und bildete den dringend benötigten emotionalen und komödiantischen Anker gegenüber dem massiven Bud Spencer. Viele betrachten Caputo lediglich als den tollpatschigen Sidekick, doch das greift zu kurz. Cannavale brachte eine spezifisch neapolitanische Theatralik mit, die aus der Tradition des Varietés stammte. Er war der Realitätscheck für die Figur des Rizzo. Während Rizzo die moralische Instanz darstellte, die Gesetze auch mal ignorierte, um Gerechtigkeit zu üben, verkörperte Caputo die menschliche Zerbrechlichkeit und die bürokratische Überforderung. Diese Paarung war keine Kopie des Hill-Spencer-Schemas. Sie war eine Verneigung vor der Commedia dell'arte, verpflanzt in die schmutzigen Gassen einer Stadt, die zwischen organisierter Kriminalität und dem Überlebenskampf der kleinen Leute hin- und hergerissen war.
Die Rolle des Antagonisten und der internationale Einfluss
Ein oft übersehener Aspekt ist die Verpflichtung von Adalberto Maria Merli. Als Kommissar Tabassi stellte er den perfekten Gegenspieler im eigenen Lager dar. In der damaligen italienischen Kinolandschaft war es üblich, den Konflikt zwischen alter Schule und moderner Ermittlungsarbeit zu thematisieren. Merli spielte diesen arroganten, fast schon unterkühlten Gegenpart mit einer Präzision, die den Zuschauer instinktiv auf die Seite des „Plattfuß“ trieb. Aber es gab noch jemanden, der dem Ganzen internationales Gewicht verlieh: Raymond Pellegrin. Dass ein französischer Schauspieler von seinem Format den Schurken gab, zeigte deutlich, dass die Produktion mehr wollte als nur ein lokales Publikum zu bedienen. Es ging darum, den sogenannten Poliziottesco-Film, das italienische Polizeifilm-Genre, zu internationalisieren, ohne die Seele Neapels zu verkaufen.
Der eigentliche Star neben den Schauspielern war die Stadt selbst. Steno nutzte keine sterilen Kulissen. Er warf seine Kamera direkt in die Quartieri Spagnoli. Die Statisten, die man im Hintergrund sieht, waren oft keine Profis, sondern Bewohner der Viertel, was der Besetzung von Plattfuß - Ein Cop in Neapel eine dokumentarische Textur verlieh. Diese Echtheit ist es, die den Film von den späteren, deutlich klamaukigeren Fortsetzungen unterscheidet. Hier wurde nicht nur eine Geschichte erzählt, hier wurde ein Lebensgefühl eingefangen. Ich erinnere mich an Gespräche mit Filmhistorikern, die betonten, wie wichtig diese Authentizität für Bud Spencer persönlich war. Er wollte weg von der reinen Slapstick-Figur und hin zu einem Charakter mit Ecken, Kanten und einer tiefen Verbundenheit zu seinem Geburtsort Neapel. Wer den Film heute sieht und nur auf die Schlägereien wartet, verpasst die subtile Sozialkritik, die in jeder Szene mit dem jungen Peppino mitschwingt, gespielt von Enzo Maggio.
Die Fehleinschätzung der Skeptiker
Es gibt Stimmen, die behaupten, die Besetzung sei unausgewogen gewesen, weil Spencer alles dominiert habe. Das ist ein klassisches Missverständnis der Hierarchie im italienischen Genrekino jener Zeit. Ein Film wie dieser braucht ein massives Zentrum, um das die anderen Figuren wie Satelliten kreisen. Ohne die Schwäche von Caputo oder die Korruption der Gegenspieler hätte Rizzos Faust keine erzählerische Wucht. Es ist ein perfekt austariertes System von Druck und Gegendruck. Man muss verstehen, dass das italienische Kino der siebziger Jahre eine Phase der Transformation durchlief. Man wollte die Härte des amerikanischen Kinos eines William Friedkin mit der italienischen Emotionalität kreuzen. Das funktionierte nur, wenn die Nebendarsteller mehr waren als bloßes Beiwerk. Sie mussten Typen sein, Gesichter, die man auf der Straße wiedererkennen würde.
Ein Argument, das man oft hört, ist die mangelnde Tiefe der weiblichen Rollen. Ja, das ist aus heutiger Sicht ein berechtigter Punkt, doch man muss den Kontext sehen. Die Welt von Kommissar Rizzo war eine Männerwelt, geprägt von den Ehrenkodizes der Straße und der Polizei. Juliette Mayniel, die Maria spielte, hatte wenig Raum zur Entfaltung, aber ihre Präsenz diente dazu, die menschliche Seite von Rizzo zu beleuchten, die er im Dienst hinter seiner harten Schale verbarg. Es war ein funktionales Casting, das den Fokus scharf auf die Jagd nach den Hintermännern des Drogenhandels lenkte. Wer hier eine komplexe Charakterstudie moderner Prägung erwartet, verkennt die Absicht des Regisseurs. Es ging um den Mythos des einsamen Wolfes, der dennoch ein Rudel braucht, um nicht völlig zu verbittern.
Die Musik von Guido und Maurizio De Angelis, den legendären Oliver Onions, fungierte fast wie ein weiterer Darsteller. Ihre Klänge gaben den Rhythmus vor, dem die Schauspieler folgten. Wenn man die Bilder sieht, wie Rizzo durch die Straßen läuft, getragen von diesen markanten Melodien, verschmelzen Musik und Schauspiel zu einer Einheit, die man heute kaum noch findet. Diese Synergie war kein Zufall. Steno wusste genau, dass er die physische Präsenz seines Hauptdarstellers durch die Akustik unterstützen musste. Es ist diese Kombination aus Besetzung, Schauplatz und Ton, die den Film zu einem Klassiker machte, der weit über seine Zeit hinausstrahlt.
Man kann also festhalten, dass die Wahl der Akteure eine bewusste Abkehr von bewährten Erfolgsformeln war. Man ging weg vom staubigen Western-Szenario und hinein in den Asphalt-Dschungel. Das Risiko, Bud Spencer ohne seinen gewohnten Partner zu zeigen, zahlte sich aus, weil man ihm ein Ensemble an die Seite stellte, das seine Stärken betonte und seine Schwächen menschlich auffing. Es war der Startschuss für eine ganze Reihe, aber das Original von 1973 bleibt in seiner Zusammenstellung unerreicht. Es war ein kühnes Experiment, das bewies, dass Spencer als Solo-Darsteller eine Gravitation besaß, die ein ganzes Genre tragen konnte. Die Dynamik zwischen den verschiedenen Charakteren schuf eine Balance, die den Film auch Jahrzehnte später noch sehenswert macht.
Am Ende ist die wahre Stärke dieses Werks nicht die bloße Action, sondern die Tatsache, dass jede Figur, egal wie klein ihr Auftritt war, eine Funktion im großen Uhrwerk der Erzählung erfüllte. Es gab keinen Leerlauf, keine überflüssigen Gesichter. Jede Entscheidung beim Casting war ein Puzzleteil für das Bild einer Stadt am Abgrund, die von einem Mann mit großen Händen und einem noch größeren Herzen zusammengehalten wurde. Der Erfolg gab den Machern recht und zementierte den Status von Bud Spencer als Ikone, die mehr konnte als nur zu prügeln. Er war der Ankerpunkt einer Vision, die das italienische Kino für immer veränderte und eine neue Form des Helden schuf, der weder unfehlbar noch unverwundbar war, sondern einfach nur menschlich in einer unmenschlichen Umgebung.
Wahre Legenden entstehen nicht durch die Wiederholung des Immergleichen, sondern durch den Mut, das gewohnte Duo zu sprengen und dem Solisten den Raum zu geben, den er für seine eigene Größe braucht.
