Das Blitzlichtgewitter am roten Teppich vor dem Grauman’s Chinese Theatre im Jahr 2003 fühlte sich anders an als bei der Premiere des ersten Teils. Es lag eine elektrische Erwartung in der Luft, eine Mischung aus dem Duft teurer Parfüms und dem metallischen Beigeschmack von Hollywood-Karrieren, die auf dem Spiel standen. Reese Witherspoon trat aus der Limousine, gehüllt in ein Rosa, das so grell war, dass es die Kameralinsen fast zu blenden schien. Sie trug nicht nur ein Kleid, sondern eine Verantwortung. Sie war nun nicht mehr bloß die Newcomerin, die ein Überraschungshit-Franchise anführte, sondern eine Produzentin, die aktiv mitbestimmte, wer sie auf dieser Reise begleiten durfte. Hinter den Kulissen war die Besetzung von Natürlich Blond 2 längst kein reiner Casting-Prozess mehr; es war eine sorgfältige Konstruktion eines politischen und gesellschaftlichen Mikrokosmos, der zeigen sollte, dass Feminismus und Frivolität sich nicht ausschließen.
Die Fortsetzung, die im Original den kämpferischen Untertitel „Red, White & Blonde“ trug, verlagerte das Geschehen von den Elfenbeintürmen der Harvard Law School in die marmornen Hallen von Washington, D.C. Dieser Tapetenwechsel erforderte Gesichter, die sowohl die Ernsthaftigkeit des US-Kongresses als auch die Absurdität einer Welt widerspiegelten, in der ein Chihuahua namens Bruiser die zentrale diplomatische Figur darstellt. Während das Publikum Elle Woods für ihre Naivität liebte, wusste die Produktion, dass der Film ohne ein hochkarätiges Ensemble um sie herum in die Belanglosigkeit abgleiten würde. Man suchte nach Schauspielern, die Gravitas besaßen, um den Kontrast zu Elles pinkem Optimismus zu schärfen.
Regisseur Charles Herman-Wurmfeld stand vor der Herausforderung, ein Amerika zu porträtieren, das sich nach den Anschlägen vom 11. September und inmitten politischer Umbrüche nach Leichtigkeit sehnte, ohne dabei die Bodenhaftung zu verlieren. Die Entscheidung, Schwergewichte wie Sally Field in das Boot zu holen, war ein Geniestreich der Besetzungsstrategie. Field, die selbst zwei Oscars in ihrem Regal stehen hatte und für Rollen wie „Norma Rae“ bekannt war, verkörperte die korrupte, aber charmante Abgeordnete Victoria Rudd. Es war ein Spiel mit Erwartungen: Die Frau, die einst für Arbeiterrechte auf die Barrikaden gegangen war, wurde hier zur Antagonistin einer jungen Frau, die Gesetze für Tierversuchsverbote durchbringen wollte.
Die Politische Bühne und die Besetzung von Natürlich Blond 2
In den Produktionsbüros von Metro-Goldwyn-Mayer herrschte damals eine Stimmung des kalkulierten Risikos. Man wusste, dass Fortsetzungen oft an der Seele des Originals scheitern, wenn sie lediglich das Alte wiederholen. Deshalb musste die Besetzung von Natürlich Blond 2 eine Brücke schlagen zwischen dem Vertrauten und dem Neuen. Jennifer Coolidge kehrte als Paulette Parcelle zurück, die treue, leicht exzentrische Freundin, die mit ihrer unnachahmlichen Art für die nötige Portion Herzlichkeit sorgte. Coolidge brachte eine physische Komik ein, die in Deutschland oft mit der Direktheit einer jungen Evelyn Hamann verglichen wurde – eine Frau, die durch bloße Präsenz einen Raum füllen konnte, ohne ein Wort zu sagen.
Doch Washington brauchte mehr als nur alte Bekannte. Mit Regina King als Libby Hauser wurde eine Dynamik geschaffen, die weit über das übliche Klischee der „zickigen Kollegin“ hinausging. King, deren Karriere später durch ihren Oscar-Gewinn für „If Beale Street Could Talk“ gekrönt werden sollte, spielte die skeptische Stabschefin mit einer Präzision, die Elle Woods’ Enthusiasmus immer wieder an der harten Realität zerschellen ließ. Es war eine Besetzung, die Diversität nicht als Checkliste begriff, sondern als notwendiges Element einer Geschichte über Machtstrukturen. In den hitzigen Diskussionen zwischen Elle und Libby spiegelte sich der Kampf einer Generation wider, die sich ihren Platz am Tisch erst erkämpfen musste.
Interessanterweise war es gerade die Interaktion zwischen diesen unterschiedlichen Frauentypen, die den Film in Europa zu einem unterschätzten Kultobjekt machte. In Deutschland, wo die juristische Ausbildung traditionell als trocken und grau gilt, wirkte Elle Woods wie ein anarchistisches Element. Die Wahl der Schauspieler unterstrich diesen Kontrast. Während Bob Newhart als der weise Hotel-Portier Sid eine Ruhe ausstrahlte, die an die großen Mentorenfiguren der Filmgeschichte erinnerte, blieb Luke Wilson als Emmett Richmond der Ruhepol, der Elle erdete. Wilson spielte den unterstützenden Partner mit einer Zurückhaltung, die für die damalige Zeit ungewöhnlich war – ein Mann, der kein Problem damit hatte, im Schatten seiner erfolgreichen Frau zu stehen.
Das Handwerk hinter der Kamera
Hinter jedem Gesicht auf der Leinwand standen Agenten, Verträge und lange Nächte in Casting-Studios. Die Casting-Direktoren Joseph Middleton und Michelle Morris Gertz suchten nach Menschen, die in der Lage waren, Satire zu spielen, ohne zur Karikatur zu werden. Das ist eine Kunstform, die oft unterschätzt wird. Wenn Bruce McGill als der konservative Abgeordnete Stan Marks auftrat, musste der Zuschauer sofort die jahrzehntelange politische Arroganz spüren, die Elle Woods entgegengebracht wurde. McGill brachte die Erfahrung aus unzähligen Charakterrollen mit, die ihm halfen, die nötige Bedrohlichkeit aufzubauen, damit Elles späterer Sieg sich verdient anfühlte.
Es ging um die Chemie der Kontraste. Ein Film wie dieser lebt davon, dass die Welt um die Hauptfigur herum so real wie möglich wirkt, damit die Absurdität der Protagonistin hervorstechen kann. Wenn die Umgebung zu comicartig wird, verliert die Heldin ihren Glanz. Deshalb legte das Team Wert auf Schauspieler, die aus dem Theater oder dem Charakterfach kamen. Sie verliehen dem Drehbuch eine Tiefe, die auf dem Papier vielleicht gar nicht in diesem Maße vorhanden war. Man spürte in jeder Szene, dass hier Profis am Werk waren, die ihr Handwerk ernst nahmen, selbst wenn sie über die Inhaltsstoffe von Haarspülungen debattierten.
Die Arbeit am Set wurde oft als diszipliniert, aber herzlich beschrieben. Reese Witherspoon, die als ausführende Produzentin fungierte, achtete penibel darauf, dass die Atmosphäre stimmte. Sie wusste, dass die Besetzung von Natürlich Blond 2 nur dann funktionieren würde, wenn sich die Schauspieler sicher genug fühlten, um mit ihren Rollen zu experimentieren. Es gab Momente, in denen Improvisationen zugelassen wurden, besonders bei den Szenen im Kosmetiksalon, die den emotionalen Ankerpunkt des Films bildeten. Hier trafen die Welten aufeinander: Die Macht von D.C. und die Bodenständigkeit von Paulettes Salon.
Es ist eine alte Weisheit in der Filmindustrie, dass man einen guten Film mit schlechten Schauspielern ruinieren kann, aber aus einem mittelmäßigen Drehbuch mit brillanten Darstellern immer noch etwas Besonderes herausholen kann. In diesem Fall war das Ziel klar definiert: Man wollte eine Hymne auf die weibliche Solidarität schaffen, ohne dabei belehrend zu wirken. Die Auswahl der Nebendarsteller war entscheidend, um den Eindruck einer lebendigen, atmenden Stadt zu erzeugen. Washington wurde im Film zu einem Labyrinth aus dunklem Holz und schweren Vorhängen, durch das Elle Woods wie ein pinker Blitz zuckte.
Besonders die Szenen im Kongress erforderten eine Vielzahl an Statisten und kleineren Sprechrollen, die das Bild eines verkrusteten Apparates vervollständigten. Man suchte gezielt nach Gesichtern, die nach „altem Geld“ und „alten Seilschaften“ aussah. Jedes Mal, wenn Elle in einem Raum voller grauer Anzüge stand, wurde die visuelle Metapher durch die kluge Besetzung verstärkt. Es war kein Zufall, dass viele der älteren Herren im Hintergrund tatsächlich eine gewisse Ähnlichkeit mit realen Politikern jener Ära hatten. Es verlieh der Fiktion einen Hauch von Dokumentarismus, der die satirischen Spitzen erst richtig scharf machte.
Die Reise von der ersten Drehbuchfassung bis zum fertigen Ensemble war langwierig. Es gab Berichte über Schauspieler, die absagten, weil sie das Genre der Komödie unterschätzten, und andere, die unbedingt dabei sein wollten, weil sie die Botschaft des ersten Teils bewunderten. Am Ende entstand eine Mischung aus Hollywood-Legenden und aufstrebenden Talenten, die eine ungewöhnliche Einheit bildeten. Diese Harmonie übertrug sich auf die Leinwand und sorgte dafür, dass der Film trotz seiner knallbunten Ästhetik eine menschliche Wärme ausstrahlte, die viele Zuschauer tief berührte.
Wenn man heute auf diesen Moment der Filmgeschichte zurückblickt, erkennt man, wie wegweisend einige der Entscheidungen waren. Regina King und Sally Field in einem Film zu haben, der vordergründig über Mode und Make-up spricht, war ein Statement. Es sagte aus, dass diese Themen nicht trivial sind, wenn sie mit der richtigen Ernsthaftigkeit und dem richtigen Talent behandelt werden. Es war eine Absage an den Snobismus der Branche, der oft versucht, Filme für ein weibliches Publikum als zweitrangig abzutun.
In den Jahren nach der Veröffentlichung wurde oft darüber diskutiert, ob eine dritte Fortsetzung möglich wäre und wer dann zur Besetzung gehören müsste. Doch die Magie des zweiten Teils lag in diesem spezifischen Zeitgeist. Es war das Ende einer Ära, bevor soziale Medien die Art und Weise veränderten, wie wir über Politik und Berühmtheit denken. Damals musste ein Gesicht auf der Leinwand noch eine ganze Geschichte erzählen können, bevor das erste Wort gesprochen wurde. Die Schauspieler in diesem Film taten genau das. Sie gaben den Paragrafen ein Herz und dem Pink eine Bedeutung.
Am Ende bleibt das Bild von Elle Woods auf den Stufen des Capitols, umgeben von Menschen, die anfangs an ihr zweifelten und schließlich zu ihren Verbündeten wurden. Es ist ein Bild des Triumphs, nicht nur für die Figur, sondern für das gesamte Ensemble, das diesen Weg gemeinsam geebnet hat. Man spürt die Erleichterung und den Stolz in ihren Gesichtern, als die letzte Klappe fiel und ein weiteres Kapitel Filmgeschichte abgeschlossen war.
Draußen vor dem Kino, weit weg von den Scheinwerfern, blieb ein Gefühl der Bestärkung zurück. Es war die Erkenntnis, dass man die Welt verändern kann, ohne sich selbst zu verleugnen – eine Botschaft, die durch die richtigen Menschen zur richtigen Zeit erst ihre volle Kraft entfalten konnte. Und während der Abspann lief, wusste man, dass dieses Ensemble mehr war als nur eine Liste von Namen; sie waren die Architekten eines modernen Märchens, das in seiner bunten Pracht doch erstaunlich viel über die menschliche Natur zu sagen hatte.
Das Licht im Saal geht an, und für einen kurzen Moment wirkt die Welt draußen ein kleines bisschen grauer als das, was man gerade gesehen hat. Doch dann erinnert man sich an das Lächeln von Elle, an die Entschlossenheit in den Augen ihrer Mitstreiter, und man nimmt ein Stück dieses Optimismus mit hinaus in die Nacht. Es ist die stille Macht des Kinos, die uns glauben lässt, dass wir alles erreichen können – solange wir die richtigen Leute an unserer Seite haben.
Die Sonne sinkt über dem Potomac River, und die Schatten der Denkmäler werden länger, während ein einsamer pinker High Heel auf dem Asphalt der Geschichte einen bleibenden Abdruck hinterlässt.
