Man erinnert sich meist nur an die flatternden Tauben, die Zeitlupen und die fliegenden Motorräder, wenn man an das Jahr 2000 denkt. Doch wer heute mit kühlem Blick zurückschaut, erkennt ein Paradoxon, das die gesamte Branche nachhaltig veränderte. Es herrscht die landläufige Meinung, dass dieser Film lediglich ein stilistischer Ausreißer in einer ansonsten konsistenten Reihe war. Das ist ein Irrtum. In Wahrheit legte die Besetzung Von Mission Impossible 2 den Grundstein für ein System, das Hollywood bis heute fest im Griff hat und das paradoxerweise das Ende des klassischen Schauspiel-Ensembles einläutete. Wir blicken auf eine Produktion, die den Star über die Geschichte erhob und damit eine Blaupause schuf, unter der das Kino der Gegenwart leidet. Man glaubt, es sei ein Teamfilm gewesen, doch es war eine kalkulierte Demontage des Kollektivgedankens zugunsten einer einzigen, alles überstrahlenden Persona.
Die Geschichte hinter der Kamera ist weitaus brisanter als das Drehbuch von Robert Towne, das ohnehin eher wie eine vage Skizze für John Woos Ballett aus Gewalt wirkte. Damals galt es als riskant, die Zügel so radikal aus der Hand zu geben. Brian De Palma hatte im ersten Teil noch auf Paranoia und ein echtes Teamgefühl gesetzt. Doch im zweiten Anlauf verschwand dieses Gleichgewicht. Wenn du heute die Namen der Darsteller durchgehst, merkst du schnell, dass sie fast ausschließlich als Stichwortgeber fungierten. Thandie Newton, eine brillante Schauspielerin, wurde auf die Rolle der „Damsel in Distress“ reduziert, während Dougray Scott als Bösewicht gegen ein Drehbuch ankämpfte, das ihm kaum Raum für echte Bedrohung ließ. Das war kein Zufall, sondern die Geburtsstunde des modernen Egos-Blockbusters.
Die Besetzung Von Mission Impossible 2 als Ende des Ensembles
Es gibt eine interessante Dynamik, die oft übersehen wird. In der ursprünglichen Serie aus den Sechzigern war die Mission das Ziel, und die Spezialisten waren austauschbare Werkzeuge. Mit der Wahl der Schauspieler für die Fortsetzung unter der Regie von John Woo kehrte man dieses Prinzip endgültig um. Man kaufte keine Gesichter, um eine Geschichte zu erzählen, sondern man kaufte Namen, um ein Denkmal zu stützen. Ving Rhames, der als Luther Stickell eigentlich das technologische Rückgrat bilden sollte, verkam zur komödiantischen Randnotiz. Das ist der Moment, in dem das Franchise seine Seele an den Kult des Einzelnen verkaufte. Wer behauptet, dieser Film hätte das Genre bereichert, übersieht, dass er die Vielfalt der Charaktere opferte, um eine fast religiöse Überhöhung des Hauptdarstellers zu ermöglichen.
Skeptiker werden nun einwenden, dass gerade diese Fokussierung das Franchise gerettet hat. Sie werden sagen, dass ohne diese klare Zentrierung die Reihe niemals die Langlebigkeit erreicht hätte, die sie heute auszeichnet. Das klingt plausibel, ist aber bei genauerer Betrachtung eine Fehlinterpretation der Kinogeschichte. Der Erfolg der späteren Teile, insbesondere ab dem vierten Film, beruhte gerade auf der Rückkehr zum echten Team-Gefühl. Man reparierte mühsam den Schaden, den die Besetzung Von Mission Impossible 2 angerichtet hatte, indem man Simon Pegg und Jeremy Renner einführte, um wieder eine Gruppendynamik zu erzeugen. Der zweite Teil hingegen war eine Sackgasse der Eitelkeit, die fast dafür gesorgt hätte, dass das Publikum das Interesse an Ethan Hunt verliert, weil er schlicht zu unantastbar und damit langweilig wurde.
Die Fehlkalkulation des Antagonisten
Ein Blick auf Dougray Scott offenbart das ganze Dilemma dieser Produktionsphase. Scott war ursprünglich für die Rolle des Wolverine in X-Men vorgesehen, ein Engagement, das er aufgrund der massiven Zeitüberschreitungen bei den Dreharbeiten von John Woo absagen musste. Diese Entscheidung veränderte die Kinogeschichte massiv, denn sie machte den Weg frei für Hugh Jackman. Doch was blieb für Scott? Er spielte einen Schurken, der so blass blieb, dass man ihn heute kaum noch in einer Reihe mit Größen wie Philip Seymour Hoffman nennen kann. Das Problem lag nicht an Scotts Talent. Es lag an der strukturellen Entscheidung, den Gegenspieler nur als physisches Hindernis zu begreifen, nicht als charakterliches Gegengewicht. In einem wirklich guten Actionfilm ist der Held nur so gut wie sein Widersacher. Hier jedoch wurde der Widersacher zur bloßen Zielscheibe degradiert.
Weibliche Rollenbilder als dekoratives Element
Thandie Newton lieferte eine Performance ab, die unter den gegebenen Umständen beachtlich war, doch ihre Figur Nyah Hall blieb ein Opfer der damaligen Zeitgeist-Vorstellungen. Sie wurde als Meisterdiebin eingeführt, nur um dann als menschlicher MacGuffin durch die Gegend gereicht zu werden. Diese Behandlung zeigt deutlich, wie wenig Interesse die Produktion an einer echten Chemie zwischen den Akteuren hatte. Es ging um Posen, um das Flattern der Haare im Wind und um die Ästhetik des Leidens. In einem zeitgemäßen Diskurs über Filmproduktion wirkt dieser Ansatz wie ein Relikt aus einer Ära, die wir glücklicherweise hinter uns gelassen haben. Dass Newton Jahre später offen über die schwierigen Bedingungen am Set sprach, wirft ein noch dunkleres Licht auf die glitzernde Oberfläche dieses Blockbusters.
Man muss verstehen, wie Hollywood zu dieser Zeit funktionierte. Es war die Ära der großen Gagen und der noch größeren Trailer. Die Studios glaubten fest daran, dass ein einzelnes Gesicht ausreichte, um die globalen Märkte zu dominieren. Diese Arroganz führte dazu, dass man das Handwerk des Geschichtenerzählens vernachlässigte. Man baute Stunts um eine Person herum und nannte das dann ein Drehbuch. Wenn ich mir die heutigen Produktionen ansehe, erkenne ich oft dieselben Muster wieder. Der Trend zum „Star-Vehikel“, bei dem alle anderen Mitwirkenden zu Statisten mit Text degradiert werden, fand hier seinen lautstarken Anfang. Es war ein lautes, teures und letztlich hohles Spektakel, das uns lehrte, dass Stil über Substanz siegen kann, wenn man ihn nur aggressiv genug vermarktet.
Die technische Expertise von John Woo ist unbestritten, doch er war der falsche Mann für ein Franchise, das von Präzision und Teamarbeit lebte. Sein Stil ist das Chaos, die Oper der Zerstörung. Das passt zu „Face/Off“, aber es beißt sich mit der Idee einer verdeckten Operativgruppe. Die Schauspieler am Set wirkten oft verloren zwischen den Explosionen. Es gibt Berichte über endlose Nachdrehs und ein Skript, das während der Produktion ständig umgeschrieben wurde. Das ist oft ein Zeichen für eine fehlende Vision, die durch pure kinetische Energie ersetzt werden soll. Das Ergebnis ist ein Film, der sich heute wie ein langes Musikvideo anfühlt, in dem die Menschen lediglich Requisiten sind.
Ich habe oft mit Brancheninsidern darüber gesprochen, wie dieser Film in der Retrospektive bewertet wird. Die meisten sind sich einig, dass er ein notwendiges Übel war, um die Marke am Leben zu erhalten, aber künstlerisch einen Tiefpunkt darstellte. Es ist faszinierend zu sehen, wie sehr wir uns als Zuschauer daran gewöhnt haben, dass Actionkino so funktioniert. Wir akzeptieren, dass Nebencharaktere nur dazu da sind, um den Helden glänzen zu lassen. Doch wenn man sich Filme wie „Heat“ oder sogar den ersten „Mission Impossible“ ansieht, erkennt man, was wir verloren haben. Wir haben die Komplexität des Miteinanders gegen die Monotonie des Alleingangs eingetauscht.
Man kann es drehen und wenden, wie man will: Das Erbe dieser Produktion ist vergiftet. Sie hat uns gezeigt, dass man mit genug Budget und einem charismatischen Anführer über die eklatantesten Schwächen in der Besetzung hinwegtäuschen kann. Es ist eine Lektion in Manipulation. Man blendet das Publikum mit Chrom und Feuerwerk, damit niemand fragt, warum die Figuren eigentlich tun, was sie tun. Die psychologische Tiefe, die das Genre theoretisch erreichen könnte, wurde hier zugunsten einer oberflächlichen Coolness geopfert, die so schnell verraucht wie das Kerosin eines explodierenden Hubschraubers.
Wenn wir heute über die Qualität von Kinofilmen streiten, sollten wir diesen Wendepunkt nicht vergessen. Es war der Moment, in dem das Kino aufhörte, ein Spiegel menschlicher Zusammenarbeit zu sein, und anfing, eine Werbetafel für eine einzige Marke zu werden. Das Risiko, das man damals einging, hat sich finanziell ausgezahlt, aber den Preis dafür zahlen wir bis heute mit einer Flut von Filmen, die ihre Darsteller wie Spielfiguren ohne Innenleben behandeln. Es ist an der Zeit, das Ideal des Ensembles wiederzuentdecken und den Kult der Einzelperson dorthin zurückzuschicken, wo er hingehört: in die Mottenkiste der überzogenen Selbstdarstellung.
Echtes Kino entsteht durch die Reibung zwischen gleichwertigen Charakteren und nicht durch die Kapitulation einer gesamten Produktion vor dem Schatten eines einzigen Mannes.
