Manche Filme altern wie ein billiger Wein, der mit der Zeit zu Essig wird, während andere zu einem hochprozentigen Destillat reifen, das einem den Atem raubt. Arthur Penns Meisterwerk aus dem Jahr 1970 gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Wenn wir heute über den Film sprechen, konzentrieren sich die meisten Analysen auf die satirische Darstellung des Wilden Westens oder den bitterbösen Kommentar zum Vietnamkrieg. Doch das eigentliche Wunder, das dieses Epos erst möglich machte, liegt in der Besetzung Von Little Big Man verborgen. Es war nicht bloß eine Ansammlung von Schauspielern, sondern eine radikale Neubesetzung der amerikanischen Geschichte. Man glaubt oft, der Film sei eine reine Dustin-Hoffman-Show, in der ein junger Method-Actor den 121-jährigen Jack Crabb spielt. Das ist zu kurz gedacht. Die wahre Kraft des Films entfaltet sich in der mutigen Entscheidung, die Rollen der Ureinwohner nicht mit geschminkten Weißen zu besetzen, was damals in Hollywood noch an der Tagesordnung war.
Ich erinnere mich an ein Gespräch mit einem Filmhistoriker in Berlin, der behauptete, der Western sei vor 1970 im Grunde ein steriles Genre gewesen. Die Helden trugen weiße Hüte, die Bösewichte schwarze, und die amerikanischen Ureinwohner waren meist stumme Hindernisse in der Prärie. Penn brach dieses Gesetz. Er suchte nach einer Authentizität, die über das Kostümbild hinausging. In einer Zeit, in der das Studio-System noch immer an alten Hierarchien festhielt, war die Wahl von Chief Dan George als Old Lodge Skins ein Akt der filmischen Rebellion. Es war dieser Moment, in dem Hollywood zum ersten Mal wirklich hinsah, statt nur zu projizieren.
Die Revolution der Besetzung Von Little Big Man
Die Besetzung Von Little Big Man markiert den Punkt, an dem der Mythos des Grenzlandes zerbrach. Wenn man sich die Interaktionen zwischen Hoffman und George ansieht, bemerkt man eine Chemie, die man nicht im Probenraum erzwingen kann. Chief Dan George war kein ausgebildeter Schauspieler im klassischen Sinne der Lee-Strasberg-Schule. Er war ein Häuptling der Tsleil-Waututh Nation. Seine Präsenz brachte eine Gravitas in die Produktion, die jeden künstlichen Bart von Dustin Hoffman überstrahlte. Das ist der Kern meiner These: Der Erfolg des Films basiert nicht auf der komödiantischen Brillanz seines Hauptdarstellers, sondern auf der moralischen Integrität seiner Nebendarsteller.
Man könnte einwenden, dass Dustin Hoffman als Zentrum der Geschichte natürlich die größte Last trug. Er musste eine Figur verkörpern, die zwischen zwei Welten hin- und hergerissen war. Skeptiker sagen oft, dass ohne einen Star seines Kalibers niemand das Ticket gekauft hätte. Das mag kommerziell stimmen. Aber künstlerisch gesehen wäre der Film ohne die glaubwürdige Darstellung der Cheyenne-Kultur in sich zusammengefallen wie ein schlecht gebautes Zelt. Die Authentizität war kein schmückendes Beiwerk, sie war das Fundament. Penn verstand, dass er den Schmerz der Geschichte nicht darstellen konnte, wenn er die Opfer dieser Geschichte wieder nur durch die Linse weißer Darsteller betrachtete.
Ein Häuptling stiehlt die Show
Chief Dan George erhielt für seine Leistung eine Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller. Das war damals eine Sensation. Er brachte eine Sanftmut und einen trockenen Humor in die Rolle, die das Bild des "edlen Wilden" oder des "grausamen Kriegers" gleichermaßen demontierten. Wenn er sagt, es sei ein guter Tag zum Sterben, dann schwingt darin keine Pathos-geschwängerte Todessehnsucht mit, sondern eine tiefe, fast heitere Akzeptanz des Schicksals. Diese Nuancen waren neu. Sie waren subversiv.
Die Art und Weise, wie George seine Zeilen sprach, veränderte die Dynamik am Set. Hoffman, der für seine akribische Vorbereitung bekannt war, musste oft feststellen, dass sein Kollege mit einer einfachen Geste oder einem Blick mehr aussagte als er mit fünf Minuten Method-Acting. Man spürt im fertigen Film diesen Respekt. Es ist eine der seltenen Produktionen jener Ära, in der die Kamera die Ureinwohner nicht als Objekte, sondern als Subjekte behandelt.
Jenseits der Maskenbildung und des Alters-Make-ups
Natürlich müssen wir über die technische Seite sprechen, denn sie ist untrennbar mit der Wirkung der Darsteller verbunden. Dick Smith, der später durch seine Arbeit an "Der Exorzist" berühmt wurde, schuf für Hoffman eine Maske, die Kinogeschichte schrieb. Der Prozess dauerte jeden Tag Stunden. Hoffman musste während der Dreharbeiten schreien, um seine Stimme rau und brüchig zu machen, damit sie zu dem Gesicht eines Mannes passte, der über ein Jahrhundert gesehen hatte. Das ist beeindruckend, keine Frage. Aber Technik bleibt Technik. Sie ist tot ohne die Seele, die sie füllt.
Was viele Zuschauer übersehen, ist die Besetzung der weiblichen Rollen. Faye Dunaway als Mrs. Pendrake liefert eine Performance ab, die zwischen religiösem Eifer und unterdrückter Sexualität schwankt. Sie repräsentiert die Heuchelei der weißen Zivilisation, die Jack Crabb immer wieder zu entkommen versucht. Ihre Figur ist der perfekte Kontrast zu den klaren, wenn auch harten Regeln des Lebens bei den Cheyenne. Die Wahl von Dunaway war ein Geniestreich, weil sie zu diesem Zeitpunkt bereits ein Star war und dennoch bereit war, eine zutiefst unsympathische, fast schon groteske Figur zu spielen.
Die Bedeutung der Nebenrollen für das Narrativ
In der Besetzung Von Little Big Man finden wir auch Richard Mulligan als General Custer. Seine Darstellung ist eine der bösartigsten und treffendsten Karikaturen der amerikanischen Militärgeschichte. Er spielt Custer nicht als tragischen Helden, sondern als psychopathischen Narzissten, der in seinem eigenen Wahn gefangen ist. Das war 1970 ein Schlag ins Gesicht des patriotischen Amerika. Mulligan spielt diesen Wahnsinn mit einer Intensität, die fast körperlich wehtut. Man sieht in seinen Augen, dass dieser Mann bereit ist, für seinen Ruhm Tausende in den Tod zu schicken.
Dies führt uns zu einem wichtigen Punkt der filmischen Wahrheit. Ein Film wie dieser funktioniert nur, wenn die Antagonisten genauso scharf gezeichnet sind wie die Protagonisten. Wenn Custer nur ein Pappkamerad gewesen wäre, hätte Crabbs Reise keine Bedeutung gehabt. Erst durch die exzellente Auswahl der Schauspieler wurde aus einer satirischen Vorlage ein ernstzunehmendes Drama über den Verlust der Identität.
Der Mythos der Unverfilmbarkeit
Thomas Berger, der Autor der Romanvorlage, hielt sein Buch lange Zeit für unverfilmbar. Die Struktur ist episodisch, der Ton schwankt zwischen Slapstick und Tragödie. Man braucht ein Ensemble, das diesen Seiltanz mitmacht. Ich behaupte, dass der Erfolg dieser spezifischen Produktion vor allem daran lag, dass Penn keine Angst vor dem Hässlichen hatte. Er suchte nicht nach Schönheit, er suchte nach Charakterköpfen.
Es gibt eine Szene am Little Bighorn, die mir immer im Gedächtnis bleibt. Es ist das totale Chaos. Das Blut, der Staub, die Schreie. Inmitten dieses Infernos sehen wir die Gesichter der Soldaten und der Krieger. Hier zeigt sich die Qualität des Castings bis in die kleinste Statistenrolle. Man sieht die nackte Angst. Es gibt keine glorreichen Tode. Es gibt nur das schmutzige Ende einer Ära. Penn nutzte echte Emotionen, um eine künstliche Welt einzureißen.
Man kann heute darüber streiten, ob die Darstellung der Cheyenne aus heutiger Sicht perfekt ist. Sicherlich gibt es Aspekte, die man heute anders angehen würde. Aber für die damalige Zeit war es ein Quantensprung. Es war die Anerkennung einer Realität, die Hollywood jahrzehntelang ignoriert hatte. Wer diesen Film nur als Unterhaltung sieht, verkennt seine politische Sprengkraft. Die Schauspieler waren die Munition für diese Kritik.
Warum wir das Thema heute neu bewerten müssen
Wenn wir heute auf das Jahr 1970 zurückblicken, sehen wir eine Welt im Umbruch. Die Bürgerrechtsbewegung, der Widerstand gegen den Krieg, die Frauenbewegung. All das floss in die Produktion ein. Das Casting war keine ästhetische Entscheidung, es war ein Statement. Man wollte zeigen, dass die amerikanische Geschichte eine Geschichte der Perspektive ist. Wer erzählt die Geschichte? Derjenige, der überlebt hat. Und wer überlebt hat, ist oft nicht derjenige, der im Recht war.
Man könnte meinen, dass ein solcher Film heute einfacher zu drehen wäre. Doch ich bezweifle das. Heute sind Produktionen oft so glattgebügelt, dass jede Ecken und Kanten fehlen. Die Rohheit, die Chief Dan George oder Richard Mulligan in ihre Rollen brachten, ist selten geworden. Wir haben heute mehr Technologie, aber oft weniger Mut zur Lücke. Man traut dem Publikum weniger zu. Penn hingegen mutete seinen Zuschauern alles zu: Lachen über den Tod, Weinen über die Lächerlichkeit und ein tiefes Unbehagen über die eigene Herkunft.
Die Kraft des Films liegt in seiner Unverfrorenheit. Er schämt sich nicht für seine Absurdität. Er nutzt die Maskerade, um die Wahrheit dahinter freizulegen. Das ist das Paradoxon der Schauspielerei: Manchmal muss man sich dick mit Latex beschmieren, um sein wahres Gesicht zeigen zu können. Jack Crabb ist am Ende ein Mann ohne Heimat, ein Wanderer zwischen den Welten, der nirgendwo wirklich dazugehört. Diese Einsamkeit wird durch die Interaktion mit den anderen Charakteren erst spürbar. Er ist der ewige Beobachter einer Tragödie, die er nicht verhindern kann.
Das Kino hat oft die Tendenz, Geschichte zu vergolden. Es macht aus Dreck Gold und aus Mord Heldentum. Arthur Penn und sein Team machten das Gegenteil. Sie nahmen das Gold des Mythos und kratzten so lange daran, bis der rostige Dreck darunter zum Vorschein kam. Sie taten dies mit einer Besetzung, die bereit war, ihre Eitelkeit an der Garderobe abzugeben. Wenn man sich die Gesichter in diesem Film ansieht, sieht man keine Filmstars. Man sieht Menschen, die vom Leben gezeichnet sind, egal ob diese Spuren aus der Maskenbildnerei oder aus einem echten Leben voller Unterdrückung stammten.
Man muss verstehen, dass dieser Film die Art und Weise, wie Western gedreht wurden, für immer verändert hat. Nach 1970 konnte man nicht mehr einfach zurück zur alten Formel. Der Geist war aus der Flasche. Die Ernsthaftigkeit, mit der man sich den Ureinwohnern widmete, setzte einen Standard, an dem sich spätere Werke wie "Der mit dem Wolf tanzt" messen lassen mussten. Doch während Costners Epos oft in Sentimentalität badet, bleibt Penns Werk trocken, sarkastisch und tief pessimistisch.
Es ist diese Verweigerung der einfachen Lösung, die den Film so zeitlos macht. Es gibt kein Happy End. Es gibt nur das Überleben. Und das Überleben ist manchmal die größte Strafe von allen, besonders wenn man 121 Jahre alt werden muss, um zu sehen, dass sich im Grunde nichts geändert hat. Die Gier, die Gewalt und die Heuchelei sind Konstanten der menschlichen Existenz. Die Schauspieler haben das nicht nur gespielt, sie haben es verkörpert. Jede Falte in Hoffmans Gesicht erzählte eine Geschichte von Verrat und Verlust.
Man kann die Bedeutung dieses Werks nicht hoch genug einschätzen. Es ist ein Mahnmal für die Kraft des Kinos, wenn es sich traut, unbequem zu sein. Es ist ein Plädoyer für die Wahrheit, auch wenn diese Wahrheit schmerzt. In einer Welt, die heute mehr denn je nach einfachen Antworten sucht, erinnert uns dieser Film daran, dass die Geschichte kompliziert, schmutzig und oft zutiefst ungerecht ist.
Der wahre Clou der gesamten Produktion war es, den Zuschauer dazu zu bringen, sich mit dem Außenseiter zu identifizieren, während er gleichzeitig die Grausamkeit seiner eigenen Kultur vor Augen geführt bekommt. Das gelingt nur, wenn die Figuren auf der Leinwand so real wirken, dass man vergisst, dass man im Kino sitzt. Und genau das ist das bleibende Vermächtnis dieser Besetzung. Sie haben uns nicht nur eine Geschichte erzählt; sie haben uns gezwungen, Zeuge zu sein.
Die Geschichte Amerikas ist eine Geschichte von verpassten Chancen und gewaltsamen Eroberungen, und kein Film fängt diesen Schmerz so präzise ein wie dieses Werk durch die Stimmen derer, die normalerweise zum Schweigen verdammt sind.
