In den frühen Morgenstunden des 14. August 2010 herrschte am Set eines Londoner Studios eine beinahe sakrale Stille. Meryl Streep saß unbeweglich vor dem Spiegel der Maske, während zwei Visagisten mit der Präzision von Restauratoren Silikonprothesen auf ihre Wangenknochen applizierten. Es war kein bloßer Prozess der Verkleidung; es war eine chirurgische Annäherung an eine Frau, die Großbritannien über ein Jahrzehnt lang in Atem gehalten hatte. Der Moment, in dem Streep die charakteristische Perlenkette anlegte und die Mundwinkel zu jenem schmalen, entschlossenen Strich presste, markierte die Geburtsstunde einer Darbietung, die weit über eine filmische Biografie hinausgehen sollte. In diesem Augenblick verschmolz das amerikanische Handwerk mit dem britischen Mythos, und die Besetzung von die eiserne lady wurde zu einem Wagnis, das die Kritiker bereits vor der ersten Klappe in Lager spaltete. Es ging nicht nur darum, eine Politikerin zu imitieren, sondern das Paradoxon der Macht in der Zerbrechlichkeit des Alters einzufangen.
Margaret Thatcher war zeit ihres Lebens eine Figur, die keinen Raum für Neutralität ließ. Für die einen war sie die Retterin einer stagnierenden Nation, für die anderen die Totengräberin des sozialen Friedens. Als Regisseurin Phyllida Lloyd und Drehbuchautorin Abi Morgan begannen, das Projekt zu entwerfen, standen sie vor der fast unmöglichen Aufgabe, ein Gesicht für diese Ambivalenz zu finden. Man suchte nach jemandem, der die schneidende Schärfe der Parlamentsdebatten ebenso beherrschte wie die verwirrte Melancholie einer Witwe, die in ihren eigenen Erinnerungen verloren geht. Die Wahl fiel auf eine Frau aus New Jersey, was in den Londoner Gazetten zunächst für empörte Schlagzeilen sorgte. Wie konnte eine Amerikanerin das innerste Wesen des British Empire verkörpern? Doch die Geschichte dieses Films ist die Geschichte einer schauspielerischen Besessenheit, die jede nationale Grenze hinter sich ließ.
Streep bereitete sich mit einer Akribie vor, die an die Arbeit einer Geheimdienstanalystin erinnerte. Sie verbrachte Monate damit, Archivaufnahmen zu studieren, nicht nur um den Akzent zu lernen, sondern um den Rhythmus von Thatchers Atemzügen zu verstehen. Sie bemerkte, wie die Premierministerin ihre Stimme im Laufe der Jahre gezielt senkte, um in einer von Männern dominierten Welt mehr Gravitas zu erzielen. Diese stimmliche Transformation wurde zum Ankerpunkt der gesamten Produktion. Wenn man die ersten Testaufnahmen heute betrachtet, sieht man keine Schauspielerin, die eine Maske trägt; man sieht einen Menschen, der unter der Last einer historischen Identität verschwindet. Es war eine Übung in Empathie für eine Frau, die oft als gefühlskalt porträtiert wurde, und genau hierin lag die Provokation des Werks.
Die Dynamik hinter der Besetzung von die eiserne lady
Die Besetzung von die eiserne lady war jedoch kein Solo-Akt, sondern ein fein abgestimmtes Ensemble, das den Rahmen für Streeps Verwandlung bildete. Jim Broadbent übernahm die Rolle des Denis Thatcher, des Mannes an ihrer Seite, der weit mehr war als nur ein loyaler Begleiter. Broadbent brachte eine Wärme und eine leise Ironie in den Film, die als notwendiges Gegengewicht zur Härte der Protagonistin fungierten. Er spielte Denis nicht als Karikatur, sondern als den Geist einer vergangenen Ära, der seiner Frau auch dann noch zur Seite stand, als ihr Verstand bereits begann, die Gegenwart zu verlassen. Die Chemie zwischen den beiden war der emotionale Motor der Erzählung, der verdeutlichte, dass hinter jeder politischen Entscheidung ein privater Preis steht, der oft im Verborgenen gezahlt wird.
Schatten der Vergangenheit und die jungen Jahre
In den Rückblenden, die den Aufstieg der jungen Margaret Roberts zeigen, übernahm Alexandra Roach den Part der ehrgeizigen Krämerstochter aus Grantham. Roach fing jene ungeschliffene Energie ein, die notwendig war, um die starren Klassenschranken des Englands der Nachkriegszeit zu durchbrechen. Es ist eine der Stärken des Films, dass er diese Kontinuität der Persönlichkeit wahrt. Man erkennt in der jungen Frau, die im Regen um Wählerstimmen kämpft, bereits den unerbittlichen Willen der späteren Staatsfrau. Harry Lloyd, der den jungen Denis spielte, ergänzte diese Szenen mit einer Leichtigkeit, die den Kontrast zum späteren politischen Ernst unterstrich. Diese Besetzungsentscheidungen ermöglichten es dem Zuschauer, die Evolution einer Ideologie durch das Prisma einer persönlichen Biografie zu verfolgen.
Die Nebencharaktere, besetzt mit britischen Charakterköpfen wie Richard E. Grant als Michael Heseltine oder Anthony Head als Geoffrey Howe, bildeten das politische Haifischbecken ab, in dem Thatcher sich behaupten musste. Jeder dieser Schauspieler brachte ein tiefes Verständnis für die britische Mentalität der achtziger Jahre mit. Sie spielten die Männer in den dunklen Anzügen, die zunächst unterschätzten, mit welcher Wucht diese Frau ihre Welt verändern würde. In den Kabinettsszenen wird die Isolation der Premierministerin physisch greifbar; sie ist oft die einzige helle Farbe in einem Meer aus Grau und Marineblau, eine visuelle Metapher für ihre Sonderstellung und ihren radikalen Individualismus.
Es war die Entscheidung der Filmemacher, die Geschichte durch die Linse der Demenz zu erzählen, die das Projekt so riskant machte. Viele Weggefährten Thatchers kritisierten diesen Ansatz als respektlos. Doch für die Erzählung war er essenziell. Er erlaubte es, die Unausweichlichkeit des körperlichen und geistigen Verfalls gegen die Monumentalität der politischen Macht auszuspielen. In den Szenen, in denen die gealterte Margaret mit den Halluzinationen ihres verstorbenen Mannes spricht, erreicht der Film eine fast shakespearesche Tragik. Hier zeigt sich die Meisterschaft des Ensembles: Broadbent und Streep agieren in diesen Momenten mit einer Zärtlichkeit, die den Zuschauer zwingt, die politische Figur für einen Moment zu vergessen und den hinfälligen Menschen zu sehen.
Diese Herangehensweise erforderte Mut von allen Beteiligten. Es ging darum, eine Ikone zu demontieren, nicht um sie zu zerstören, sondern um ihren Kern freizulegen. Die politische Landschaft Großbritanniens war noch immer von den Narben ihrer Amtszeit gezeichnet, als der Film 2011 in die Kinos kam. In den ehemaligen Bergarbeiterstädten im Norden wurde der Film oft boykottiert, während er im Londoner West End gefeiert wurde. Diese Spaltung spiegelte das Erbe der Frau wider, die einst behauptet hatte, es gäbe so etwas wie eine Gesellschaft nicht, sondern nur Individuen und Familien. Die darstellerische Leistung musste also diese gesellschaftliche Kluft überbrücken oder zumindest so präzise darstellen, dass beide Seiten sich darin wiederfinden konnten.
Die visuelle Gestaltung unterstützte diesen Prozess maßgeblich. Kameramann Elliot Davis arbeitete mit einer Farbpalette, die sich mit dem Gemütszustand der Protagonistin wandelte. Die leuchtenden, fast surrealen Farben der jungen Jahre weichen im Laufe des Films einem kühleren, klinischeren Licht, das die Einsamkeit der Macht und später die Sterilität des Alters betont. Die Maskenbildner Mark Coulier und J. Roy Helland erhielten für ihre Arbeit an der Verwandlung Streeps völlig zu Recht den Oscar. Ihre Kunstfertigkeit ermöglichte es dem Publikum, die Jahrzehnte an Margarets Gesicht abzulesen – jede Falte erzählte von einer Krise, jedem hängenden Augenlid wohnte ein politischer Kampf inne.
In einer zentralen Szene des Films wird Margaret Thatcher von ihren Beratern gedrängt, ihre Stimme und ihr Auftreten zu ändern. Sie sitzt in einem kleinen, stickigen Raum, umgeben von Männern, die ihr erklären wollen, wie eine Frau zu sein hat, um ernst genommen zu werden. Es ist ein Moment der Demütigung, aber auch der Erkenntnis. Streep spielt diese Szene mit einer unterdrückten Wut, die man fast physisch im Kinosaal spüren kann. Es ist der Wendepunkt, an dem aus der Politikerin die Kunstfigur wird, die fortan die Weltbühne dominieren sollte. Hier wird deutlich, dass Macht oft eine Performance ist, ein sorgfältig konstruiertes Theaterstück, dessen Kostüme und Texte man beherrschen muss, um zu überleben.
Die historische Genauigkeit der Ausstattung, von den Teetassen im Haus am Chester Square bis hin zu den Papieren auf dem Schreibtisch in Downing Street 10, schuf eine Authentizität, die es den Schauspielern erlaubte, völlig in ihre Rollen einzutauchen. Es war keine Kulisse, sondern ein Mikrokosmos. Wenn Streep durch die Gänge des Parlaments schritt, flankiert von Statisten in historisch korrekten Kostümen, entstand eine Zeitkapsel. Man vergaß die Gegenwart und fand sich im Jahr 1982 wieder, mitten im Falklandkrieg, als die Entscheidungen einer einzigen Frau das Schicksal Tausender besiegelten. Diese Schwere der Verantwortung zu porträtieren, ohne in Pathos zu verfallen, war die größte Herausforderung für die Besetzung von die eiserne lady.
Die Reaktionen nach der Veröffentlichung waren so vielfältig wie die Meinungen über Thatcher selbst. Während Meryl Streep für ihre Darstellung mit Preisen überhäuft wurde, blieb die Diskussion über die moralische Berechtigung des Films hitzig. Darf man eine lebende Person – Thatcher verstarb erst zwei Jahre nach dem Erscheinen des Films – in einem Zustand geistiger Umnachtung zeigen? Die Antwort der Filmemacher war ein klares Ja, denn gerade die universelle Erfahrung des Alterns macht eine historische Figur erst greifbar. Es ist die ultimative Nivellierung; die mächtigste Frau der westlichen Welt unterliegt am Ende denselben biologischen Gesetzen wie jeder andere Mensch auch.
Man erinnert sich an eine Szene gegen Ende des Films, in der Margaret alleine in ihrer Küche steht und eine Tasse abwäscht. Es ist eine banale, fast meditative Tätigkeit. In diesem Moment ist der Glanz der Macht verflogen, die Reden sind gehalten, die Schlachten geschlagen. Was bleibt, ist eine alte Frau in einem stillen Haus. Die Stärke des Ensembles lag darin, diesen Weg vom Gipfel der Weltpolitik bis in die Einsamkeit der Küche glaubwürdig und schmerzhaft präzise nachzuzeichnen. Es war kein Denkmal aus Bronze, sondern ein Porträt aus Fleisch und Blut, mit all seinen Fehlern, Zweifeln und einer unerschütterlichen, fast furchteinflößenden Entschlossenheit.
Betrachtet man das Werk heute, Jahre nach dem Tod der echten Baroness Thatcher, wirkt es wie ein Dokument über die Flüchtigkeit von Einfluss. Die Welt hat sich weitergedreht, neue Krisen haben die alten abgelöst, und die politischen Kämpfe der achtziger Jahre wirken wie Echos aus einer fernen Zeit. Doch die menschliche Essenz, die in jenen Monaten in den Londoner Studios eingefangen wurde, bleibt bestehen. Es ist die Geschichte einer Frau, die beschloss, sich nicht anzupassen, und die den Preis dafür bis zum letzten Atemzug zahlte. Die filmische Umsetzung hat es geschafft, diese komplexe Wahrheit in Bilder zu fassen, die noch lange nach dem Abspann im Gedächtnis bleiben.
Am Ende bleibt das Bild von Meryl Streep, wie sie das Set verlässt, die Perücken und Prothesen abgelegt, und wieder zu sich selbst wird. Doch ein kleiner Teil der eisernern Entschlossenheit schien an ihr haften geblieben zu sein. Es ist das Geschenk der großen Schauspielkunst: Sie erlaubt uns, durch die Augen eines anderen zu sehen, auch wenn wir dessen Taten ablehnen. In der Stille des Kinosaals, wenn das Licht langsam wieder angeht, bleibt das Gefühl einer tiefen, erschöpfenden Reise. Die Geschichte einer Frau, die ihre Handtasche wie eine Waffe trug und deren größter Sieg vielleicht nicht in der Politik lag, sondern in der Weigerung, jemals klein beizugeben.
Sie räumt die letzten Teetassen weg, schließt die Tür zu ihrem Arbeitszimmer und blickt einen Moment zu lange auf den leeren Sessel ihres Mannes, während das Londoner Sonnenlicht staubig durch die schweren Vorhänge fällt.
