Manche Filme gelten als Klassiker, weil sie handwerklich perfekt sind, andere wiederum, weil sie zur richtigen Zeit am richtigen Ort eine kollektive Stimmung einfingen. Bei Robert Aldrichs Meisterwerk aus dem Jahr 1967 verhält es sich anders, denn hier war es die schiere Alchemie der Darsteller, die ein ganzes Genre aus den Angeln hob. Wer heute an die Besetzung Von Das Dreckige Dutzend denkt, sieht oft nur ein nostalgisches Ensemble aus harten Kerlen in Uniform, doch das greift zu kurz. Die Wahrheit ist viel unbequemer, denn dieser Film markierte den Moment, in dem Hollywood den moralisch sauberen Helden beerdigte und durch den charismatischen Soziopathen ersetzte. Es war eine kalkulierte Provokation gegen das damalige Studiosystem, die bis heute nachwirkt und die Art und Weise, wie wir Leinwandgewalt konsumieren, radikal veränderte.
Diese Männer waren keine Soldaten im klassischen Sinne, sondern ein Spiegelbild einer zerrissenen Gesellschaft, die mitten im Vietnamkrieg steckte. Lee Marvin, der selbst im Zweiten Weltkrieg als Marine am eigenen Leib erfahren hatte, was echte Gewalt bedeutet, führte eine Gruppe an, die aus heutiger Sicht wie ein Fiebertraum des Castings wirkt. Man muss sich das einmal klarmachen, denn da standen Charles Bronson, Telly Savalas, John Cassavetes und der Football-Star Jim Brown gemeinsam vor der Kamera. Das war kein Zufallsprodukt, sondern eine gezielte Versammlung von Außenseitern und Method-Anactors, die das Ideal des edlen Kriegers systematisch demontierten. Während das Publikum in den 1960er Jahren noch an die heroischen Epen eines John Wayne gewöhnt war, knallte ihnen Aldrich eine Truppe vor den Latz, die aus Mördern, Vergewaltigern und Psychopathen bestand.
Das ethische Vakuum hinter der Besetzung Von Das Dreckige Dutzend
Wenn man die Dynamik dieser Gruppe analysiert, erkennt man schnell, dass hier eine neue Währung im Kino eingeführt wurde: die Coolness des Amoralischen. Die Produzenten bei MGM hatten damals enorme Bedenken, ob das Publikum überhaupt mit Charakteren mitfühlen könnte, die eigentlich an den Galgen gehören. Doch genau hier liegt der Geniestreich. Die Besetzung Von Das Dreckige Dutzend funktionierte nur deshalb so gut, weil jeder dieser Schauspieler eine persönliche Düsternis mitbrachte, die nicht im Drehbuch stand. John Cassavetes etwa, der Gottvater des amerikanischen Independent-Films, hasste das Projekt eigentlich und nahm die Rolle des Victor Franko nur an, um seine eigenen Regiearbeiten zu finanzieren. Diese reale Verachtung für das System übertrug sich direkt auf seine Figur und verlieh dem Film eine authentische Anarchie, die man nicht proben kann.
Es gibt eine weit verbreitete Meinung, dass dieser Film lediglich ein unterhaltsames Abenteuer sei, eine Art Vorläufer moderner Heist-Movies. Skeptiker behaupten oft, die Gewalt sei aus heutiger Sicht zahm und die Charakterzeichnung oberflächlich. Doch wer so argumentiert, übersieht die psychologische Kriegsführung, die der Film gegen seine Zuschauer führt. In der berühmten Szene am Ende, in der die deutschen Offiziere und ihre Frauen in einem Keller eingeschlossen und bei lebendigem Leibe verbrannt werden, gibt es keinen moralischen Sieg. Das ist kein Befreiungsschlag, das ist ein Kriegsverbrechen, ausgeführt von den Männern, die wir gerade zwei Stunden lang liebgewonnen haben. Aldrich zwingt uns, unsere Loyalität zu hinterfragen. Er nutzt die Sympathie, die wir für diese rauen Kerle entwickelt haben, um uns zu Komplizen eines Massakers zu machen.
Diese Taktik war für das Jahr 1967 ein Schock. In Europa, besonders in Deutschland und Frankreich, löste der Film heftige Debatten über die Darstellung von Soldaten aus. Während man in Hollywood noch überlegte, ob man Jim Brown eine Liebeszene erlauben dürfe, zeigte Aldrich ihn als eine Urgewalt, die Handgranaten in Lüftungsschächte wirft. Das war die Geburtsstunde des Antihelden, wie wir ihn später in Charakteren wie Dirty Harry oder den Figuren von Quentin Tarantino wiederfanden. Man kann ohne Übertreibung sagen, dass ohne diesen Film die moderne Serienlandschaft eines „The Sopranos“ oder „Breaking Bad“ nicht existieren würde. Wir lernten dort zum ersten Mal, dass ein Protagonist ein Monster sein kann, solange er nur interessant genug besetzt ist.
Ein oft übersehener Aspekt ist die physische Präsenz der Darsteller. In einer Zeit, in der heutige Actionstars Monate mit Personal Trainern und Diätplänen verbringen, um wie griechische Götter auszusehen, wirkte diese Truppe echt. Sie hatten Narben, sie schwitzten, sie sahen aus, als hätten sie tatsächlich Jahre im Gefängnis verbracht. Telly Savalas als religiöser Fanatiker Archer Maggott brachte eine sexuelle Bedrohlichkeit in den Film, die selbst heute noch unangenehm zu beobachten ist. Es gab keinen Weichzeichner. Die Kamera von Ted Scaife blieb gnadenlos nah an den Gesichtern, fing jede Falte und jeden hasserfüllten Blick ein. Das war kein Kino der Eitelkeiten, sondern ein Kino der harten Kanten.
Ich erinnere mich an ein Interview mit einem alten Kinovorführer, der mir erzählte, dass die Leute nach der Premiere schweigend aus dem Saal gingen. Sie waren nicht unterhalten, sie waren erschüttert. Das lag nicht nur an der Action, sondern an der Erkenntnis, dass Heldenhaftigkeit oft nur eine Frage der Perspektive ist. Die Männer auf der Leinwand taten schreckliche Dinge für eine gute Sache, aber sie blieben schreckliche Männer. Diese Ambivalenz ist das wahre Vermächtnis des Films. Er nahm uns die Gewissheit, dass das Gute am Ende immer sauber gewinnt. Stattdessen lernten wir, dass man manchmal Teufel schicken muss, um den Teufel zu bekämpfen, und dass man dabei zwangsläufig seine Seele verliert.
Man darf auch den Einfluss auf die Popkultur nicht unterschätzen. Jedes Mal, wenn heute ein Studio ein „Suicide Squad“ oder ähnliche Konzepte auf den Markt wirft, versuchen sie verzweifelt, die Magie von 1967 zu kopieren. Meistens scheitern sie kläglich. Warum? Weil sie versuchen, die Kanten abzuschleifen. Sie wollen böse Jungs, die eigentlich ein Herz aus Gold haben. Aldrich und seine Crew machten diesen Fehler nicht. Sie ließen die Dunkelheit stehen. Sie gaben uns keine billige Erlösung. Das ist der Grund, warum der Film heute noch atmet, während moderne Blockbuster nach zwei Wochen vergessen sind. Es ist die Unbequemlichkeit, die bleibt.
Das Kino hat sich seitdem weiterentwickelt, technologisch zumindest. Aber inhaltlich haben wir uns oft zurückbewegt. Wir verlangen nach klaren Fronten, nach Helden, die wir ohne schlechtes Gewissen auf Brotdosen drucken können. Aldrich hat uns gezeigt, dass die Wahrheit im Schlamm liegt. Er hat uns gezeigt, dass Krieg nicht adelt, sondern entmenschlicht, egal auf welcher Seite man steht. Und er hat uns gezeigt, dass ein Ensemble aus talentierten Querschlägen mehr über den Zustand der Welt aussagen kann als jedes geschönte Geschichtsbuch. Die Wirkung ist bis heute spürbar, in jedem Film, der es wagt, die Moral der Zuschauer herauszufordern.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass wir uns immer noch nach dieser Art von Ehrlichkeit sehnen. Wir wollen keine perfekten Menschen sehen, wir wollen uns selbst in all unserer Fehlerhaftigkeit gespiegelt finden. Die Besetzung von damals lieferte genau das: eine schmerzhafte, dreckige und absolut notwendige Lektion in Menschlichkeit, die sich hinter einer Fassade aus Gewalt und Explosionen verbarg. Es ist nun mal so, dass die größten Wahrheiten oft dort lauern, wo wir sie am wenigsten erwarten, mitten im Chaos eines Himmelfahrtskommandos, das nie zur Rückkehr verdammt war.
Wahre Helden sterben nicht für das Vaterland, sie sterben, weil sie keine andere Wahl mehr haben.
