Wer an das italienische Kino der siebziger Jahre denkt, sieht meist staubige Stiefel im Wilden Westen oder fliegende Fäuste in sonnendurchfluteten Küstenstädten vor sich. Es herrscht die weit verbreitete Meinung, dass diese Filme lediglich der anspruchslosen Unterhaltung dienten, ein Ventil für die Arbeiterklasse, die nach Feierabend sehen wollte, wie die Obrigkeit oder das organisierte Verbrechen ordentlich vermöbelt wird. Doch dieser Blick greift zu kurz. In Wahrheit war das Genre des komödiantischen Prügelfilms eine tiefgreifende Antwort auf die bleiernen Jahre Italiens, eine Zeit politischer Instabilität und Gewalt. Mitten in dieser Ära erschien ein Werk, das die üblichen Mechanismen des Buddy-Movies aufbrach und das organisierte Verbrechen nicht als düstere Bedrohung, sondern als groteske Bühne des Scheiterns inszenierte. Auch Die Engel Essen Bohnen markierte diesen Wendepunkt, indem es die Erwartungen an ein reines Action-Spektakel unterlief und stattdessen eine melancholische Satire auf das Streben nach dem schnellen Glück ablieferte. Es geht hier nicht um bloße Akrobatik der Gewalt, sondern um die bittere Erkenntnis, dass Moral in einer korrupten Welt ein Luxusgut ist, das man sich erst einmal leisten können muss.
Die Sehnsucht nach der großen Faust in Auch Die Engel Essen Bohnen
Die Geschichte führt uns in das New York der dreißiger Jahre, eine Kulisse, die im italienischen Kino jener Zeit oft als Chiffre für die eigene heimische Misere genutzt wurde. Wir begegnen zwei Männern, die unterschiedlicher kaum sein könnten und doch durch denselben existenziellen Hunger vereint werden. Giuliano Gemma spielt den charmanten Lebenskünstler, während Bud Spencer den bärigen, aber im Grunde herzensguten Kämpfer verkörpert. Was viele Zuschauer damals wie heute übersehen, ist die Tatsache, dass dieser Film die klassische Mafia-Romantik konsequent demontiert. Während Francis Ford Coppola zur gleichen Zeit den Paten als tragisches Epos stilisierte, zeigten die italienischen Filmemacher das Verbrechen als eine Serie von Missverständnissen und menschlichem Versagen.
Man muss verstehen, wie das System damals funktionierte. Die Menschen strömten in die Lichtspielhäuser, um eine Katharsis zu erleben, die ihnen der Alltag verweigerte. Wenn Bud Spencer zuschlug, war das kein Akt der Grausamkeit, sondern ein symbolischer Befreiungsschlag gegen die Unterdrückung. Doch in diesem speziellen Werk ist die Gewalt seltsam folgenlos und fast schon poetisch deplatziert. Die Protagonisten versuchen verzweifelt, im Milieu der Schutzgelderpresser Fuß zu fassen, nur um festzustellen, dass ihr eigenes Mitgefühl ihnen ständig im Weg steht. Das ist die eigentliche Ironie: Diejenigen, die am unteren Ende der sozialen Leiter stehen, sind psychologisch gar nicht in der Lage, die nötige Skrupellosigkeit aufzubringen, um nach oben zu gelangen.
Die Anatomie des Scheiterns als Erfolgsrezept
Ich habe oft beobachtet, wie Kritiker diese Art von Filmen als primitiv abstempelten, weil sie die Nuancen der schauspielerischen Leistung hinter der physischen Präsenz nicht erkannten. Bud Spencer war weit mehr als nur ein kräftiger Mann, der hart zuschlagen konnte. Er war der Prototyp des sanften Riesen, eine Figur, die in der europäischen Folklore tief verwurzelt ist. Sein Spiel in diesem Umfeld zeigt eine Verletzlichkeit, die im harten Gangstergenre Seltenheit besitzt. Wenn er versucht, böse zu schauen, sieht man in seinen Augen immer die Sorge um das nächste Abendessen oder das Wohl der Schwächeren. Das ist kein Zufall, sondern eine gezielte Dekonstruktion des Machismo.
Die Regie von Enzo Barboni, der unter dem Pseudonym E.B. Clucher bekannt wurde, setzte hier Standards, die weit über das hinausgingen, was man von einer Komödie erwartete. Er nutzte die Weitwinkelaufnahmen der staubigen Straßen nicht nur für die Optik, sondern um die Isolation der Individuen in einer feindseligen Urbanität zu betonen. Du siehst diese Charaktere in einem Raum, der eigentlich zu groß für sie ist, und sofort wird klar, dass sie in der Welt der großen Bosse niemals eine echte Chance haben werden. Es ist dieser Kontrast zwischen der physischen Stärke und der sozialen Ohnmacht, der die erzählerische Tiefe erzeugt.
Warum die Moral der Geschichte im Magen liegt
Ein zentraler Punkt, der oft missverstanden wird, ist die Bedeutung der Nahrung in diesen Filmen. Bohnen sind hier nicht nur ein komödiantisches Requisit für spätere Verdauungswitze. Sie sind das Symbol der Genügsamkeit und der Verbundenheit mit der Erde. In einer Welt, in der die Reichen Hummer essen und Wein aus Kristallgläsern trinken, bleibt das einfache Gericht der Anker der Menschlichkeit. Es ist ein Akt des Widerstands, sich mit einer einfachen Mahlzeit zufriedenzugeben, während um einen herum die Gier regiert.
Skeptiker könnten nun einwenden, dass dies eine Überinterpretation eines einfachen Unterhaltungsfilms sei. Sie würden behaupten, dass das Publikum lediglich über die Slapstick-Einlagen lachen wollte. Doch wer die Kinokultur jener Jahre studiert, etwa durch die Arbeiten des Filmhistorikers Christopher Frayling, erkennt schnell, dass das italienische Genrekino immer politisch war, oft sogar unbewusst. Die Ablehnung des feinen Essens zugunsten der Bohnen ist eine Absage an die Dekadenz der herrschenden Klasse. Es ist eine Identifikation mit dem Proletariat, die ohne erhobenen Zeigefinger auskommt.
Das Budget für solche Produktionen war oft knapp, was die Filmemacher zu kreativen Höchstleistungen zwang. Anstatt teure Spezialeffekte zu nutzen, verließen sie sich auf das Timing der Darsteller und die Choreografie der Kämpfe. Diese Kämpfe waren wie Tänze inszeniert, eine Form der gewaltfreien Gewalt, wenn man so will. Niemand blutete ernsthaft, niemand starb einen qualvollen Tod. Die Welt von Auch Die Engel Essen Bohnen ist eine utopische Version der Realität, in der Konflikte mit einer kräftigen Schelle gelöst werden können, ohne dass das Gefüge der Welt dauerhaft Schaden nimmt.
Der Mythos des einsamen Helden und seine Auflösung
Im klassischen Western oder im amerikanischen Kriminalfilm ist der Held oft ein einsamer Wolf. Er braucht niemanden und zieht seine Stärke aus seiner Isolation. Das italienische Kino der siebziger Jahre setzte dem das Konzept der Kameradschaft entgegen. Die Freundschaft zwischen den beiden Protagonisten ist das einzige stabile Element in einer ansonsten instabilen Umgebung. Sie zanken sich, sie betrügen sich gelegentlich gegenseitig um ein paar Dollar, aber am Ende stehen sie füreinander ein.
Diese Dynamik ist essenziell, um zu verstehen, warum diese Filme in Deutschland und Resteuropa so erfolgreich waren. Sie trafen einen Nerv in einer Gesellschaft, die sich nach dem Wirtschaftswunder in einer Phase der Anonymisierung befand. Die Sehnsucht nach einem Partner, auf den man sich blind verlassen kann, wenn es brenzlig wird, ist universell. Dass diese Partnerschaft hier im kriminellen Milieu angesiedelt ist, macht sie nur menschlicher, da sie zeigt, dass Loyalität nicht an gesetzliche Integrität gebunden ist.
Ein Erbe jenseits der Nostalgie
Wenn wir heute auf diese Ära blicken, dürfen wir nicht den Fehler machen, sie nur durch die rosarote Brille der Kindheitserinnerung zu betrachten. Die Filme waren ein Spiegelbild ihrer Zeit. Sie thematisierten die Korruption der Polizei, die Willkür der Justiz und die Hoffnungslosigkeit der wirtschaftlich Abgehängten. Dass sie dies mit einem Lächeln taten, war eine Überlebensstrategie. Es war die Art und Weise, wie eine ganze Generation mit den Traumata der Nachkriegszeit und den Spannungen der Gegenwart umging.
Die schauspielerische Leistung von Giuliano Gemma in dieser Konstellation verdient besondere Beachtung. Er war eigentlich ein Star des ernsten Italowesterns, ein Mann mit dem Gesicht eines Engels und der Beweglichkeit eines Akrobaten. Ihn an die Seite des wuchtigen Spencers zu stellen, war ein genialer Schachzug der Kontraste. Während Gemma die Eleganz und den schnellen Verstand verkörperte, war Spencer die unaufhaltsame Naturgewalt. Zusammen bildeten sie eine Einheit, die das Chaos der Welt für kurze Zeit in eine Ordnung brachte, die jeder im Kinosaal verstehen konnte.
Es gibt Experten, die behaupten, dass das Genre am eigenen Erfolg zugrunde ging, weil die Formeln zu oft wiederholt wurden. Das mag für die späten achtziger Jahre stimmen, aber in der Blütezeit war jedes dieser Werke ein Unikat der handwerklichen Filmkunst. Die Kameraarbeit war oft experimentell, die Filmmusik von Komponisten wie Guido und Maurizio De Angelis schuf Hymnen, die bis heute im Ohr bleiben. Diese Musik gab den Filmen eine Leichtigkeit, die den oft düsteren Inhalt kontrapunktierte.
Man muss sich vor Augen führen, dass die Produktion solcher Filme ein logistischer Kraftakt war. Hunderte von Statisten mussten koordiniert werden, die Stunts waren gefährlich und erforderten höchste Präzision. Es gab keine digitalen Retuschen. Wenn ein Tisch zerbrach, dann zerbrach er wirklich, und wenn ein Darsteller durch ein Fenster flog, dann war das echte körperliche Arbeit. Diese Authentizität ist es, die man heute in vielen glattgebügelten Produktionen vermisst. Es war ein Kino zum Anfassen, schmutzig, laut und ehrlich.
Die soziale Komponente dieser Erzählungen wird oft unterschätzt. In einer Szene sehen wir, wie die Protagonisten versuchen, Geld von Menschen einzutreiben, die noch weniger haben als sie selbst. Anstatt ihre Machtposition auszunutzen, enden sie damit, den Menschen zu helfen. Das ist der Kern der Subversion: In einem System, das auf Ausbeutung basiert, ist die Entscheidung für die Güte der radikalste Akt, den man begehen kann. Es ist eine Form des stillen Protests gegen eine Gesellschaft, die nur noch den materiellen Wert des Einzelnen kennt.
Man könnte fast sagen, dass diese Filme die Vorläufer der modernen Superheldengeschichten sind, nur ohne die glänzenden Rüstungen und die moralische Überlegenheit. Die Helden hier sind fehlerhaft, sie sind gierig, sie sind faul – aber sie haben ein Herz. Und genau dieses Herz ist es, das sie von den echten Kriminellen unterscheidet. Die Mafia-Bosse in diesen Filmen werden oft als lächerliche Figuren dargestellt, die sich hinter großen Schreibtischen und einer Armee von Handlangern verstecken. Die wahre Stärke hingegen liegt auf der Straße, im direkten Kontakt mit den Menschen.
Betrachtet man die Entwicklung des europäischen Kinos, so sieht man den Einfluss dieser Werke bis heute. Die Mischung aus Action und Humor, die soziale Komponente und das Spiel mit Archetypen finden sich in vielen modernen Produktionen wieder. Es war eine Schule des Sehens, die uns beigebracht hat, dass Unterhaltung und Anspruch keine Gegensätze sein müssen. Man kann über einen Faustschlag lachen und im nächsten Moment über die Ungerechtigkeit der Welt nachdenken. Das ist die Kunst der Balance, die in jener Zeit perfektioniert wurde.
Oft wird gefragt, warum diese Filme gerade in Deutschland so einen massiven Kultstatus erreicht haben. Ein Teil der Antwort liegt sicher in der Synchronisation, die oft freier und witziger war als das Original. Aber der tiefere Grund ist die deutsche Mentalität, die eine Vorliebe für den ehrlichen Arbeiterhelden hat. Bud Spencer wurde hierzulande nicht nur als Schauspieler, sondern als eine Art moralische Instanz verehrt. Er war der Onkel, den sich jeder wünschte: streng, aber gerecht, und immer bereit, für die Schwachen in den Ring zu steigen.
Die Bedeutung von Auch Die Engel Essen Bohnen liegt also nicht nur in seinem Unterhaltungswert. Er ist ein Dokument einer Übergangsphase des Kinos, in der die alten Mythen des Heldentums durch menschlichere, greifbarere Figuren ersetzt wurden. Es ist ein Film über die Würde des kleinen Mannes in einer Welt, die ihn vergessen hat. Wenn wir die oberflächliche Ebene der Prügeleien verlassen, entdecken wir eine Geschichte über Solidarität, die heute aktueller ist denn je.
In einer Ära, in der wir uns oft von komplexen globalen Problemen überfordert fühlen, bietet dieser Blick zurück eine wichtige Lektion. Er zeigt uns, dass man nicht die Welt retten muss, um ein Held zu sein. Manchmal reicht es schon, das Richtige zu tun, wenn niemand hinsieht, oder eine Mahlzeit mit jemandem zu teilen, der sie nötiger hat als man selbst. Die Einfachheit der Bohnen steht für die Essenz des Lebens, die in der Hektik des modernen Strebens nach Erfolg oft verloren geht.
Das Kino jener Zeit hat uns gelehrt, dass man über die Widrigkeiten des Lebens lachen kann, ohne sie zu verharmlosen. Es hat uns gezeigt, dass wahre Stärke nichts mit Muskelmasse zu tun hat, sondern mit der Fähigkeit, sich seine Menschlichkeit zu bewahren, egal wie rau die Umgebung ist. Wenn die Fäuste fliegen, dann tun sie das für eine Sache, die größer ist als der Moment – sie fliegen für die Gerechtigkeit in einer ungerechten Welt. Und am Ende des Tages, wenn der Staub sich gelegt hat, ist es nicht der Sieg, der zählt, sondern das Wissen, dass man sich nicht verbogen hat.
Wahre Größe zeigt sich nicht im Triumph über den Gegner, sondern in der Weigerung, die eigene Seele für ein Stück vom großen Kuchen zu verkaufen.
