Es gibt diesen einen Moment in der Geschichte des Blockbusters, an dem die Realität endgültig vor dem Spektakel kapitulierte. Die meisten Zuschauer betrachten das Jahr 2019 als den Höhepunkt eines ungebremsten Franchise-Wachstums, doch bei genauerem Hinsehen offenbart sich ein Riss im Fundament der Erzählkunst. Wir glaubten, wir sähen lediglich zwei Alphatiere dabei zu, wie sie sich durch ein globales Abenteuer prügeln, doch in Wahrheit markierte Ast & Furious Hobbs & Shaw den Punkt, an dem die Mechanik des Star-Egos die Logik der Geschichte vollständig ersetzte. Es war kein einfacher Ableger einer erfolgreichen Reihe. Es war die Geburtsstunde eines neuen, künstlichen Kino-Gens, das die Grenze zwischen Videospiel und Film verwischte, ohne dabei die emotionalen Wurzeln zu bewahren, die das Genre einst groß machten.
Die landläufige Meinung besagt, dass diese Art von Kino eine logische Eskalation dessen ist, was das Publikum verlangt. Man will mehr Muskeln, mehr Zerstörung und mehr lockere Sprüche. Ich behaupte jedoch, dass dieses Werk den Zuschauer unterschätzt. Es transformierte eine Saga, die ursprünglich von illegalen Straßenrennen und einer fast schon rührseligen Vorstellung von Familie handelte, in eine sterile Welt aus genetisch aufgebesserten Superschurken und physikalischen Unmöglichkeiten, die selbst für dieses Universum zu weit gingen. Wer diesen Film sieht, erkennt nicht mehr das Handwerk des Action-Regisseurs David Leitch, sondern die Handschrift von Verträgen und Klauseln, die sicherstellen, dass keiner der Hauptdarsteller eine Schlägerei verliert.
Die sterile Perfektion von Ast & Furious Hobbs & Shaw
In der Branche kursieren seit Jahren Berichte darüber, wie akribisch die Kampfchoreografien in solchen Großproduktionen überwacht werden. Es geht nicht mehr darum, wer die bessere Geschichte erzählt. Es geht darum, wer im Schnitt mehr Treffer landet. Diese Entwicklung führt zu einer seltsamen emotionalen Taubheit beim Publikum. Wenn wir wissen, dass die Protagonisten unverwundbar sind, verlieren die Explosionen ihren Wert. Die Gefahr wirkt behauptet, nie spürbar. Wir sahen hier zwei Männer, die sich gegenseitig beleidigten, während die Welt um sie herum in digitalem Feuer versank. Das war kein Konflikt, sondern ein choreografierter Tanz zweier Markenidentitäten.
Das stärkste Gegenargument der Befürworter ist simpel: Es soll doch nur Spaß machen. Man solle das Gehirn ausschalten und die Show genießen. Doch genau hier liegt der Fehler in der Denkweise. Wenn wir akzeptieren, dass Kino nur noch eine Reizüberflutung ohne Konsequenzen ist, berauben wir uns der Fähigkeit, echte Spannung zu erleben. Ein Film wie Mad Max: Fury Road hat gezeigt, dass man gigantische Action mit physischer Präsenz und echter Gefahr verbinden kann. Im Vergleich dazu wirkt die hier besprochene Produktion wie ein klinisch reines Produkt aus dem Labor. Die Kameraschwenks sind zu perfekt, die Farben zu gesättigt, die Helden zu glattgebügelt. Es fehlt der Dreck unter den Fingernägeln, der das frühe Actionkino so greifbar machte.
Das Paradoxon der Unbesiegbarkeit
Wenn ein Charakter wie Brixton Lore als schwarzer Superman eingeführt wird, verschiebt sich der Maßstab des Möglichen so weit ins Absurde, dass jede Form von Taktik oder Geschicklichkeit hinfällig wird. Die Lösung für jedes Problem ist dann nur noch mehr Kraft oder eine noch größere Explosion. Das ist der Tod der Dramaturgie. In der klassischen Erzähltheorie wächst ein Held an seinen Hindernissen. Hier jedoch sind die Hindernisse nur Kulissen, die darauf warten, zertrümmert zu werden. Man kann es fast als Metapher für die aktuelle Hollywood-Landschaft sehen: Man kauft sich den Erfolg durch schiere Masse, anstatt durch Innovation zu überzeugen.
Ich erinnere mich an Gespräche mit Kinobetreibern, die damals hofften, dieser Film würde eine neue Ära von Spin-offs einläuten. Die Zahlen gaben ihnen oberflächlich recht, doch die Langzeitwirkung blieb aus. Die Menschen erinnern sich an Szenen aus Filmen, in denen etwas auf dem Spiel stand. Wer kann sich heute noch an eine spezifische Wendung in diesem speziellen Plot erinnern? Die Handlung fungierte lediglich als Bindegewebe zwischen Stunts, die in einem Trailer besser funktionierten als im Kontext der zwei Stunden Laufzeit. Es war der Moment, in dem das Franchise seine Seele gegen eine Hochglanz-Broschüre eintauschte.
Der Einfluss von Ast & Furious Hobbs & Shaw auf die Erzählstruktur
Man muss sich vor Augen führen, was dieser Film mit dem Begriff des Helden gemacht hat. Früher waren Actionhelden oft Außenseiter oder Menschen, die gegen ein System kämpften. Hier sehen wir zwei Männer, die selbst das System sind. Sie verfügen über unbegrenzte Ressourcen, die neueste Technologie und eine moralische Überlegenheit, die nie hinterfragt wird. Das ist eine gefährliche Richtung für das Geschichtenerzählen. Es spiegelt eine Welt wider, in der Macht und Erfolg die einzigen Währungen sind. Die Nuancen gehen verloren, wenn man nur noch in Superlativen denkt.
Die Erosion der physischen Realität
Es gab eine Zeit, in der Stuntmen die heimlichen Könige des Sets waren. Man sah echte Autos, die echte Sprünge vollführten. In diesem Werk wurde jedoch so viel durch computergenerierte Bilder ersetzt, dass die Schwerkraft nur noch eine lose Empfehlung zu sein schien. Wenn Lastwagen an Hubschraubern hängen und Klippen hinabstürzen, ohne dass ein Kratzer an den Beteiligten zurückbleibt, verliert der Zuschauer den Bezug zum Geschehen. Das ist kein technischer Fortschritt, sondern eine visuelle Inflation. Je mehr man sieht, desto weniger fühlt man.
Die Skepsis gegenüber dieser Kritik wird oft mit dem Hinweis auf das weltweite Einspielergebnis abgetan. Aber Erfolg ist kein Beleg für Qualität, sondern oft nur ein Beweis für effizientes Marketing. Wir leben in einer Zeit, in der Markenbekanntheit wichtiger ist als Originalität. Das führt dazu, dass Studios lieber das Risiko minimieren und auf bewährte Formeln setzen. Doch Formeln nutzen sich ab. Das Publikum merkt irgendwann, dass es immer wieder dasselbe Gericht in einer neuen Verpackung serviert bekommt. Der Sättigungspunkt ist erreicht, wenn die Übertreibung zur Normalität wird.
Zwischen Kitsch und Kommerz
Ein interessanter Aspekt ist die Darstellung von Kultur und Herkunft. Der finale Kampf auf Samoa sollte wohl eine Rückbesinnung auf traditionelle Werte und Familie darstellen. Doch im Kontext eines Multimillionen-Dollar-Projekts wirkt dieser Rückgriff auf Keulen und Haka-Tänze fast schon zynisch. Es ist eine oberflächliche Aneignung von Identität, um dem Film eine emotionale Tiefe zu verleihen, die er sich vorher nicht erarbeitet hat. Man kann Emotionen nicht einfach per Drehbuchbefehl erzwingen, wenn man die vorangegangenen neunzig Minuten damit verbracht hat, jegliche Menschlichkeit durch Metall und Muskeln zu ersetzen.
Ich habe oft darüber nachgedacht, warum wir als Zuschauer bereit sind, diese Art von Kino zu akzeptieren. Vielleicht liegt es an der Sehnsucht nach Klarheit. In einer komplexen Welt bietet ein solcher Film eine einfache binäre Struktur: Gut gegen Böse, Stark gegen Schwach. Aber wir tun uns keinen Gefallen, wenn wir unsere ästhetischen Ansprüche so weit senken. Wahre Unterhaltung sollte fordern, nicht nur berieseln. Sie sollte uns mit einem Gefühl der Staunens entlassen, das über die Frage hinausgeht, wie viel das CGI-Budget wohl betragen hat.
Die Mechanik des Star-Vehikels
Man darf die Macht der beteiligten Schauspieler nicht unterschätzen. Sie sind heute ihre eigenen Produzenten, ihre eigenen Markenmanager. Das führt dazu, dass Drehbücher so umgeschrieben werden, dass sie das Image der Stars schützen. Wenn ein Schauspieler vertraglich festlegen lässt, dass er nicht mehr einstecken darf als sein Gegenüber, ist das der Gipfel der Eitelkeit. Es zerstört jegliche Dynamik. Ein guter Kampf braucht eine Phase der Schwäche, ein Moment des drohenden Scheiterns. Ohne diese Fallhöhe bleibt nur eine sterile Demonstration von Dominanz.
Man kann diesen Trend bei vielen modernen Produktionen beobachten, doch hier trat er besonders deutlich zutage. Es war das Ende der Ära, in der Regisseure eine Vision hatten, und der Beginn der Ära, in der Algorithmen und Image-Berater das Sagen haben. Wir sehen keine Charaktere mehr, wir sehen Avatare von Prominenten, die sich durch eine künstliche Landschaft bewegen. Das nimmt dem Kino den Zauber. Es verwandelt den Kinosaal in einen Showroom für das nächste Merchandising-Produkt.
Es ist nun mal so, dass wir uns an einem Scheideweg befinden. Wir können weiterhin diese Art von seelenlosem Gigantismus feiern, oder wir besinnen uns darauf zurück, was Action wirklich bedeuten kann: Spannung, Risiko und echte menschliche Reaktionen. Die Frage ist nicht, ob wir unterhalten werden wollen, sondern zu welchem Preis. Wenn wir den Sinn für das Reale verlieren, verlieren wir auch die Fähigkeit, von Geschichten wirklich berührt zu werden. Das Kino sollte mehr sein als eine Aneinanderreihung von Schauwerten. Es sollte ein Spiegel unserer Kämpfe, Ängste und Triumphe sein, egal wie groß die Leinwand ist.
Wir müssen aufhören, den bloßen Exzess mit Fortschritt zu verwechseln, denn ein Film ohne Seele bleibt trotz aller Spezialeffekte nur ein flackerndes Licht im Dunkeln.
