خون به پا خواهد شد

Daniel Day-Lewis sitzt in einem kargen Zelt, das Gesicht von einer Schicht aus Ruß und Öl verkrustet, die Augen so tief in den Höhlen liegend, als hätten sie zu lange in den Abgrund eines Bohrlochs gestarrt. Es ist diese eine Szene in Paul Thomas Andersons Meisterwerk, in der die Stille nicht leer ist, sondern drückt. Man hört das rhythmische Schlagen des Meißels gegen den Stein, ein metallisches Keuchen, das den Takt für den Aufstieg eines Mannes und den Untergang einer Seele vorgibt. In diesem Moment, bevor das schwarze Gold aus der Erde schießt und den kalifornischen Himmel besudelt, ahnt man, dass die Gier eine Spur ziehen wird, die man nicht mehr wegwischen kann. Es ist die filmische Verkörperung dessen, was der persische Titel des Films so unheilvoll prophezeit: خون به پا خواهد شد.

Die Geschichte von Daniel Plainview ist keine bloße Erzählung über die Ölindustrie zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts. Sie ist eine Sezierungen des amerikanischen Traums, der unter dem Gewicht von Isolation und Fanatismus in sich zusammenbricht. Wenn man den Film heute betrachtet, fast zwei Jahrzehnte nach seinem Erscheinen, spürt man eine seltsame Aktualität, die weit über die historischen Kostüme hinausgeht. Es geht um die Mechanik des Ehrgeizes, der keine Mitmenschen mehr kennt, sondern nur noch Hindernisse oder Werkzeuge. Anderson nutzt die Weite der texanischen Wüste, die eigentlich Marfa darstellt, um eine klaustrophobische Atmosphäre zu schaffen. Die Leere des Raums spiegelt die Leere in Plainview wider, einem Mann, der seinen Adoptivsohn als Requisite für seine Integrität benutzt, während er innerlich längst jeden Bezug zur Menschlichkeit gekappt hat.

In der deutschen Rezeption wurde das Werk oft unter dem Titel There Will Be Blood diskutiert, doch die Wucht der ursprünglichen Bedeutung, die von Gewalt und einer fast biblischen Unausweichlichkeit spricht, bleibt der Kern der Erzählung. Wer das Kino von Anderson kennt, weiß um seine Vorliebe für komplexe Vater-Sohn-Dynamiken und den schleichenden Zerfall von Institutionen. Hier ist es die Konfrontation zwischen dem Kapitalismus des Öls und dem Wahnsinn einer selbsternannten religiösen Erleuchtung, verkörpert durch den jungen Prediger Eli Sunday. Paul Dano spielt diesen Gegenspieler mit einer quälenden Mischung aus Eifer und Feigheit. Es ist ein Duell zweier Männer, die beide behaupten, das Licht zu bringen – der eine durch Energie, der andere durch das Wort Gottes –, während sie den Boden unter ihren Füßen in eine moralische Wüste verwandeln.

Die Anatomie des Wahnsinns in خون به پا خواهد شد

Das Set in Marfa war kein gewöhnlicher Drehort. Die Crew lebte wochenlang in der Isolation, umgeben von der gnadenlosen Hitze und dem Staub, der in jede Pore drang. Day-Lewis, bekannt für seine totale Hingabe an eine Rolle, blieb auch zwischen den Aufnahmen in seinem Charakter. Er baute Zäune, er lernte die Handgriffe der damaligen Bohrtechnik, er wurde zu Plainview. Diese Authentizität ist in jedem Bild spürbar. Wenn das erste Öl spritzt und ein Feuer ausbricht, das die Nacht zum Tag macht, ist das kein billiger Spezialeffekt. Es ist eine entfesselte Naturgewalt, die zeigt, wie klein der Mensch gegenüber den Kräften ist, die er aus der Tiefe heraufbeschwört. Robert Elswit, der Kameramann, fing diese Inferno-Szenen mit einer Brillanz ein, die ihm später den Oscar einbrachte. Die Flammen wirken wie ein Lebewesen, ein gieriger Gott, der Opfer fordert.

Das Schweigen der Maschinen

Johnny Greenwood, der Gitarrist von Radiohead, schuf für dieses Epos einen Soundtrack, der mit den Konventionen des Historienfilms bricht. Anstatt schwelgerischer Streicher hört man Dissonanzen, nervöses Zirpen und rhythmische Strukturen, die eher an Industriemaschinen als an ein Orchester erinnern. Diese Musik kriecht unter die Haut. Sie signalisiert dem Zuschauer, dass hier etwas Grundsätzliches schiefgelaufen ist. Die Musik fungiert als das Gewissen, das Plainview längst zum Schweigen gebracht hat. Sie kommentiert nicht die Handlung, sie treibt sie voran, wie der unerbittliche Takt einer Dampfmaschine. In den Momenten, in denen Plainview seinen Sohn wegschickt, weil dessen Taubheit ihn an seiner Arbeit hindert, wird die Musik zu einem schrillen Schrei des Verrats.

Die Produktion war von Herausforderungen geprägt, die fast so episch waren wie die Geschichte selbst. Einmal musste der Dreh unterbrochen werden, weil der Rauch eines benachbarten Sets – die Coen-Brüder drehten zeitgleich No Country for Old Men – das Licht ruinierte. Zwei Monumente des modernen Kinos entstanden zur selben Zeit am selben Ort, beide getragen von einer tiefen Skepsis gegenüber dem menschlichen Wesen. Während die Coens den zufälligen Tod untersuchten, blickte Anderson in den Abgrund der vorsätzlichen Zerstörung. Plainview ist kein Opfer des Schicksals. Er ist der Architekt seines eigenen Kerkers, einer Villa, in der er am Ende einsam mit seinen Bowlingkugeln und seinem Hass lebt.

Man muss sich die physische Anstrengung dieser Ära vorstellen. Das Bohren nach Öl war 1911 kein Knopfdruck in einer klimatisierten Zentrale. Es war Schlamm, Blut, Schweiß und das ständige Risiko einer Explosion. Die Arbeiter waren Vagabunden, Männer ohne Heimat, die für einen kargen Lohn ihr Leben riskierten. Plainview nutzt diesen Hunger aus. Er spricht zu den Farmern mit einer sanften Stimme, verspricht ihnen Schulen und Wohlstand, während er bereits die Verträge in der Tasche hat, die ihnen ihr Land unter den Füßen wegziehen werden. Es ist eine Lektion in rhetorischer Manipulation, die heute, in einer Zeit der Desinformation, erschreckend vertraut wirkt. Der Film zeigt, wie leicht sich Gemeinschaften spalten lassen, wenn man nur die richtigen Ängste schürt und die Hoffnung auf schnellen Reichtum nährt.

Die Sprache der Gier

In einer der berühmtesten Sequenzen des Films erklärt Plainview das Konzept der Drainage mit der Metapher eines Milchshakes. Ich trinke deinen Milchshake! Ich trinke ihn aus! Es ist ein Moment des totalen Triumphes und gleichzeitig des vollkommenen Wahnsinns. Die Art und Weise, wie Day-Lewis diese Zeilen dehnt, wie er seinen Speichel und seine Wut in das Gesicht seines Widersachers schleudert, markiert den Endpunkt einer menschlichen Entwicklung. Es gibt keine Verhandlungen mehr, keine Nuancen. Nur noch das Aufzehren des anderen. Diese Szene wurde zum kulturellen Phänomen, doch hinter dem Meme steckt eine bittere Wahrheit über die Unersättlichkeit eines Systems, das kein Genug kennt.

Die Forschung zur Ära der Ölbarone, wie sie Upton Sinclair in seinem Roman Oil! beschrieb, auf dem der Film lose basiert, verdeutlicht die Skrupellosigkeit jener Jahre. Sinclair wollte die Ausbeutung der Arbeiterklasse anprangern, doch Anderson interessierte sich mehr für die psychologische Deformation des Individuums. Er nahm die politische Vorlage und verwandelte sie in ein Kammerspiel epischen Ausmaßes. Die historische Genauigkeit der Bohrvorrichtungen, die Rekonstruktion der kargen Holzhütten und die staubigen Straßen von Signal Hill sind nicht bloß Kulisse. Sie sind Zeugen einer Zeit, in der die moderne Welt geschmiedet wurde – auf Kosten derer, die zu schwach waren, um sich zu wehren.

Es ist bemerkenswert, wie sehr sich die Wahrnehmung des Films gewandelt hat. Kurz nach dem Kinostart wurde er als technisches Meisterwerk gefeiert, doch heute erkennt man in ihm eine prophetische Warnung. Wir leben in einer Welt, die auf den Fundamenten erbaut wurde, die Männer wie Plainview gelegt haben. Die ökologischen Folgen, die soziale Ungleichheit, der Aufstieg von Demagogen, die sich hinter religiösen Phrasen verstecken – all das ist in den zweieinhalb Stunden Laufzeit bereits angelegt. Die Kamera verharrt oft quälend lang auf den Gesichtern der Statisten, der echten Menschen der Region, deren tiefe Furchen in der Haut mehr über das harte Leben aussagen als jeder Dialog.

Die bleibende Wirkung von خون به پا خواهد شد

Wenn man heute durch die verlassenen Ölfelder Kaliforniens fährt, vorbei an den rostigen Pumpen, die wie tote Vögel in der Landschaft stehen, kehrt das Gefühl des Films zurück. Es ist eine Melancholie, die sich über das Land gelegt hat. Die Versprechen von damals sind verflogen, zurück geblieben sind die Narben in der Erde. Paul Thomas Anderson hat mit seinem Werk ein Denkmal für diese Zerstörung geschaffen. Er verurteilt Plainview nicht explizit; er lässt uns stattdessen zweieinhalb Stunden mit ihm atmen, bis wir den Geruch von Petroleum fast selbst in der Nase haben. Das ist die Macht des großen Kinos: Es zwingt uns, die Welt durch die Augen eines Monsters zu sehen, nur um am Ende festzustellen, dass die Züge dieses Monsters uns nicht gänzlich fremd sind.

Die filmische Reise endet in einem prachtvollen Anwesen, das so leblos ist wie ein Mausoleum. Plainview hat alles erreicht, was er wollte. Er ist der König seines Reiches, doch er regiert über nichts als Staub und Erinnerungen an begangene Sünden. Der letzte Kampf im Bowlingkeller ist kein heroischer Abschluss. Es ist ein jämmerliches Ende, ein Ausbruch von Gewalt, der keine Erlösung bringt. Wenn Plainview schließlich sagt: Ich bin fertig, dann meint er nicht nur die Tat, sondern seine gesamte Existenz. Er hat sich leergepumpt, genau wie die Brunnen, die er einst so besessen ausgebeutet hat.

Es gibt eine Stelle in der Mitte des Films, an der Plainview nachts allein am Feuer sitzt. Für einen kurzen Augenblick sieht man einen Funken von Bedauern in seinen Augen, ein kurzes Flackern dessen, was hätte sein können, wenn er die Liebe zu seinem Sohn über den Profit gestellt hätte. Doch der Moment vergeht so schnell, wie eine Sternschnuppe über der Wüste verglüht. Die Entscheidung war längst gefallen. Der Weg war vorgezeichnet, steinig und unerbittlich, bis hin zum bitteren Ende. In der Stille, die nach dem Abspann folgt, bleibt nur das Bild der endlosen Ebene unter einem gleichgültigen Himmel zurück.

Die Größe dieser Erzählung liegt nicht in ihrer Komplexität, sondern in ihrer Klarheit. Sie zeigt uns, dass jede Form von extremem Fortschritt einen Preis hat, der oft erst gezahlt wird, wenn es zu spät ist. Es ist eine Geschichte über das Erbe, das wir hinterlassen, und die Geister, die wir rufen. Während die Welt sich weiterdreht und neue Ressourcen erschlossen werden, bleiben die Themen des Films universell. Die Gier hat sich nur neue Masken gesucht, die Methoden sind subtiler geworden, doch der Kern bleibt der gleiche. Das Echo der Schläge gegen den Fels hallt immer noch nach, tief im Fundament unserer modernen Gesellschaft, wo der Schlamm der Vergangenheit nie ganz trocknet.

Ein einzelner silberner Löffel liegt auf dem Boden des prunkvollen Kellers, unweit eines leblosen Körpers. Das Licht der Deckenlampen bricht sich in seinem Metall, ein kleiner, glänzender Fleck in einer Szenerie der Verwüstung.