In den frühen Morgenstunden in den Shepperton Studios, südwestlich von London, liegt ein feiner Nebel über den Backlots. Es ist die Art von Kühle, die sich in die Kostüme frisst, egal wie prachtvoll sie gearbeitet sind. Helena Bonham Carter sitzt in der Maske, während zwei Assistenten vorsichtig eine prothetische Stirn applizieren, die ihren Kopf auf das Dreifache seiner natürlichen Größe anschwellen lässt. Sie blickt nicht in einen gewöhnlichen Spiegel, sondern in ein Werkzeug der Verwandlung, das sie von der Realität isoliert. Es ist dieser Moment der Stille vor dem Chaos, in dem die Grenze zwischen dem Schauspieler und der literarischen Karikatur verschwimmt. Das Alice Through The Looking Glass Cast versammelte sich hier nicht einfach nur für eine Fortsetzung, sondern um eine Geschichte über die Unausweichlichkeit der Zeit und die Zerbrechlichkeit familiärer Bande zu erzählen, die weit über Lewis Carrolls mathematische Spielereien hinausging.
Die Luft in der riesigen Halle riecht nach Haarspray, abgestandenem Kaffee und dem elektrischen Summen der Greenscreen-Beleuchtung. Mia Wasikowska, die Alice mit einer fast stoischen Modernität verkörpert, geht ihre Zeilen durch, während sie in einem viktorianischen Kapitänsmantel steckt, der schwer auf ihren Schultern lastet. Es ist ein bizarrer Kontrast: die hypermoderne Technik der Filmproduktion trifft auf die visuelle Opulenz des 19. Jahrhunderts. Dieser Film, produziert von James Bobin und mit der Handschrift von Tim Burton als Produzent versehen, versuchte etwas Riskantes. Er wollte Carrolls abstrakte Fortsetzung in ein emotionales Familiendrama verwandeln, in dem das Unmögliche nicht nur ein logisches Rätsel, sondern eine psychologische Notwendigkeit ist.
Es ging bei dieser Produktion nie nur um Spezialeffekte, obwohl die digitalen Welten von Underland die Leinwand fast zu sprengen drohten. Im Kern stand die menschliche Komponente, die Dynamik zwischen den Darstellern, die eine Welt bevölkern mussten, die während der Dreharbeiten physisch gar nicht existierte. Wenn man Schauspielern dabei zusieht, wie sie mit Tennisbällen an Stangen interagieren, die später in Grinsekatzen oder sprechende Blumen verwandelt werden, erkennt man die reine Essenz ihres Handwerks. Sie müssen Gefühle aus dem Nichts schöpfen. Die Verbundenheit, die wir auf der Leinwand sehen, ist das Ergebnis monatelanger Arbeit in kargen, grünen Räumen, in denen die einzige Konstante die Stimme des Partners ist.
Die Last der Zeit und das Alice Through The Looking Glass Cast
Einer der bewegendsten Aspekte dieser Produktion war die Rückkehr von Alan Rickman. Es war seine letzte filmische Darbietung, die Stimme von Absolem, dem blauen Schmetterling, der einst eine Raupe war. Seine Stimme, dieses tiefe, samtige Grollen, das so viel Autorität und Melancholie zugleich transportierte, wurde zum emotionalen Anker für das gesamte Projekt. Rickman verstarb kurz vor der Veröffentlichung des Films im Jahr 2016, und sein Tod warf einen langen Schatten auf die Promotion-Tour. Die Kollegen sprachen von ihm nicht als einem Star, sondern als einem Mentor, dessen Präsenz am Set eine fast heilige Ernsthaftigkeit in die oft absurden Szenen brachte.
James Bobin erinnerte sich später daran, wie akribisch Rickman an der Nuancierung eines einzigen Wortes arbeitete. In einer Welt, die so sehr auf visuelle Reize setzt, wurde seine Stimme zum Beweis dafür, dass die menschliche Seele eines Films in seinen kleinsten Details liegt. Das Alice Through The Looking Glass Cast musste sich mit der schmerzhaften Ironie auseinandersetzen, dass der Film selbst das Thema Zeit behandelte – Zeit als ein Wesen, Zeit als Dieb, Zeit als Lehrer. Während sie Szenen drehten, in denen Alice versuchte, die Vergangenheit zu ändern, um die Familie des Hutmachers zu retten, tickte die Uhr der Realität unerbittlich weiter.
Sacha Baron Cohen brachte eine völlig neue Energie in diese Gruppe. Als Verkörperung der „Zeit“ selbst, halb Mensch, halb Uhrwerk, verlieh er der abstrakten Bedrohung ein Gesicht. Er spielte die Zeit nicht als bösen Schurken, sondern als einen überarbeiteten Bürokraten des Schicksals, eine Figur von tragikomischer Einsamkeit. Die Chemie zwischen ihm und Johnny Depp, der erneut in die Rolle des Verrückten Hutmachers schlüpfte, war von einer tiefen, gegenseitigen Wertschätzung für das Groteske geprägt. Depp, dessen Darstellung des Tarrant Hightopp im ersten Teil von 2010 ein globales Phänomen war, suchte in der Fortsetzung nach dunkleren Tönen. Er wollte die Trauer zeigen, die hinter dem Wahnsinn steckt, den Verlust eines Vaters und die Sehnsucht nach Vergebung.
Die Architektur des Wahnsinns
Die Kostümbildnerin Colleen Atwood, eine Legende ihres Fachs, schuf für jeden Darsteller eine zweite Haut, die mehr über die Figur aussagte als jeder Dialog. Für die Rote Königin entwarf sie Kleider, die gleichzeitig majestätisch und einengend wirkten, ein visuelles Symbol für die unterdrückte Wut einer Frau, die nur geliebt werden wollte. Anne Hathaway als Weiße Königin hingegen schwebte in fast unnatürlicher Reinheit durch die Szenen, doch Atwood fügte subtile Zeichen von Künstlichkeit hinzu, um die moralische Ambiguität der Figur zu unterstreichen. Es war eine Welt, in der Stoffe und Farben die Arbeit des Drehbuchs unterstützten und den Schauspielern halfen, ihre Rollen physisch zu begreifen.
Die Dreharbeiten waren ein logistischer Kraftakt. Große Teile der Küsten von Cornwall dienten als Kulisse für Alices Rückkehr in die reale Welt, wo sie als Kapitänin ihres eigenen Schiffes, der Wonder, gegen die Konventionen der viktorianischen Gesellschaft ankämpfte. Dieser Teil der Geschichte ist für ein modernes Publikum besonders resonant. Alice ist keine hilflose Träumerin mehr; sie ist eine Frau der Tat, die lernt, dass man die Vergangenheit zwar nicht ändern kann, aber sehr wohl die Lehren daraus ziehen muss. Es ist ein radikaler Bruch mit der literarischen Vorlage, der jedoch notwendig war, um der Geschichte im 21. Jahrhundert eine Seele zu geben.
In den Pausen zwischen den Aufnahmen sah man oft Rhys Ifans, der den strengen Vater des Hutmachers spielte, in tiefem Gespräch mit Johnny Depp. Sie diskutierten nicht über die absurden Perücken oder das Make-up, sondern über die universelle Schwierigkeit, den Erwartungen der Eltern gerecht zu werden. Hier liegt die wahre Stärke der Erzählung: Sie nutzt das Fantastische, um das Alltägliche zu beleuchten. Wir alle haben Momente, in denen wir uns wünschen, durch einen Spiegel treten zu können, um ein falsches Wort ungesagt zu machen oder einen geliebten Menschen noch einmal zu sehen. Die Schauspieler gaben diesen Wünschen ein Gesicht, eingehüllt in Seide und CGI.
Die Produktion war auch eine Reflexion über die Entwicklung der Filmindustrie selbst. Wo der erste Teil noch Pionierarbeit in Sachen 3D-Ästhetik geleistet hatte, konzentrierte sich die Fortsetzung stärker auf die Textur und das Licht. Die visuellen Effekte wurden von Sony Pictures Imageworks realisiert, die eng mit den Schauspielern zusammenarbeiteten, um sicherzustellen, dass die digitalen Umgebungen nicht von der Leistung der Menschen ablenkten. Es war ein Balanceakt zwischen technischer Brillanz und emotionaler Aufrichtigkeit. In einer Szene, in der Alice durch den Ozean der Zeit segelt, wird die visuelle Pracht fast nebensächlich im Vergleich zu der Entschlossenheit in Mia Wasikowskas Augen.
Ein Abschied von der Unschuld
Wenn man heute auf die Entstehung zurückblickt, wird deutlich, dass dieses Projekt eine Ära des Blockbuster-Kinos abschloss. Es war einer der letzten großen Realfilme, die sich trauten, so konsequent exzentrisch zu sein. Die Atmosphäre am Set wurde oft als eine Mischung aus Zirkus und hochgeistigem Theater beschrieben. Es gab keine Hierarchien, wenn es darum ging, die Vision von Lewis Carroll zu ehren, auch wenn diese Vision massiv für das Kino umgebaut wurde. Die Hingabe, mit der das Alice Through The Looking Glass Cast diese Transformation begleitete, ist in jeder Einstellung spürbar. Es war eine Gruppe von Künstlern, die wussten, dass sie an etwas arbeiteten, das über den Moment hinaus Bestand haben würde, sei es als visuelles Referenzwerk oder als Denkmal für verlorene Freunde.
Die Dreharbeiten endeten nicht mit einem großen Knall, sondern mit einer Reihe von leisen Abschieden. Als die letzte Klappe für Alan Rickman fiel, wusste niemand, dass dies sein letzter Beitrag zur Filmwelt sein würde. Es blieb eine Stille zurück, die nur schwer mit den bunten Bildern des fertigen Films zu vereinbaren war. Diese Stille ist es, die man spürt, wenn man genau hinsieht – eine tiefe Ernsthaftigkeit unter der Oberfläche des Spektakels. Es ist die Anerkennung der Tatsache, dass Fantasie kein Fluchtweg aus der Realität ist, sondern eine Methode, sie zu ertragen.
In Deutschland, wo die Romantik und das Märchenhafte tief in der kulturellen DNA verwurzelt sind, fand der Film ein Publikum, das diese Zwischentöne verstand. Carrolls Werk wurde hierzulande schon immer weniger als Kinderbuch und mehr als philosophisches Labyrinth begriffen. Die Verfilmung und die Leistung der Darsteller griffen dieses Verständnis auf. Sie zeigten uns, dass der Spiegel nicht nur ein Objekt ist, das Licht reflektiert, sondern ein Portal zu den Teilen unserer selbst, die wir im Alltag lieber verbergen. Die Wut der Roten Königin, die Melancholie des Hutmachers, die Kühle der Weißen Königin – all das sind wir.
Die Arbeit an einem solchen Epos hinterlässt Spuren bei den Beteiligten. Mia Wasikowska sprach später oft darüber, wie die Rolle der Alice ihre eigene Wahrnehmung von Zeit und Karriere beeinflusst hat. Es ist ein seltener Luxus, eine Figur über Jahre hinweg begleiten zu dürfen, sie wachsen und reifen zu sehen. Vom verwirrten Mädchen, das in ein Loch fällt, hin zur souveränen Frau, die erkennt, dass Zeit kein Feind ist, den man besiegen muss, sondern ein Geschenk, das man nutzen sollte. Diese Entwicklung spiegelt die Reise wider, die wir alle durchlaufen, auch wenn unsere Spiegel meist nur das Badezimmer oder den Flur zeigen.
Hinter den Kulissen gab es Momente der reinen Menschlichkeit, die nie in einem Making-of auftauchen würden. Ein gemeinsames Lachen über ein misslungenes Kostümteil, der Trost nach einer anstrengenden Nachtschicht, die stille Bewunderung für das Handwerk der Kollegen. Diese unsichtbaren Fäden sind es, die einen Film zusammenhalten. Ohne sie wäre das Ganze nur eine Aneinanderreihung von teuren Pixeln. Aber durch die kollektive Energie dieser Menschen entstand etwas, das atmet und fühlt. Sie gaben den mathematischen Rätseln von Carroll ein Herz und dem Wahnsinn eine Begründung.
Wenn man den Film heute sieht, achtet man vielleicht mehr auf die Stimmen, auf das Zittern in der Hand des Hutmachers oder die feinen Falten um die Augen der Königinnen. Es ist ein Dokument menschlicher Arbeit in einer digitalisierten Welt. Es erinnert uns daran, dass am Ende jeder technologischen Revolution immer noch ein Mensch stehen muss, der eine Geschichte erzählt. Jemand, der bereit ist, sich stundenlang in die Maske zu setzen, schwere Kostüme zu tragen und vor einer grünen Wand zu weinen, nur damit wir für zwei Stunden glauben können, dass man sechs unmögliche Dinge schon vor dem Frühstück erledigen kann.
Der Nebel in Shepperton hat sich längst verzogen, die Kulissen sind abgebaut und in Archiven verstaut oder längst recycelt. Was bleibt, ist die Projektion auf der Leinwand und das Gefühl, das sie hinterlässt. Es ist das Gefühl von einem windgepeitschten Deck, dem Geruch von altem Papier und der Erkenntnis, dass jeder Spiegel zwei Seiten hat. Wir schauen hinein und sehen uns selbst, doch manchmal, wenn das Licht genau richtig fällt und wir mutig genug sind, sehen wir die Möglichkeit von etwas ganz anderem.
In der letzten Szene des Films verabschiedet sich Alice von ihren Freunden in Underland. Es ist ein Abschied für immer, eine Rückkehr in eine Welt, die ihre Träume oft als Krankheit abtut. Doch sie nimmt die Gewissheit mit, dass das, was sie erlebt hat, real war, weil es sie verändert hat. Sie tritt durch den Spiegel zurück in das Wohnzimmer ihres alten Lebens, und für einen kurzen Moment bleibt die Oberfläche des Glases flüssig, wie Wasser, das sich erst langsam wieder glättet. Es ist ein Bild von vollkommener Ruhe. Das letzte, was man sieht, ist ihr Gesicht, das im Glas reflektiert wird – nicht mehr als die Abenteurerin, sondern als eine Frau, die ihren Platz in der Welt gefunden hat, während im Hintergrund das Ticken einer Uhr langsam verstummt.
